El rey analiza los logros y dificultades de España en una entrevista exclusiva con TVE

Hay ocasiones en las que uno se acerca a un espacio de televisión aún sabiendo que no le va a gustar nada lo que va a encontrar en él. Pese a este sentimiento, es difícil resistirse a la tentación y terminamos convirtiéndonos en parte de su audiencia aunque sepamos de antemano que el resultado del visionado nos llenará de furia como espectador. Algo así es lo que ocurrió anoche con la entrevista a Juan Carlos I, un programa que La 1 vendió como un hecho insólito y un acontecimiento histórico incluso antes de que se emitiera.

Es cierto que leyendo los rumores por internet y teniendo muy presente el giro que ha dado Televisión Española en los últimos meses, poco podíamos esperar de esta entrevista, que se convirtió en una conversación pactada entre Jesús Hermida y el monarca, donde cualquier esencia de periodismo quedaba eliminada a conciencia. No hubo referencias concretas a la actualidad y no se habló de los asuntos que muchos espectadores querían conocer. Y, llegados a este punto, solo me puedo preguntar una cosa: ¿Es esta la televisión pública que queremos? O, mejor dicho, ¿es esta la televisión pública que merecemos?

Porque lo de anoche se convirtió en un intento de lavado de imagen de la casa real, que no pasa por su mejor momento, de cara a la audiencia, olvidando por completo el compromiso que esta televisión debe tener con sus espectadores y convirtiendo su entrevista en una prolongación del mensaje real de Nochebuena. En la entrevista se trataron temas generales en los que se alzó la imagen del monarca. No digo que no sean asuntos a tratar en una entrevista, pero desde luego no debería estar por encima de otros aspectos que se olvidaron por completo en el espacio.

La entrevista, por supuesto en diferido y con algún corte de montaje de más, se convirtió en una conversación de unos veinte minutos donde Jesús Hermida no fue el entrevistador que muchos habríamos deseado que se convirtiera. Y, como era de esperar en estos tiempos, los espectadores encontraron en Twitter una vez más el desahogo perfecto para descargar su furia, donde se podían leer multitud de comentarios que mostraban su enfado ante tal descarada pantomima.

La entrevista al rey, aún así, lideró en audiencia, superando con creces los dos millones y medio de espectadores en una noche en la que la mayoría de la audiencia no se suele congregar delante de la televisión. Al espacio le siguió un reportaje, ‘La noche del rey’, donde multitud de caras conocidas analizaban la figura del monarca durante sus años de mandato, un espacio que cumplió con su objetivo: el de poner la guinda a una noche en la que La 1 se olvidó del servicio público para ponerse al servicio de vuestra majestad.

En ¡Vaya tele! | Lo peor de 2012

Berenger, un tipo afable y relajado, estuvo en Madrid presentando ‘Hatfields & McCoys’, que está protagonizada por Kevin Costner y Bill Paxton, y hablando con un grupo de periodistas de su papel en la serie, de las responsabilidades de dar vida a personas que existieron en realidad, del rigor histórico de la producción y de su método de trabajo, entre otras cosas.

A lo largo de toda su carrera, ha intercalado trabajos en cine y en televisión, y ahora estamos viendo a bastantes actores de cine que están pasándose a la televisión. ¿Por qué cree que está ocurriendo esto? ¿Cree que los mejores guiones y las mejores ideas están ahora en televisión?

Es posible. Desde luego, parece que vamos en esa dirección. Sé que ‘Hatfields & McCoys’ ha iniciado un nuevo interés por las miniseries. Están haciendo una producción sobre los vikingos y parece que muchas de las cadenas de cable están intentando hacerlas. Me gusta la idea por dos razones. Primero, puedes cubrir una novela entera, incluyendo todos los personajes y las subtramas. O puedes hacer algo sobre algún momento histórico.

Fidelidad histórica

Bueno, en primer lugar, esto de los Hatfields y los McCoys era una especie de leyenda porque no mucha gente sabía la historia. Sin embargo, la miniserie es más historia que leyenda. No está exagerada, casi todos los personajes fueron reales. Una cosa que cambiaron para efecto dramático es el personaje de Powers Boothe; era realmente juez pero no era el juez en el caso que se ve en la serie. Los guionistas se tomaron esa libertad para no tener que añadir otro personaje, pero creo que esa fue la única licencia que tomaron.

