Hoy en día sería inconcebible que una chica mona de la edad de Clarissa protagonizase una serie tan blanquita y familiar como aquella. Los niños de 12 años ya me deprimen llamándome señora, y quizá sea mi visión de adulta escandalizada pero hace tiempo que los 8 son los nuevos 11 y los 14 son los nuevos 19.

El primer papel de Melissa Joan Hart

Melissa era Clarissa, pero sin nadie de quien quejarse, la serie no era nada. Las bromas con su hermano Ferguson eran una constante en la serie. Tampoco era nadie sin Sam, su mejor amigo del alma, de esos que entran a la habitación por la ventana con una escalera. Salvo algún episodio que jugaba con la idea, la amistad entre ambos nunca se llevó por el típico camino del posible romance entre ambos. Sus padres, claro, también tenían su papel en volver loca a Clarissa. Su madre era una profesora aficionada a la comida orgánica y constantemente cocinaba platos ecológicamente asquerosos y su padre era un arquitecto que nunca acababa de acertar con sus consejos.

La cuarta pared

La característica más destacable de ‘Clarissa: explains it all’ es la ruptura de la cuarta pared. Los temas de la serie no se desviaban de los típicos problemas con el colegio, los chicos, granos en la cara y el hermano insoportable, pero era esa forma en la que ella compartía su visión de la vida con la audiencia lo que la hacía especial. Eso y el hecho de que fuese un personaje tan directo y peculiar; una especie de Punky Brewster digievolucionada que en lugar de calcetines de distinto color y a Brandon tenía un caimancito llamado Elvis y camisas de estampados imposibles.

A diferencia de otras series protagonizadas por adolescentes en aquel momento (‘Blossom’), ‘Clarissa’ se adaptaba al perfil más infantil e inocente del Nickelodeon de la época, aunque no evitaba tocar algún tema algo más maduro en algunos episodios, como el bullying, que nunca falta en todo instituto televisivo que se precie.
En 1995, CBS encargó el piloto para una continuación titulada ‘Clarissa Now’, pero finalmente no recibió luz verde para la temporada. Sin embargo, dentro de las constantes repeticiones de ‘Clarissa’ que Nickelodeon programaba cada cierto tiempo, se emitió ese piloto varias veces, y ahora está disponible para ver en youtube a súper calidad VHS. En él vemos a Clarissa en Nueva York, trabajando como becaria para un periódico de la ciudad.

‘Clarissa’ se pudo ver en España con unos meses de retraso en Televisión Española y tuvo varios títulos durante su emisión, ‘Las aventuras de Clarissa’ y ‘Las Historias de Clarissa’. Yo debí pillarla siempre en reposiciones, porque recuerdo verla por las tardes o por las mañanas los fines de semana, pero buscando la programación en los archivos de El Pais, los estrenos están marcados para las 20:30h, ¡en TVE 1! Está claro que eran otros tiempos, tanto para nuestra televisión pública como para las adolescentes televisivas.

Ficha Técnica: ‘Clarissa’

Título Original: Clarissa Explains it All

Género: Comedia adolescente

Cadena: Nickelodeon

Cadena en España: TVE 1

Disponibilidad DVD: Completa en VO

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

En el Nostalgia TV de hoy me permitiré darme un gustazo, hablando de una de las series de dibujos animados que más me impresionó en su momento y que entró en ese club de animes que revolucionaron a unos niños espectadores que veíamos una rica y sugerente evolución de las historias de dibujos animados a los que estábamos acostumbrados. Seguro que a algunos de vosotros también os supone un placer poder volver a hablar de Guerrero Luna.

Para entender un poco mejor la historia de esta serie, hemos de remontarnos, como es habitual en las ficciones que nos llegan del Japón, a un manga llamado ‘Pretty Soldier Sailor Moon’ (‘Bishojo Senshi Sera Mun’), una creación de Naoko Takeuchi que nos traslada a 1992. Casi simultáneamente a la aparición del manga, pudimos ver su traslación a la pequeña pantalla, con un anime también de 1992, producido por Toei Animation que constó de más de 200 capítulos y cuyo éxito se puede vislumbrar en estas cifras: fue doblado a 42 idiomas y emitido en 80 países.

El nacimiento de un mito

Una curiosidad sobre la creación de la serie es que toda la saga nació, en primer lugar, con el personaje de Guerrero Venus, pues antes de la aparición del manga de ‘Sailor Moon’, Takeuchi había publicado ‘Codename: Sailor V’. Cuando se empezó a trabajar en la idea de convertirlo en un anime y de incluir elementos nuevos (como venía a ser que el uniforme de lucha estuviera basado en la ropa que llevaban al colegio), Takeuchi concibió a un nuevo personaje que finalmente fue quien triunfó.

La historia de ‘Sailor Moon’ supo ofrecer al espectador, desde el primer momento, muchos elementos que resultaron atrayentes. En primer lugar, se trata de un shojo con muchos ingredientes amorosos y aventuras románticas. A esto, hay que sumar el hecho de que los personajes sean “guerreros”, esto es, auténticas heroínas con la garra, el empuje y la acción en primera persona que eso conlleva. Los ataques y peleas, acompañados de golpes maestros al estilo de ‘Los caballeros del zodiaco’ hicieron que el gusto por la historia tuviera también éxito entre el público masculino.

Otro elemento importantísimo a la hora de tratar a ‘Sailor Moon’ es el hecho de que se trata de una auténtica saga de aventuras con implicaciones de telenovela, con vinculaciones familiares entre los personajes, con giros y secretos, descubrimientos de toda índole… Tampoco es nada desdeñable el uso de elementos de la mitología clásica (el mito de Selene y Endimión está presente en la historia de la Princesa), de la astronomía (el nombre de las guerreras remiten a un planeta, por lo que parece establecerse una relación de pertenencia, identificación y representabilidad) y, si seguimos indagando en lo que se oculta tras los personajes, tampoco nos podemos olvidar del hecho de que los villanos suelen tener nombres de minerales (malaquita, rubí, esmeralda…) Todo esto ayuda a que las leyendas interpretativas detrás de cada elemento de la serie sean más sugestivas y evocadoras.

