Diccionario

Muchas veces te habrás preguntado cómo graban constantemente a los concursantes de ‘GH’ sin que aparezca una sola cámara con su operador. Lo cierto es que en este tipo de realities están cubiertos todos los detalles, desde que se sienta un concursante en su cama hasta que va a la cocina y se prepara algo de comer. Para tener flexibilidad cubriendo detalles es necesario un operador de cámara con movilidad y no cualquier solución de cámaras robotizadas puede ser útil.

También es algo de extrañar que las casas de los realities estén llenas de espejos por todas partes. Quizás eso nos podría llevar a pensar que el estar aislados tanto tiempo haga que los concursantes necesiten una mayor sensación de espacio y en eso, los espejos son los reyes de la decoración. Pero no es así. Realmente, los espejos no son más que una tapadera para que las cámaras puedan grabar 24h cualquier detalle o situación que ocurra.

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Ya hemos hablado más de una vez por aquí de la importancia de los formatos de televisión. Formato, en televisión, indica algo más que la tecnología con la que comprimimos y transmitimos la información. Un formato describe el ADN de un programa de manera totalmente exhaustiva y el negocio que hay montado en torno a ellos no tiene nombre. Cientos de personas, departamentos de creación y empresas especializadas se dedican día a día a dar forma a una idea para convertirla en un formato de televisión, con la esperanza y suerte de que algún canal se fije en ella, vea el potencial económico de dicho formato y lo compre para emisión. Una tarea difícil e insólita a partes iguales, que en España suele estar en manos de las grandes productoras de contenido.

Una idea por sí sola no puede ser registrada. Pero sí un formato de televisión, que sería esa idea muy desarrollada y con una tipología y metodología de trabajo y exposición. Es decir, no es lo mismo pensar en un programa que enseñe a cantar a la gente, que un programa en el que se enseñe a cantar y mejorar durante tres meses, gente con talento que tiene buena voz, y que la audiencia decide cuál es el mejor en una gala final. Hablaríamos de ‘OT’. Pues bien, todas estas primerizas ideas se plasman en un papel y se desarrollan parte por parte: justificación de su existencia, papel de los concursantes, de los presentadores, de la audiencia, metodología, etc. hasta que se adquiere el aspecto de un briefing más elaborado.

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Retomamos nuestra sección diccionario teléfilo aprovechando que al otro lado del Atlántico están en plena temporada de pilotos, con las cadenas buscando actores y comenzando a rodar los episodios de presentación sobre los que los ejecutivos decidirán el futuro de sus series. Los que sigáis las noticias de actualidad de las nuevas series, estaréis cansados de leer que un actor ficha por una nueva serie en “second position”, y es precisamente lo que vamos a explicar hoy.

Cuando un actor firma un contrato con una nueva serie y sobre él se añade la cláusula de “second position”, quiere decir que la nueva serie será una segunda opción para el actor, por detrás del proyecto actual sobre el que el profesional esté trabajando. Normalmente hablamos de actores que están en una serie con un futuro dudoso, y por tanto buscan trabajo nuevo para la temporada siguiente. Pero como en esto de la televisión nunca hay que dar nada por sentado, no les queda más remedio que firmar como “second position”, ya que nunca se sabe. Veámoslo con algún ejemplo.

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En los últimos años, el proceso para renovar o cancelar una serie en Estados Unidos parece haberse vuelto un poco más complicado o, más en concreto, involucra más variables que las que podían considerarse tiempo atrás. Audiencias, costes, sueldos de los actores, ventas en DVD, ventas al extranjero, proyectos de nuevas series para la siguiente temporada… Todo eso se toma en consideración cuando las cadenas se enfrentan a la tarea de decidir el destino de aquellas series con audiencias no muy boyantes y que, en el argot, se describen como “en la burbuja”.

Una de esas variables es la license fee, que en este caso no debemos confundir con el canon por televisión que se paga en algunos países, como el Reino Unido, para financiar la televisión pública, y que en inglés puede nombrarse con el mismo término. La license fee a la que nos referimos aquí es lo que paga la cadena a la productora por cada capítulo de una serie. Hace algún tiempo os contamos un poco en qué consistía esa cuota en un especial sobre cómo funciona la televisión estadounidense, pero ahora vamos a intentar ver con un poco más detalle qué es exactamente y, lo que es más importante, qué papel juega en la renovación o cancelación de una serie.

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Seguimos añadiendo nuevas entradas a nuestro Diccionario Teléfilo, que podéis consultar desde aquí. Hoy vamos a hablar del término cold opening explicando su significado, tendencias y ejemplos de uso. En esencia, un cold opening es el pequeño fragmento de una serie o programa que se emite justo antes de sus títulos de crédito.

El uso de esta técnica es muy habitual hoy en día, pero no es algo que se haya venido haciendo desde siempre. En los años 60, los ejecutivos de las cadenas americanas detectaron que muchos espectadores cambiaban de canal al aparecer los créditos iniciales de una serie, sin darles tiempo a comenzar la primera escena. Para evitar esta pérdida de audiencia, comenzaron a exigir a los responsables de las series que antes de los títulos introdujeran una pequeña escena, a poder ser con un cliffhanger al final. De esta forma, algunos espectadores la verían y seguirían viendo la serie.