El conflicto entre Hatfields y McCoys ha llegado casi hasta nuestros días. ¿Pudo hablar con algún descendiente la familia Hatfield para preparar el papel? ¿Cómo se han tomado ellos la serie?

Uno de los actores de la serie es en realidad un descendiente de la familia Hatfield pero él interpreta a un McCoy (risas). De hecho, yo lo mato con mi sobrino, Cap. Después de rodar la escena, esa noche en el hotel, mientras estábamos tomando algo, me contó que realmente estaba emparentado con la familia Hatfield y que era de Virginia Occidental. (…) Me contó que era un descendiente directo de Jim Vance. Entonces le dije: ¿Me estás diciendo que hoy he matado a mi tataranieto? Y él me respondió que sí (risas). Y pensé que sería genial para una entrevista, que había matado a mi tataranieto. No es fácil de hacer, sólo puedes hacerlo en las películas. Luego, en el estreno en Virginia Occidental, conocí a su madre y ella me habló del viejo Jim. Realmente, cuando estás en Virginia Occidental y en el este de Kentucky, empiezas a oír más historias sobre esa gente. El ayudante del sheriff en mi condado se llama Mike Hatfield y es un descendiente directo de Anse Hatfield, el personaje de Kevin Costner. Después de la serie llamó como a once de sus familiares y todos estuvieron de acuerdo en que interpreté a Jim Vance bastante bien (risas). Bueno, les dije, sé que fue pintoresco y que fue dramático, ¿pero fue verdad? Y me dijeron que sí, que ellos eran familia y lo sabían. Porque sólo se han escrito cinco libros históricos sobre esto y sólo hay dos fotos de Jim Vance.

¿Y cómo describiría a Jim Vance? Parece un hombre que sigue sus propias reglas, que va por libre.

Es muy individualista. Puedes ver que vive allí sin una mujer, que sus hijos son ya todos mayores o se han ido. Va a cazar o a pescar solo, pero creo que también se lleva a sus sobrinos. De hecho, así es como es asesinado, yendo de caza con Cap. Me imagino que él les enseñó a cazar, a beber whisky, a hacer whisky ilegal, a apostar, a jugar a las cartas. Todas las cosas que un chico joven necesita saber (risas). Por eso creo que a todos los sobrinos les gusta Jim, pero los personajes de Kevin Costner y Powers Boothe creen que es un bala perdida.

El trabajo con personajes reales

Con la situación actual de crisis en la que se encuentra el mundo, que cada vez está más polarizado, ¿cree que estamos condenados a repetir situaciones como las de ‘Hatfields & McCoys’?

Posiblemente. En el cine, en momentos de dificultad económica, la gente tiende a preferir comedias porque se pueden reír durante dos horas. Pero en la realidad sí, es probable que haya más situaciones como las de ‘Hatfields & McCoys’. Que también fueron diferencias económicas; los McCoys eran granjeros y los Hatfields, leñadores. Los Hatfields estaban mejor económicamente porque podían vender la madera a fabricantes de muebles y constructores de casas. La situación para los McCoys era económicamente más rígida. Así había celos y envidias.

Cuando se trabaja en una ficción con base histórica, con personajes que existieron de verdad y que tuvieron familia, ¿cambia su modo de trabajar con respecto a historias con personajes totalmente ficticios?

Normalmente, con la historia tienes acceso a libros, diarios y, a veces, películas. Cuando interpreté a Teddy Roosevelt había de hecho películas mudas de él, y me di cuenta de cosas interesantes en ellas. Cuando le daba la mano a alguien, se inclinaba hacia esa persona, tenía una personalidad muy agresiva. Pude ver eso en las películas. También pude ver algunas imágenes suyas en traje de baño, caminando por una playa. Me di cuenta que uno de sus pies se giraba hacia fuera, su pie derecho, y que probablemente eso le pasó al nacer, que su pie se giró durante el parto, y esas cosas no se corregían antes. Así que, cuando yo caminaba, tenía un andar diferente. Había también grabaciones de su voz. Yo no lo sabía, pero un historiador amigo mío me dijo que había seis discursos suyos que habían sido grabados. Le pregunté dónde iba a conseguirlos y me respondió que no me preocupara, que en la casa de Teddy Roosevelt en Oyster Bay, Long Island, que está protegida por el departamento nacional de interiores, o algo así, hay un museo y una pequeña tienda y que puedes comprar los discursos allí (risas).