Además, no podemos olvidar la leyenda japonesa del conejo de la luna, muy presente en la esencia de la serie misma. De hecho, la Guerrero Luna protagonista fue llamada en España Bunny. La leyenda hace referencia a una sombra lunar en la que algunos ven la silueta del conejo y cuya presencia se explica por el sacrificio que hizo uno de estos animales ofreciéndose como alimento a un anciano hambriento. El anciano, un dios, en realidad, se conmovió por el gesto del conejo y decidió enterrar sus restos en la luna, restos de los que surgió esa silueta en la que muchos ven a un conejo machacando arroz para prepara mochi, el dulce tradicional.

Anime y manga, tan unidos, tan diferentes

La historia que nos cuenta ‘Sailor Moon’ se centra en el personaje de Bunny. Es una adolescente, una chica un tanto torpe y despistada que va al instituto y centra sus problemas vitales en sus relaciones con los chicos, con sus amigas o en la pereza que le puede dar hacer los deberes. Su encuentro con una gata parlante con una marca en forma de luna en la cabeza le enseñará poco a poco su verdadero destino: convertirse en Guerrero Luna y luchar por el bien y la justicia. Bunny pasa de ser una chica común a llevar una doble vida y proteger a la Tierra de las fuezas oscuras.

A esta trama se van uniendo nuevos personajes, positivos y negativos, que amplían el universo y magnifican el destino de Bunny, su procedencia y su legado. Gerrero Marte y Guerrero Mercurio son las primeras aliadas en unirse a Bunny en su lucha en favor del bien. Las tres tienen unas personalidades muy diferentes que ayudan a generar conflictos más personales y emotivos. Posteriormente, entran en juego Guerrero Júpiter y Gerrero Venus, que completan el quinteto protagonista al que luego se sumarían nuevas Guerreros.

Las diferencias argumentales entre la serie de dibujos y el manga original son muy numerosas y convierten ambas historias en productos bastante diferenciados. Esto se debe, entre otras cosas, a la simultaneidad que existió en la aparición de ambos formatos que obligó a que tuvieran que trabajarse como proyectos separados, cada uno con una estructura y progresión diferenciadas. Desde el inicio de la serie, hay diferencias, por ejemplo, con respecto al Cristal de Plata (que en el anime está separado en siete fragmentos) o en los descubrimientos que van haciendo los personajes, así como en los “sacrificios” de ciertas Guerreros para ayudar a Guerrero Luna.

Historias de amor, mitos y algunas curiosidades

La peripecia épica de ‘Sailor Moon’, era importantísima para los espectadores. La lucha con los malos (cada cual con un poder diferente, que eran inexorablemente derrotados), la progresión hacia misiones más complicadas, el aprendizaje de los ataques (sin olvidar la preciosista coreografía de colores y luces que la acompañaba), la búsqueda de objetos de poder… eran elementos muy potentes que hacían avanzar la historia y lograr mantenernos atentos, pero no podemos perder de vista la historia de amor que vivían los protagonistas.

Como en muchos de los animes de la época, el elemento amoroso era fundamental, y, en comparación con las series que estábamos acostumbrados a ver, resultaba más maduro y complejo. Si Bunny era Sailor Moon y posteriormente se descubría como la Princesa Luna, Armando, el chico que le hacía rabiar y suspirar a partes iguales, tenía también su secreto, pues se transformaba en un héroe con toques realmente más románticos que de lucha. Se convertía en el Señor del Antifaz, un misterioso joven vestido con frac y rodeado de rosas que ayudaba a Guerrero Luna en muchas de sus peleas.

En realidad, la historia de estos dos se remontaba en el pasado esencial de la serie, pues eran, ni más ni menos, que la Princesa Selene y Endimión y sus lazos de amor se fundían pues con el mito clásico que habla de esta pasión entre la diosa Selene y el pastor Endimión, al que Selene visitaba de noche, cuando dormía, viviendo un amor más místico que físico. A todo esto, cabía unir después unos elementos bastante telenoveleros, como era la aparición de Chibiusa, la pequeña Guerrero Luna, que venía del siglo 30 y que era, ni más ni menos, que la hija de Bunny y Armando.

Como sea, tenemos que destacar el grandísimo éxito que esta serie tuvo en España, su influencia en las fantasías de miles de niños y cierta resistencia a que termine de desaparecer, algo que explica la versión en carne y hueso, live action, que se preparó en 2004 a manos de la tele japonesa Tokyo Broadcasting System. Además de cientos de productos de merchandising, la serie ha contado con su adaptación al género musical. El recuerdo de esta saga permanece intacto entre sus fans, y, para alegría de todos ellos, desde 2010 se está viviendo un “renacer” de la serie, que se emite de forma remasterizada en lugares como Italia.

Ficha Técnica: Sailor Moon

Título Original: Bishōjo Senshi Sērā Mūn

Género: Anime

Cadena: TV Asahi

Cadena en España: Antena 3

Disponibilidad DVD: Serie Completa

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Domingo (y lluvioso), el escenario perfecto para dejarse atrapar por la nostalgia, pero de la inofensiva. Hoy, en Nostalgia TV, no sólo vamos a rememorar un programa de televisión; también recordaremos a un personaje carismático, humanista y naturalista empedernido, un trabajador incansable que dejó un infinito legado, tanto audiovisual como de obras y proyectos para la defensa del mundo animal. Si los ingleses tienen a David Attenborough, nosotros tuvimos a nuestro Amigo Félix. Félix Rodríguez de la Fuente y su serie para TVE, ‘El hombre y la Tierra’, que ostenta el gran honor de ser la Mejor producción de la historia de la televisión en España, elegida por la Academia de las Ciencias y las Artes de la Televisión. Tras el salto, cabecera de las míticas y una inolvidable sintonía.

Una producción impecable

‘El hombre y la Tiera’ fue una producción de RTVE que se emitió desde 1974 hasta 1980, aunque hace sólo tres años volvió a emitirse (esta vez remasterizada) en La2 de TVE, con motivo del 30 aniversario de la desaparición de su creador). De marcado caracter divulgativo, esta serie de documentales sobre animales no sólo pretendían acercarnos a nuestra fauna (nunca habría oído hablar del lirón careto o del alimoche si no fuera por este programa) y enseñarnos a leer las señales de la naturaleza; también concienciarnos sobre el valor de nuestro patrimonio animal y la importancia de defender a las especies más vulnerables y en peligro de extinción, como el lince ibérico. Félix Rodríguez de la Fuente volcó todos sus conocimientos, su pasión y su devoción por los animales en este programa, consiguiendo llegar a las televisiones de todo el mundo. La serie le llevó también a descubrir la fauna de Venezuela y Canadá, donde rodó episodios para ‘El hombre y la Tierra’, aunque aquí su obra fuera menos prolífica. La serie ibérica contó con 92 episodios de 26 minutos de duración, narrados por la inconfundible y teatral voz de Félix.