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El término del que vamos a hablar hoy no es exclusivo de la televisión sino que, en realidad. viene heredado desde el teatro. Allí, la cuarta pared hace referencia a la “separación” invisible entre el público y los actores en el escenario. Es una convención que supone que estamos viendo la obra a través de una “pared” transparente (e inexistente) que impide la interacción entre espectadores y actores. En la televisión, esa cuarta pared es realmente una barrera física porque, evidentemente, la pantalla no se puede atravesar. Sin embargo, del mismo modo que, a veces, en el teatro se rompe la cuarta pared cuando los actores se dirigen directamente al público, en la televisión también ocurre cuando alguien habla a la cámara dirigiéndose a los espectadores.

Hay muchos modos de hacer esto, unos más sutiles que otros y algunos más metanarrativos y autoconscientes que otros, pero vamos a quedarnos con los más claros, como el del vídeo de arriba. ‘30 Rock’ es una de las reinas de la rotura de la cuarta pared actualmente en las parrillas, sobre todo cuando hace esos product placement que, de tan descarados, se convierten en otro chiste. La semana pasada volvieron a repetirlo, pero esta vez fue Jenna la que, después de decir que los únicos premios que importan son los People’s Choice Awards porque votan los fans, mira directamente a cámara como animándonos a votar por la serie.

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Después del último capítulo de ‘Community’ emitido en Estados Unidos, algunos nos habéis preguntado por el significado del término “bottle episode”, que es precisamente a lo que vamos a dedicar esta nueva entrega de nuestro Diccionario Teléfilo. En esencia, un bottle episode es un capítulo preparado para costar menos dinero de lo habitual. Para ello suelen recurrir a rodarlo en algún set de decorado ya existente y apenas suelen aparecer otras estrellas invitadas, con el fin de reducir el coste al mínimo.

Al inicio de cada temporada, a los productores de cada serie se les otorga un presupuesto con el que tienen que trabajar todo el año. Ellos lo distribuyen a su gusto entre todos los episodios a rodar, pero no equitativamente. Los episodios de inicio de temporada, así como los de final de temporada o algunos especiales por el medio (véase Halloween o el final antes del parón) suelen requerir más dinero del habitual. Eso significa que otros episodios deben rodarse con mucho menos dinero, con menos efectos especiales y con menos actores de lo normal. Esos son precisamente los bottle episodes.

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No es raro que algunas series aprovechen algunas fechas destacadas, como los principios y finales de temporada o los capítulos que coinciden con los sweeps de audiencia, para intentar atraer nuevos espectadores dando un pequeño papel secundario a algún famoso muy de actualidad o a alguna estrella de Hollywood. No es sólo un mero cameo (aunque a veces puede no pasar de ahí), y siempre está al borde de no ser más que una descaradísima manera de intentar subir las audiencias de series que igual no pasan por su mejor momento. En la industria se conoce esta táctica con el nombre de stunt casting.

Es uno de los trucos más viejos en el manual de los showrunners y las cadenas para darle un mayor empujón promocional a las series. El récord de audiencia de ‘Cómo conocí a vuestra madre’ es el episodio de la tercera temporada en el que Britney Spears interpretaba a la recepcionista de Stella, la novia de Ted en aquella entrega. Y la cantante no ha sido el único famoso que ha pasado por esa sitcom, porque también ha podido verse a Enrique Iglesias, Jennifer López o Carrie Underwood. Spears apareció recientemente en ‘Glee’, otra de las reinas actuales del stunt casting junto con ‘30 Rock’, que ha llegado a tener a Al Gore y Oprah Winfrey.

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Volvemos hoy con una nueva entrada dedicada a nuestro Diccionario Teléfilo y de nuevo con un término muy usado al otro lado del Atlántico, tanto hablando de cine como de televisión: “development hell”. Antes de nada, y para entender el concepto, es necesario repasar el proceso que sigue una serie antes de ver luz verde y emitirse. Os lo explicamos no hace mucho con detalle, pero en resumen: un guionista/productor presenta un proyecto a una cadena o estudio, si lo aceptan se hacen cambios acordes con lo que la cadena busca, se graba el piloto, más cambios y, si al final convence, pasa a emitirse.

El proceso, que podría parecer sencillo y rápido, no lo es tanto. Cuando un guionista vende una idea o un guión sobre su nueva serie, a dicho proyecto se destinan nuevos productores por parte de la cadena o del estudio. Los nuevos ejecutivos suelen ser los encargados de la toma final de decisiones, así que es habitual que hagan cambios importantes en la trama, manden reescribir guiones o hasta decidan sobre el casting. En ocasiones, hasta es posible que manden empezar de nuevo. Esta parte del proceso, que puede durar desde meses hasta años, es conocida como development hell (traducido algo así como “infierno de desarrollo”).

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