En la miniserie se destapa un poco una etapa oscura de la historia de Estados Unidos. ¿Ha vivido también en Hollywood situaciones así?

Todos los días (risas). Cuando yo empecé a actuar, el 15% de los actores podían ganarse la vida sólo con la actuación. El otro 85% tenía que tener otros trabajos. Ahora, el 10% trabaja, y el 90% no tiene trabajo. Son estadísticas del sindicato de actores. No hay mucho trabajo, así que hay mucha envidia, ira (risas). Pero siempre será así.

Cuando ‘Hatfields & McCoys’ se estrenó, afirmó en una entrevista que le parecía que podía ser como ‘El padrino’ de las montañas. ¿Qué similitudes ve entre una y otra?

Las dinámicas familiares, con el patriarca con los hijos, los sobrinos… Está el aspecto de vendetta… También teníamos el guión perfecto, con los actores perfectos, con el director perfecto, todos los planetas se alinearon. Y tienen un aspecto parecido. Son historias de época, aunque de periodos históricos diferentes, pero las dos tienen ese tono sepia.

Un pedazo de historia

¿Cómo ha sido la acogida a la miniserie en Estados Unidos? Porque da la sensación de que el país está orgulloso hasta de sus peores momentos históricos.

Espero que estén orgullosos. Si eres un país democrático puedes enseñar cosas que son malas sobre tu país, y así es como aprendes y cambias, o esperas cambiar, al menos. Parece que últimamente, en los últimos 40, 50 años, cuando se hace algo histórico se hace como lo haría un historiador de verdad, de forma neutral, esperando que sea veraz y no esté escorado hacia ningún lado. Es lo que el periodismo debería ser, un observador neutral. Se debe mostrar lo bueno y lo malo juntos.

¿Y cómo se ve ahora la Guerra de Secesión?

Cuando hicimos ‘Gettysburg’, era la primera película que mostraba de verdad la guerra civil, no se había hecho antes. Tenía que durar cuatro horas porque es una parte importante de nuestra historia. ‘Tiempos de gloria’ es buena pero sólo es una pequeña parte de la historia. Dramáticamente, es difícil escribirla, pero creo que estuvimos bastante cerca de conseguirlo. ¿Qué piensan ahora los americanos? No lo sé. Hay muchos historiadores amateur que tienen una gran cantidad de información sobre la guerra. Los he conocido y leen sobre el tema, lo estudian, visitan los campos de batalla, intentan recaudar dinero para preservarlos, hacen reconstrucciones.

En ¡Vaya Tele! | ‘Hatfields & McCoys’, una miniserie correcta

A mediados del pasado mes de agosto, BBC America estrenó su primera serie de producción propia, ‘Copper‘, creada por Tom Fontana y Will Rokos y producida por Barry Levinson, que se centra en un policía que vive y trabaja en Five Points, el barrio donde acababan todos los inmigrantes que llegaban a Nueva York a mediados del siglo XIX. Kevin Corcoran es un veterano de la Guerra Civil estadounidense, aún en marcha, que trabaja como detective con la esperanza de averiguar qué ocurrió con su mujer y su hija mientras él estuvo en el frente, al mismo tiempo que se cruza con una serie de personajes, tanto de las clases bajas como de la alta sociedad, que ofrecen un vistazo a cómo era la ciudad en aquella época.

Aún no se sabe si ‘Copper’ tendrá segunda temporada pero, mientras tanto, Fox Crime la estrenará en España el próximo día 25, a las 23:00, y para promocionar su estreno contó con la presencia en Madrid de su protagonista principal, el actor británico Tom Weston-Jones, que hasta ahora se había dedicado más al teatro. Sin embargo, en su todavía corta carrera cuenta ya en su haber con un papel en la última temporada de una de las series de más éxito reciente en el Reino Unido, ‘Spooks‘, y con su participación en ‘Un mundo sin fin‘, la miniserie que adapta la continuación de ‘Los pilares de la tierra‘, de Ken Follett. Weston-Jones dedicó unos minutos de su tiempo a hablar con ¡Vaya Tele! y otros medios de su papel en ‘Copper’, del estado de la ficción televisiva actual y de su método para trabajar en series de época.

‘Copper’ es sólo tu tercera serie y tú eres el gran protagonista. Además, es la primera serie de producción propia de BBC America. ¿Cómo has visto que tu primer papel central en una serie sea justo en esta?