En la fresca mañana de mayo, lejos los días del hambre del invierno, lejos el recuerdo de la gran matanza, la loba monta la guardia cerca de la cueva roquera donde ha traído al mundo a sus lobeznos. En el alto y tupido savinar, la loba tiene a salvo a sus pequeños y se limita a vigilarles y a amamantarles esperando la llegada del macho que está cazando, seguramente muy lejos. Son las lobas tiernas y amantísimas de sus cachorros. Son las lobas vigilantes infatigables. El carnívoro, el gran matador, se torna dulcemente maternal en los días de mayo y de junio.

Como documento audiovisual e histórico, su valor es incalculable, pues estableció un precedente en la forma de rodar (no exenta de polémicas y voces críticas que enombrecieron su recuerdo) y de narrar, gracias a unos cuidados (y hasta poéticos) guiones y a la espectacular fotografía, entre otros numerosos aspectos técnicos destacables. El resultado: los animales, la naturaleza, como nunca se había visto en televisión. A veces de forma cruda (por lo que también se le criticó en ocasiones). Siempre con la intención de acercarnos lo máximo posible a nuestra fauna en su estado salvaje. Un trabajo que implicaba muchas horas de rodaje para conseguir la imagen perfecta, conviviendo con lobos, linces y águilas. También se trataba de hacer un ejercicio de conciencia y sensibilizar al espectador. Porque el conductor de ‘El hombre y la Tierra’ no sólo fue el creador de un espacio; creía en lo que decía y en lo que mostraba. Quizás eso fuera lo que más realismo aportaba a estos documentales y lo que convirtió a ‘El hombre y la Tierra’ en un referente del género y a su autor en pionero de la concienciación ecológica.

Amigo Félix

‘El hombre y la Tierra’ es, en esencia, el espíritu de su director, realizador y presentador. Médico de formación y biólogo por afición, Félix Rodríguez de la Fuente ya apareció en 1963 en el espacio ‘Fin de semana’, en el que impartía lecciones sobre el mundo animal. En 1966 adquiriría su sobrenombre de Amigo de los animales al convertirse en el profesor de Zoología de ‘Televisión Escolar’. También desarrolló esta labor en programas de radio y en sus columnas semanales de la desaparecida revista Blanco y Negro. Sin duda, su vocación pedagógica marcó su carrera. Pero también su férrea defensa de los animales, una lucha que le llevó a alcanzar grandes victorias en la protección de animales como el lobo, el halcón peregrino o el lince, y a influir en la promulgación de normativas para la conservación de estas especies.

Con su presencia en televisión creó un personaje carismático, tremendamente popular, que conectaba con todas las generaciones de espectadores. De ahí el gran impacto mediático y social que provocó su desaparición. Y sobre todo porque murió haciendo lo que más le gustaba, trabajando. Un accidente aéreo sobrevolando Alaska mientras rodaban la mayor carrera de trineos de perros acabó con su vida y la de su cámara y su ayudante, paradójicamente, el día en que celebraba su 52 cumpleaños. Vicepresidente de ADENA, creador de refugios para rapaces, voz crítica contra las políticas medioambientales que no respetaban la armonía y el equilibrio de la naturaleza. Una labor que desarrolló a lo largo de su vida y que reflejó en esta obra, que forma ya parte de nuestra historia televisiva.

Ficha Técnica: El hombre y la Tierra

Título Original: El hombre y la Tierra

Género: Documental

Cadena: TVE1, La2

Disponibilidad DVD: Serie Completa

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Con el estreno de ‘Defiance’, se habla mucho de que Syfy está volviendo a sus orígenes, a las series de aventuras de ciencia ficción con naves espaciales, planetas exóticos y alienígenas. En la última década, las series que mejor ejemplificaron ese tipo de historias de space operas en el canal fueron las de la franquicia ‘Stargate’, una franquicia iniciada en 1997 con ‘Stargate SG-1’. Este título era el más longevo de ciencia ficción en la historia de la televisión estadounidense (hasta que lo superó ‘Smallville’), pues sobrevivió diez temporadas emitidas, además, en dos cadenas diferentes. De hecho, bastante diferentes, porque antes de encontrar un hogar en Syfy, ‘Stargate SG-1’ se estrenó en Showtime.

La serie, en realidad, se basa en la película ‘Stargate’, de 1994, dirigida por Roland Emmerich, en la que un grupo de militares utiliza un misterioso artefacto encontrado en un yacimiento arqueológico egipcio, y que tiene el aspecto de algún tipo de portal. Acaban descubriendo que, efectivamente, es una puerta que, en este caso, conecta la Tierra con otro planeta, muy parecido al Egipto antiguo. La película tuvo bastante éxito y, gracias a la compra de los derechos por parte de MGM a Emmerich y Dean Devlin (que luego pusieron en marcha ‘Independence Day’), acabó convertida en serie, adaptada a televisión por Jonathan Glassner y Brad Wright, dos antiguos guionistas de ‘Más allá del límite’.

En Showtime

Resulta curioso que fuera Showtime, que entonces se dedicaba más a la emisión de películas de estreno y que tenía un acuerdo con MGM, la que acogiera por primera vez a ‘Stargate SG-1’, pero la apuesta le salió bien desde el principio, atrayendo una audiencia bastante buena para el canal. No obstante, el acuerdo al que el estudio llegó con Showtime para la emisión de la serie era peculiar porque, como no era especialmente barata de producir, logró que pudiera comenzar a verse en sindicación sólo seis meses después de que se estrenara, figurando Syfy entre las cadenas que compraron los derechos de esa emisión. En Showtime, ‘Stargate SG-1’ aguantó cinco temporadas en las que se estableció el tono de la serie, que seguía las aventuras del equipo de militares que utilizaba la puerta para viajar a diferentes planetas. En ellos iban encontrándose con alienígenas que casi siempre tenían algún contacto con alguna historia mitológica de la Tierra, y durante buena parte de la serie fueron uno de esos extraterrestres, los Goa’uld, los villanos principales, algo heredado de la película.

De hecho, también dos de sus protagonistas se trasladaron a la serie desde la cinta; uno era el coronel Jack O’Neill, al que interpretaba Richard Dean Anderson, y el otro era el egiptólogo Daniel Jackson, al que daba vida un entonces desconocido MIchael Shanks. Los dos reproducían en parte también el conflicto entre los objetivos científicos y militares de las puertas estelares, aunque O’Neill era menos taciturno y toda la serie, en general, tenía un tono algo más ligero, con toques de humor, a petición de Anderson, quien también puso como condición para su participación en la serie que ésta fuera más coral. Junto a ellos, completaban el reparto principal Samantha Carter (Amanda Tapping) como una capitán de la Fuerza Aérea que, además, es astrofísica, y Teal’c (Christopher Judge), un Jaffa que deserta de su puesto entre los Goa’uld y se une el equipo de Stargate con la esperanza de liberar a su pueblo. Dentro de ese tono de aventura, en ‘Stargate SG-1’ hubo muchas referencias a la cultura popular contemporánea (incluida, por supuesto ‘MacGyver’), y la serie nunca se tomó a sí misma demasiado en serio. Wright y Glassner querían hacer una serie para toda la familia.

El paso a Syfy

Tras cinco temporadas en Showtime, la cadena decidió que ‘Stargate SG-1’ no era rentable, ya que al estar en sindicación, no servía para atraer a nuevos suscriptores. En ese punto, Syfy (que entonces aún se llamaba Sci Fi) decidió quedarse con ella, pues sus audiencias eran bastante buenas, y allí continuó hasta su final. En 2004, aprovechando su popularidad, se estrenó el primero de sus spin offs, ‘Stargate Atlantis’, en el que la base donde se encontraba la puerta estelar era construida por los Antiguos, y se encontraba en una trama del final de la séptima y el principio de la octava temporada de SG-1. Ambas series se entrecruzarían bastante, y Carter hasta se trasladaría allí tras la cancelación de la serie madre en 2007. Durante un breve momento en 2005, estas dos series y la todavía reciente ‘Battlestar Galactica’ convirtieron a Syfy en uno de los canales de cable básico más populares entre el público.

Sin embargo, la longevidad de la serie también empezaba a notarse. Anderson dejó de aparcer como personaje regular en las dos últimas temporadas, siendo sustituido por Ben Browder, y las audiencias fueron resintiéndose, aunque no tanto como para no seguir siendo de las series más vistas de Syfy. Sin embargo, éste tenía en mente un cambio de imagen que comenzaría con el estreno de ‘Eureka’ y la cancelación de ‘Stargate SG-1’, en 2007, justo al poco de haber celebrado su capítulo número 200. Su legado aún se mantendría en antena con Atlantis, que aguantaría cinco temporadas, y a su fin, con ‘Stargate Universe’, que intentaba darle un tono más serio a la franquicia, y que sólo estuvo en antena dos temporadas. Syfy estaba en pleno cambio de nombre y de identindad, y las puertas estelares ya no encajaban allí.

El legado

Además de los dos spin offs, ‘Stargate SG-1’ produjo un par de películas directas para el DVD, ‘The ark of truth’ y ‘Continuum’, pues la serie siempre se ha vendido bien en ese formato. Se habló de rodar alguna más, pero la cancelación de ‘Stargate Universe’ parece haber significado el cierre, por el momento, de la franquicia. La cadena está volviendo a las space operas y a las aventuras de ciencia ficción, pero no sabemos si serán serias o con el sentido del humor que desplegaban, sobre todo, SG-1 y Atlantis, en las que, además, eran los científicos los héroes, más que los militares y los guerreros. En España, además de en Syfy, la serie se pudo ver en las autonómicas.

Ficha Técnica: Stargate SG-1

Género: Ciencia ficción

Cadena: Showtime (1997-2002), Syfy (2002-07)

En España: Autonómicas

Disponibilidad DVD: Completa

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En 1987 se estrenó ‘Bigfoot y los Henderson’, protagonizada entre otros por John Lithgow. Pocos años después, Universal produjo la adaptación televisiva para que fuese emitida directamente en sindicación. La serie arrancó en la midseason de 1991 y se despidió en verano de 1993 con tres temporadas y más de 70 episodios a sus espaldas.

Bruce Davison interpretaba el papel de John Lithgow, el padre de familia, al que hemos visto recientemente interpretando al almirante Arthur en ‘Last Resort’ y hace unos años fue el Senador Kelly en las dos primeras entregas cinematográficas de la saga ‘X-Men’. Le acompañaban Molly Cheek, Carol-Ann Plante y Zachary Bostrom, que interpretaban a la madre y los hijos, respectivamente.

¡Qué vecino tan peludo!

Siempre se paseaban por ahí novias, vecinos, parientes o trabajadores del control de animales que creían ver algo pero nunca acababan de dar con Harry. En la tercera temporada, el secreto quedó expuesto al público y, al contrario de lo que creían los Henderson (que apostaban porque el gobierno le capturaría para experimental con él), Harry se hizo famoso de la noche a la mañana. Harry fue interpretado durante la primera temporada por Kevin Peter Hall, quien también le dio vida en la película, pero tras su muerte tuvo que ser sustituido.

El sensible de la familia

Además de las típicas situaciones de enredo, equívocos y todo ese contraste del mundo humano con las costumbres salvajes del personaje, la inevitable moraleja final tiraba mucho de esa ya manida reflexión de que el Big Foot acababa siendo muchas veces más humano que los propios miembros de la familia, y ese punto cariñoso de la serie era probablemente su gran virtud.

En España fue emitida por la televisión pública, tanto en TVE1 y TVE2, en un panorama televisivo que acababa de estrenar las cadenas privadas. Yo era una canija cuando ponía aquel contenedor de programación infantil, y ver un hombre enorme y peludo intentando secarse el pelo con el secador me resultaba hilarante. Y por eso sigo recordando ‘Harry y los Henderson’ con nostalgia y cariño. ¿Y vosotros? ¿Formó Harry parte de vuestra infancia? ¿Ibais por el campo mirando a todas partes por si os encontrabais un Bigfoot al que adoptar?