Creo que ha sido bueno para la serie, no sólo porque está intentando ganarse un nombre, sino porque la cadena también lo está intentando. Es beneficioso para ambos. En la serie hay muchas caras nuevas, básicamente está lanzando un montón de carreras, y creo que está bien que sea en una serie como ésta y que sea en BBC America, porque todos estamos intentando labrarnos un nombre. Detrás de la pantalla no es que tengamos gente nueva, tenemos a Tom Fontana y a Barry Levinson, que llevan haciendo esto durante mucho tiempo y que saben lo que están haciendo. Sentimos que estábamos en buenas manos, que no estábamos entrando en territorio desconocido. Hay muchas grandes mentes detrás de la serie.

Corcoran, el protagonista

¿Cómo describirías a tu personaje, al detective Kevin Corcoran?

Creo que lo describiría como un antihéroe, de algún modo. Me gusta también la dualidad de un luchador, porque él es boxeador. Es un personaje muy gutural, que sigue sus instintos, pero que también es un padre cariñoso y un buen marido. Y tiene algo que me encanta, que es cuando tienes un personaje que es hipócrita, que tiene fallos, porque no existen los héroes, sólo existen en un mundo de fantasía. Creo que, hoy en día, la gente conecta mucho mejor con alguien que es vulnerable, que muestra que no es intocable, y por eso disfruto mucho con él, porque le dan tantas buenas palizas como las que él reparte.

¿Cómo definirías la serie? ¿Cómo una serie tradicional policiaca de casos autoconcluisvos o tiene una trama serializada?

Creo que es ambas cosas. Obviamente, creo que los procedimentales tienen mucho éxito porque la gente puede no verlos todas las semanas, pero no son para mí, no me gustan especialmente los procedimentales. Creo que algo que han hecho muy bien es no sólo añadir el elemento de la serie de policías, en la que puedes salir y entrar, sino una dinámica muy interesante entre todos estos personajes, que cada uno tiene su propio viaje. Si no ves la serie todas las semanas, te perderás pedazos de información para la historia.

¿Te serviste de alguna inspiración en concreto para crear a Corcoran? Porque ser un policía de Nueva York a finales del siglo XIX es algo bastante alejado de cualquier policía de la actualidad, o del personaje que interpretaste en ‘Spooks’, por ejemplo.

Me preguntaron hace tiempo si me había fijado en gente como John Wayne, o si había visto westerns, pero realmente no lo hice, no tomé una persona y dije “voy a imitarlo a él”. Intento unir diferentes aspectos del personaje que me interesan. Por ejemplo, su lado de boxeador me intrigaba por lo gutural que era, he usado esa palabra antes. El hecho de que fuera boxeador y, básicamente, un gladiador, eso es algo a lo que me agarré en mi cabeza. Y la dualidad de ser boxeador. Cuando conoces a uno en privado, son muy sensibles y dulces. Por ejemplo, Corcoran es un gran padre. Pero, al mismo tiempo, si una figura autoritaria lo presiona demasiado, la destrozará. Así que intenté tener ese equilibrio de ser tierno, educado al hablar, accesible, y al mismo tiempo alguien a quien no quieres enfadar. Intenté encontrar el punto medio.

¿Qué crees que mueve más a Corcoran, su historia personal o la búsqueda de la verdad y la justicia?

Creo que es su historia personal, aunque creo también que es un gran detective y que tiene un gran sentido de la justicia. Hacia el final de la serie me di cuenta de que todo lo que le motiva, todo lo que le impulsa, son su mujer y su hija. No es necesariamente que todos los crímenes con los que se encuentra los manipule para sean siempre sobre su hija y mujer, sino que, en el fondo, su motivación en la vida, la razón para hacer cosas es que le han pasado muchas cosas malas. Esa es su verdadera razón para ser detective. Está tan afectado por su pasado que no puede mantenerse apartado.

Una serie de época

Foto: FOX Crime

Es una de mis relaciones favoritas en la serie. Me gusta porque soy reticente a llamarla amistad, no es amistad, es más circunstancial que otra cosa. Aunque ven el potencial el uno en el otro, su capacidad de hacer cosas muy buenas, en determinado momento los dos vuelven a los estereotipos, y Corcoran puede ser tan racista como todos los demás, lo que es una cualidad muy real, toda la situación es muy real. Lo que me gusta de la historia americana es que no fue hace tanto tiempo que esto ocurrió, y todavía es muy actual. El racismo en América todavía está muy presente, y es algo aterrador. Me encantó la relación con Freeman porque pudimos crear esa sensación de una compañía peligrosa.