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Como cada domingo, es hora de mirar por el retrovisor de los recuerdos audiovisuales y acercarnos a uno de esos programas que marcaron nuestros primeros pasos en esto de la televisión. Esta semana, toca hablar de ‘Los ladrones van a la oficina’, una de las primeras series creadas para la jovencísima Antena 3 (entonces, ni Atresmedia ni nada) y que nos trajeron a la pequeña pantalla a grandes actores españoles de los que marcan época.

La serie contó con diez temporadas emitidas entre los años 1993 y 1996. El creador de la misma fue el guionista Eduardo Ladrón de Guevara (’Cuéntame‘, ‘Querido maestro’) y el director fue Tito Fernández, cuyo pueblo natal sirvió de nombre para la calle en la que se situaba el punto geográfico de la acción, el bar ‘La Oficina’, sito en la calle San Esteban de Pravia. Producida por Cartel, la serie consiguió audiencias de más de cuatro millones de espectadores.

Picaresca en televisión

La historia que nos contaba ‘Los ladrones van a la oficina’ surgía de una de las tradiciones culturales más arraigadas en nuestro país: el género de la picaresca. Aquí, unos cuantos ladrones de poca monta organizaban capítulo tras capítulo diferentes “timos”, dirigidos por un jefazo respetado por lo que había sido en la profesión, y que no era otro actor que Fernando Fernán Gómez interpretando a Don Anselmo.

Así pues, la serie era una amable comedia en un tono bastante blanco, muy alejado del desgarro social que podría haber tenido esta temática. En cada capítulo, La Oficina era el bar que servía de punto de encuentro a los veteranos estafadores que se unían para practicar nuevos timos y explotar un arsenal de recursos que no se centraba en el uso de armas precisamente, sino que utilizaba el ingenio y la perspicacia.

Repoker de actores

Uno de los puntos fuertes de esta serie fue la reunión de grandes actores españoles que supuso su producción. Podríamos decir que había cinco grandes nombres: Fernando Fernán Gómez, era el patriarca, un Don Anselmo tan resabiado como conquistador; Manuel Alexandre interpretaba a uno de los veteranos, respetado por su sapiencia y que se hacía llamar El Anticuario; José Luis López Vázquez se ponía en la piel de El Escabeche, otro de esos ladrones de rancio abolengo con muchas anécdotas que contar; Agustín González trataba de buscarles las cosquillas a todos éstos dando vida al comisario de la zona, el encargado de poner orden en el barrio. A estos grandes nombres, hay que añadir las colaboraciones de otro grande de los escenarios: Paco Rabal.

En este universo lleno de ladronzuelos y timadores no faltaba ni uno sólo de los estereotipos que tanto han triunfado en nuestro audiovisual, y todo ellos cobraban vida gracias a un actor de renombre: regentaban el bar el matrimonio formado por Anabel Alonso y Antonio Resines, o, dicho de otra manera: la Pruden y el Smith; Guillermo Montesinos era un “ciego” que vendía cupones en la entrada del bar y que veía más que quería; Roberto Cairo interpretaba a un inocentón ayudante del comisario; Enrique San Francisco era “El Carteras”…

Las apariciones de actores y artistas de solera eran un continuo en la serie y entre los nombres más conocidos podemos encontrar a Gracita Morales, Lola Flores, Aurora Redondo o Imanol Arias. Además, una de las canciones de la serie estaba compuesta e interpretada por otro grande, en este caso de los escenarios, como fue Enrique Morente.

Una serie inolvidable

‘Los ladrones van a la oficina’ nos remite irremediablemente a una época muy dulce televisívamente hablando. Ésta fue la segunda serie de producción propia para Antena 3, tras ‘Farmacia de guardia’, y su creación y desarrollo estaban llenos del sincero impulso por crear un mercado audiovisual español con las mejores armas posibles.

A pesar de la pícara temática, las tramas eran contadas con un tono muy blanco y familiar, y la comedia se abría paso constantemente en sus diálogos. La escenografía del bar permitía escenas y momentos muy teatrales y el dominio de la escena de los actores favorecía un buen resultado final. Eran otros tiempos para la tele. Todo se hacía de una manera más pausada y se confiaba más en los productos. Había buena voluntad por parte de las cadenas.

La serie recibió además multitud de reconocimientos, como el Premio Ondas a Mejor Serie Nacional en 1993 o el Fotogramas de Plata para Anabel Alonso. Aún hoy podemos disfrutar de sus capítulos (a pesar de que sea fácil usar en su visionado esa frase de “el tiempo no perdona”) en reposiciones del canal Nova.

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Antes de que nuestra generación nos entusiasmáramos con las andanzas de Jax y el resto de moteros de Charming, California, nuestro gran primer contacto con pandillas de motoristas la tuvimos en el mundo animado. Corría mediados de los noventa y en Televisión Española comenzaba una de esas series con nombre medianamente ridículo pero que si no veías no eras nadie en el patio del colegio: ‘Los Motorratones de Marte‘.

‘Los motorratones de Marte’ (‘Biker Mice from Mars’) fue una serie emitida originalmente entre 1993 y 1996 creada por Rick Ungar, quien en ese momento trabajaba para Marvel Productions en el desarrollo de las series de superhéroes de la compañía de aquella época. Y desde ahí creó y produjo una serie sobre unos ratones que iban en moto. Una serie que no pensaría que se convertiría en uno de los grandes hits en una época dorada de la buena animación.

Nos encontramos con la historia de tres ratonen antropomórficos (Throttle, Modo, y Vinnie) que tienen que huir de su planeta natal, Marte, debido a un gran desastre ecológico causado por los plutarkians. Este trío roedor aterrizará en Chicago (que si lo piensas con cosas como esta es una de las ciudades con peor fama de todo el mundo), donde conocerán a Charlene “Charley” Davidson (chistaco) que se convertirá en una poderosa aliada. Sobre todo cuando descubran que los mismos que han destrozado su hogar en Marte han ido a la Tierra a explotar sus recursos naturales.

He de reconocer que cuando vi el primer episodio de ‘Los motorratones de Marte’ me quedé un poco de esa manera. En una época en la que te encontrabas una gran oferta animada el encontrarte con algo que se parecía tanto a ‘Las Tortugas Ninja’. Pero se parecía también en la producción y en tono. Ese tono medio gamberro que te encontrabas en la serie de las tortugas aquí lo veías replicado. Y quizás fue eso lo que ayudó a ‘Los Mototorratones’ en convertirse en una gran franquicia con sus videojuegos y demás.

El tema principal de ‘Los Motorratones’ era la ecología. Pero no es que la usaran de forma velada (bueno, a veces sí) sino que la trama de muchos de los episodios era esa: Limburger quiere soltar residuos en tal río y ahí estan los motorratones para detenerlo. Evidentemente no siempre era así, sino que también había planes de todo tipo.

El revival

En 1996 la serie fue cancelada. Pero sería rescatada apenas diez años después. En 2006 se realizó una nueva serie de ‘Los Motorratones de Marte’. En esta ocasión nos encontramos con un remake que continuaba las andanzas de los motorratones enfrentándoles a unos nuevos enemigos: los catatonians, con aspecto felino. La serie está disponible de forma íntegra en Youtube.

‘Los motorratones de Marte’ fue todo un éxito en todos los sentidos. Este concepto tan “de serie b” fue capaz de conquistar a toda una generación de infantes de los noventa que disfrutábamos con las aventuras de estos roedores. Una gran serie con la que te divertías de lo lindo

Ficha Técnica: Los motorratones de Marte

Título original: Biker mice from mars

Género: Animación

Cadena: Sindicada

En España: TVE

Disponibilidad DVD: Primera temporada y packs varios

En ‘Vaya Tele! | Nostalgia TV

Todos tenemos un pasado, hasta los famosos. ¿Cuánto daría Pe porque nunca hubieran emitido su famoso cásting para ‘La quinta marcha’ en tantos refritos navideños y záppines varios? Entonces era joven e inexperta y ni se imaginaba que su carrera en televisión le encumbraría años después hasta la alfombra roja. En aquellos tiempos sólo era una de las marchosas presentadoras de este programa teenager-musical que se emitió en las mañanas de domingo entre 1990 y 1993, cuando Telecinco era el aladid de la modernidad. Marcó la diferencia en cuanto a formato y tono, aunque ese empeño por ser moderno acababa por convertirlo en cargante. Activando modo nostalgia, después del salto.

Ante todo mucha marcha

‘La quinta marcha’ bebió inevitablemente de sus predecesores: ‘Tocata’ y ‘Plàstic’ ya habían llevado la movida musical a los platós televisivos, sucediéndole después Beatriz Pécker con ‘Rockopop’ y una pátina de algo más de seriedad. Pero ‘La quinta marcha’ se contextualizaba en otra época. Los 90 arrasaron con sus colores flúor y sus Levi’s rotos por las rodillas con todo lo que recordaba a los 80 y Telecinco abrió la puerta a otras formas de vida adolescente, como la de los chicos de ‘Sensación de Vivir’. Digamos que los teenagers eran otros y el criterio musical parecía difuminarse entre melodías comerciales, nuevos sonidos y nuevas movidas (la mítica ruta del Bacalao, Chimo Bayo, Máquina Total, etc.)

Mientras ‘El Príncipe de Bel Air’ había empezado a poner de moda el rap en nuestros colegios y el grunge empezaba a materializarse, en ‘La quinta marcha’ sonaban grupos como ‘Siniestro Total’, ‘La década prodigiosa’, o ’2 unlimited’. Combinado y remezclado. Al parecer tenía que llegar Kike Supermix al grupo para imponer un poco de modernidad. Pero no todo era música: el programa se inclinaba más hacia el magazine, mezclando toda suerte de secciones, desde las actuaciones en plató hasta concursos; incluso sirvió de contenedor para otros espacios que después contarían con su propio hueco en parrilla como ‘Vivan los compis’ y series low cost como ‘El Sheriff Chiflado’.

Pero lo verdaderamente novedoso era su estilo. Aparentemente natural, se trataba de conectar con los jóvenes más marchosos (que, paradójicamente, debían estar levantados y ante la tele un domingo ¿a las 11 de la mañana?) usando una jerga muy de la calle, de tú a tú, de colega a colega, buen rollito, dabuten. Supongo que entonces hablaríamos el mismo idioma y sentíamos esa conexión; ahora no soportaríamos ni cinco minutos de aquella súperpizpireta Penélope Cruz. Pero no puede negársele el esfuerzo por resultar innovador. Tanto fue así, que desde Antena 3 les imitaron con su ‘Leña al mono que es de goma’. Se estrenó justo después de que acabara ‘La quinta marcha’ y contaba, entre otros, con Tony Aguilar y Paco Pil. Es decir, se buscaron su propio Kike Supermix para ser tan modernos como ellos, aunque acabó tomando otro caliz porque incluía hasta un culebrón-falso reality protagonizado por sus presentadores. Y en TVE, directamente les copiaron con ‘Ponte las pilas’ (del que destacaría a un jovencísimo Dani Martin poniendo en práctica los pasos aprendidos viendo a Will Smith). Al menos eso aseguraban desde la dirección de ‘La quinta marcha’, que acusó al ente público de plagio. Directamente.

El elenco de presentadores

Además de la ya más que mencionada y ahora oscarizada Penélope Cruz, por ‘La quinta marcha’ pasaron otros rostros conocidos. Algunos han seguido sus carreras en televisión, de otros sabemos más bien poco. Jesús Vázquez fue la otra gran sorpresa del programa, pues ese resultó ser sólo el primero de los cerca de treinta espacios que ha conducido a lo largo de su ya intensa trayectoria como presentador en Telecinco (exceptuando puntuales lapsus en cadenas de la competencia). La otra pareja de copresentadores la formaban Inma Brunton, a quien se le pudo ver en ‘Bellezas al agua’ para retirarse poco después del mundo de la tele, y Luis Alberto Sánchez, que fue otro de los habituales en la programación infantil-juvenil de Telecinco durante sus primeros años de existencia, participando en ‘La Tele es tuya, colega’ y ‘Telebuten’.

Ellos componían el cuarteto inicial, pero con la marcha de Penélope Cruz, debutó Natalia Estrada y también comenzaron a colaborar Mónica Estarreado (principalmente bailando) y los dobles españoles oficiales de Brenda y Brandon (sí, teníamos de eso). Kike Supermix se incorporó después al grupo como quinto presentador y quinta marcha, aportando sus conocimientos como pinchadiscos (porque entonces no había dj’s ni esas moderneces de ahora). Es más, escuchábamos el Máquina Total en casette y con la última canción de la cara cortada, como debía ser. Ah, nostalgia…

Ficha Técnica: La quinta marcha

Título Original: La quinta marcha

Género: Magazine

Cadena: Telecinco (1990-1993)

Disponibilidad DVD: No

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‘Norte y Sur’ seguía a dos chicos, Orry Main, de Carolina del Sur, y George Hazard (James Read), de Pennsylvania, que se hacen amigos en la academia militar de West Point. Cada uno de los dos representa las características típicas del sur y del norte del país, que terminarían por enfrentarlos en la guerra de Secesión. La familia Main tiene grandes plantaciones de algodón en las que trabajan no pocos esclavos, mientras la familia Hazard vive de la industria del acero. En su camino a West Point, Orry se enamora de una joven de Nueva Orleans cuya familia tiene otros planes, y tanto él como George tienen que resistir en la academia a un sádico y malvado cadete llamado Elkanah Bent. George y Orry combaten juntos en la guerra contra México por el control de Texas y, después, hasta sus respectivas familias se visitan, lo que da para que surjan relaciones y enemistades entre algunos miembros de cada familia. Sin embargo, su amistad se ve puesta a prueba por la guerra civil, pues George pasa a formar parte del ejército de la Unión, del norte, y Orry, del confederado, del sur.

Las secuelas

‘Norte y Sur’ fue un enorme éxito para ABC con su mezcla de drama romántico, sobre todo con el amor prohibido de Orry y Madeleine, e historia de superación y maduración de sus dos protagonistas en el ejército. Así que enseguida se puso en marcha el rodaje del segundo libro, subtitulado ‘Amor y guerra’, y que cuenta exactamente eso, cómo la guerra civil afecta a las dos familias. Aunque Orry y George eran el centro de la historia, sus padres, hermanos y demás parientes tenían bastante importancia también en la trama, y la miniserie era bastante coral. La plantación de los Main se convierte en un escenario principal de la historia, en especial por los esclavos y la abolición de la esclavitud proclamada por Lincoln, y ‘Norte y Sur’ intenta seguir un poco los pasos de ‘Lo que el viento se llevó’ y cómo la guerra cambia a los estados del sur.

Orry se presentaba como el héroe romántico que pelea por lo que está bien (siempre evitaba que los esclavos fueran maltratados, por ejemplo), y no es raro que Swayze se convirtiera en una gran estrella gracias a la miniserie, especialmente las dos primeras, que contaban con un reparto muy amplio y, muy en el estilo de la época, lleno de viejas estrellas de Hollywood, como Peter O’Toole, Robert Mitchum y hasta Johnny Cash. La ABC intentó repetir de nuevo la jugada en 1994, adaptando el tercer libro de Jakes, ‘Heaven and hell’, en el que vemos a George, Orry y los demás después de la guerra, pero esta tercera miniserie no tuvo la misma acogida entre público y crítica que sus predecesoras. Se quedaba más como drama romántico, sin los riesgos y peligros que entrañaba la guerra, y perdía gancho, aunque sí es un festival de actores que entonces no eran demasiado conocidos, como Kyle Chandler.

El éxito

Como decimos, las dos primeras partes de ‘Norte y Sur’ fueron un enorme éxito no sólo en Estados Unidos, sino también en España, donde las emitió TVE. Ser una historia épica de amores imposibles, gente puesta a prueba por la guerra y personas que luchan por sus principios la llevó a conectar mucho con la audiencia, hasta el punto de ser uno de los epítomes de la televisión en España de mediados de los 80. Producciones como ésta eran habituales en las cadenas en abierto estadounidenses, hasta que las cadenas por cable empezaron también a producirlas (sobre todo, HBO) y las networks fueron dedicándose a otro tipo de programación que les podía salir más rentable gastándose menos dinero, como los realities, sin abandonar la producción de series.

‘Norte Sur’, como decimos, lanzó la carrera de Patrick Swayze y tuvo también unas cuantas nominaciones a los Emmy, especialmente en aspectos técnicos, de las que ganó el de mejor vestuario en miniserie. Eso sí, no hay que confundir esta producción de ABC con otra miniserie del mismo título emitida por la BBC en 2004, que adapta un libro de Elizabeth Gaskell sobre una joven del sur de Inglaterra que se muda a una ciudad industrial del norte, donde conoce a uno de los dueños de las fábricas textiles. Es muy recomendable, pero no tiene el mismo aura de romanticismo épico de Orry Main, claro.

Ficha Técnica: Norte y Sur

Título original: North and South

Género: Drama romántico

Cadena: ABC (1985, 1986, 1994)

En España: TVE

Disponibilidad DVD: Completa

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¿Vosotros eráis de esos niños que se levantaban de la cama de un salto, incluso los lunes, que se vestían de cualquier manera, que ni siquiera se peinaban y desayunaban a trompicones porque todo su interés matinal radicaba en poder ver las series de dibujos que ponían en la tele antes de irnos al cole? Ehhhh, yo tampoco (guiño, guiño). Y con una de las series con las que menos me pasaba esta ansia por el consumo audiovisual era ‘Ranma 1/2’, uno de los anime que revolucionó nuestra pequeña pantalla.

En un principio, la historia pudo seguirse a través del manga que creó Rumiko Takahashi en 1987, publicado semanalmente en la revista Shonen Sunday. En 1989, la avispada Fuji Television decidió transformarlo en un anime de 161 capítulos, emitidos entre 1989 y 1992, y pronto se convirtió en una de las series favoritas de los japoneses. Los capítulos llegaron a España de la mano de Antena 3 en 1993, dentro del contenedor infantil ‘Tras tres tris’.

Acción, humor, amor, fantasía… muchos ingredientes para enganchar

‘Ranma 1/2’ entró de lleno en nuestros corazoncitos audiovisuales pues supo aunar con mucho acierto muchos de los ingredientes que más pueden atraer no sólo al público infantil, sino también adolescente. Nos contaba la historia de un chico, Ranma, que, en uno de sus entrenamientos de artes marciales, cae a un lago en el que, en tiempos pasados, se había ahogado una joven pelirroja. Desde ese mismo momento, cae sobre Ranma una maldición: cada vez que se moje con agua fría, se convertirá en esta chica y, para recuperar su forma masculina, tendrá que bañarse con agua caliente.

Para terminar de redondear una premisa tan atractiva, Ranma y su padre Genma viajan a Japón, hasta el gimnasio del viejo amigo de Genma: Soun Tendo. Soun y Genma fueron discípulos del mismo maestro, y considerándose más que hermanos, decidieron, en su momento, aunar del todo sus lazos emocionales, comprometiendo en matrimonio a sus respectivos vástagos. Vamos, que Ranma tiene que casarse con una de las hijas de Soun. De las tres hijas, la seleccionada es rápidamente Akane, una chica muy interesada en las artes marciales. Esta cosa del verse uno obligado a casarse con quien no ha decidido, tenga o no verosimilitud, resultaba de una chicha impresionante y uno de los mayores atractivos de la serie.

Una de las motivaciones de Ranma era averiguar la manera de romper la maldición que había caído sobre él, algo que le llevaba a contactar con nuevos personajes, a vivir peligrosas aventuras, a entrar en combate y a dotar a la serie de muchos momentos de intensidad, con golpes maestros, técnicas prohibidas, peleas a muerte… Un elemento de acción que enganchaba a otro sector del público.

Además, la historia se podía englobar también dentro del género del humor, con unos personajes torpes, taimados, egocéntricos… entre los que cabría destacar al maestro Happosai (o Ernesto, en la traducción española), a Kuno Tatewaki, enemigo del Ranma masculino y pretendiente de la Ranma femenina, o a los mismos Genma y Soun, unos adultos muy infantilizados que temen y odian a su maestro a partes iguales.

Una historia con muchas relaciones amorosas

Una de las patas fuertes de esta serie era la relación amor/odio que se establecía entre Ranma y Akane, comprometidos desde niños en contra de su voluntad (ohhhh)y que vivían una de las tensiones sexuales no resuelta más explotadas de la historia de los dibujos animados. A estos dos jovencitos, cabía unir también una caterva de personajes implicados emocionalmente con ellos, que se oponían al romance de los dos protagonistas y pugnaban por lograr el afecto de su amado.

Así, haciendo un repaso muy general, podemos hablar de que Ranma tenía tres pretendientas. La de mayor peso en la serie era la amazona Shampoo, a la que Ranma vencía en combate. Las antiguas leyes del poblado de Shampoo decían que debía casarse con un hombre si es que éste le ganaba en una pelea. Shampoo era muy pasional, valiente y decidida y no tenía ningún problema en turbar a Ranma con su anatomía. Por otro lado, estaba Ukyo que, a ver si lo adivináis, era también la protemida de Ranma, una estupenda luchadora y cocinera. Y la tercera era la Rosa Negra, Kodachi, que practicaba gimnasia rítmica. Era una de las “malas”, aunque resultaba entrañable porque tenía la cabeza llena de pájaros.

Por el lado de Akane, también había una caterva de pretendientes en busca de su amor. Ryoga era el candidato principal, el chico que con más gracia se desorientaba. Establecía una curiosa relación afectiva con Akane basada en su transformación en cerdito cuando se mojaba con agua fría (también había caído a los manantiales mágicos). Akane no sabía que el tierno P-Chan con el que dormía era el joven Ryoga. Kuno e Hikaru eran otros de los pretendientes, personajes con toques cómicos que, en realidad, no tenían ninguna posibilidad de hacer mella en el corazón de la chica.

Además, estaba Tsubasa, el chico que se vestía de mujer (y de mil cosas más) y estaba enamorado de Ukyo. Y Mousse, el miope pretendiente de Shampoo. Y Kasumi, la hermana mayor de Akane y su patosa relación con el doctor Tofu Ono… Incluso existía amor para la tercera edad, entre Cologne, la abuela de Shampoo y Happosai, enamorados en su juventud y enemigos acérrimos en la vejez. Las disputas de estos dos siempre prometían la máxima diversión. Muchos amoríos, vamos, como en la mejor telenovela que se precie.

Unas jugosas maldiciones

Los elementos mágicos de la historia convertían unas tramas amorosas en entretenidas e imaginativas aventuras. Existían miles de objetos que entraban en juego a nivel episódico y que tenían los efectos más diversos entre los personajes, elementos que me recordaban mucho a los objetos mágicos que hemos conocido desde nuestra más tierna infancia, protagonistas de los cuentos más populares: la manzana de Blancanieves, la rueca de la Bella Durmiente o la flauta de Hamelin. Estos objetos, per se, eran portadores de un universo fantástico y evocador.

Muchos de los personajes de la serie habían visitado los famosos lagos de Jusenkyo y no sólo era Ranma quien se transformaba. Genma lo hacía en panda, Shampoo en gato, P-Chan en cerdito y Mousse en pato. Los equívocos y complicaciones que generaban estas transformaciones daban mucha vidilla a las tramas de cada capítulo. Por si fuera poco, Ranma tenía una maldición relacionada con su pelo, que debía estar siempre atado con un bigote de dragón o crecería hasta alcanzar proporciones monstruosas y derivar en una posterior calvicie.

¿Esto para los niños?

En su momento, y como ha sucedido con muchas series anime, ‘Ranma 1/2’ recibió críticas por parte de quienes consideraban que no era un programa adecuado para niños. Las referencias explícitas al sexo y la violencia de algunas imágenes tuvieron mucho que ver con ello. El personaje del viejo maestro fue puesto en duda en muchas ocasiones por su afición a robar ropa interior femenina. Además, el hecho de que las disputas se vieran solucionadas de forma violenta tampoco gustó en su momento a la Asociación de Telespectadores y Radioyentes que, en 1995, emitió un informe en el que denunciaba estos aspectos de la serie.

Creo que ya he comentado alguna vez que las series anime que nos llegaron en los 90 revolucionaron la programación infantil en especial por el universo “adulto” que traían a los niños. Recuerdo mirar algunos de estos capítulos, no sólo de esta serie, con los ojos como platos, extasiada con esta nueva oleada de temáticas más amorosas, en las que jóvenes y jóvenas eran protagonistas de fantásticas odiseas. Claro está, no todo el público infantil era el idóneo para estos productos. Al igual que, por ejemplo, ‘Los Teletubbies’ no están pensados para niños de doce años. En fin, que, a veces, es difícil establecer los límites de visionado. Eso sí, esto me preocupaba bien poco en esos momentos, en los que lo que yo quería ver era un beso entre Ranma y Akane.

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