Al principio del piloto vemos a una niña que ofrece sexo por un huevo duro. ¿Crees que gracias a series como ‘Copper’ o como ‘Juego de tronos’ la audiencia está más preparada para ver este tipo de violencia o sexo? ¿Crees que es algo positivo o negativo?

No lo sé. Me parece que, con el sexo, hay una línea muy fina entre que sea necesario y excitante. Creo que ‘Copper’ recorre el lado correcto de esa línea. Lo que me asombra es el hecho de que optaran por una niña de 11 años, podrían haber tenido una niña de 14 años, pero decidieron ir a por todas. Tenemos suerte de que eligieron a una niña muy equilibrada, no tenía problema en hacer esas cosas. En la serie, todo lo que tiene que ver con la violencia, el sexo y las drogas, porque hay un montón de drogas, es como era entonces, así era Five Points. Una cosa que no puedes hacer cuando interpretas un personaje (de época), y que creo que tampoco puedes hacer cuando ves una serie con gente que hace estas cosas, es juzgarlos. Tienes que dejar a un lado tu sentido moderno de la moralidad y sumergirte en cómo habrían sido las cosas entonces. La edad de consentimiento eran los 11 años, y ahora es muy incómodo ver algo en lo que eso estaba bien, pero creo que Corcoran es un poco un pensador moderno en la serie, y eso no termina de ser cómodo para él. La audiencia puede encontrar ahí el centro moral, porque Corcoran también encuentra esto perverso.

Ya que estamos hablando de las diferencias entre el siglo XIX y ahora, ¿cómo fue tu proceso de adaptación a las circunstancias históricas de la serie?

En gran parte, se trataba de intentar olvidar. No quiero decir que no investigara (sobre la época), porque investigué mucho. Intento leer todo lo que pueda y tener toda la información que pueda para después poder olvidarme de ella. Cuando estoy haciendo una escena, no voy a necesitar saber cuántos trenes llevaron arroz a Nueva York en 1864 para interpretarla, y no me gusta ver a alguien que está interpretando la historia, y me frustra cuando no puedes identificarte con esa persona porque hay un muro ahí impenetrable. Así que lo que hago es aprender todo lo que pueda, dejarlo en segundo plano y crear alguien desde los cimientos y hacerlo alguien en quien puedas verte reflejado.

‘Copper’ recuerda un poco a ‘Gangs of New York’, en parte por el lugar donde está ambientada. ¿Cuánto hay de inspiración en esa película, si es que la hay?

Evidentemente, la serie es comparada con ‘Gangs of New York’, no necesariamente por el estilo, sino por el tema. Me encanta ‘Gangs of New York’ como película, es fantástica, pero a propósito no la vi antes de la serie porque sabía lo que vería ahí, y quería que ‘Copper’ se sostuviera por sí misma. El mejor modo en el que puedo explicarlo es que ‘Gangs of New York’ es como una obra de teatro, como una ópera, tiene una escala muy grande, mientras que ‘Copper’ es pequeña, es más claustrofóbica e íntima porque tenemos el lujo de diez horas.

Televisión británica o americana

La serie demuestra que la frontera entre una serie británica y una americana es cada vez más fina, se difumina entre una y otra. ¿Crees que llegará un punto en el que no se podrá distinguir una de otra? Porque antes era fácil separarlas.

Sí, creo que tenía que ver con que la televisión británica nunca ha tenido tanto dinero como la americana. No estoy diciendo que la televisión británica sea peor. Solía usar la palabra “pintoresca” para definir la televisión británica, creo que es apropiada, pero no del todo. Hay cosas que los americanos creen que Inglaterra hace muy bien, como los dramas de época, y estoy de acuerdo con ellos. Estamos anclados en la tradición, por lo que hacemos muy bien programas tradicionales. Pero con el crecimiento de la experimentación, el cine independiente en Gran Bretaña y la televisión se están encontrando en el punto medio. Estoy deseando que llegue el día en que tengamos co-producciones allí, creo que sería que fácil cruzar y sería fantástico. Puede ser beneficioso mutuamente para todo el mundo.

¿Encontraste mucha diferencia entre trabajar en ‘Copper’, que al fin y al cabo es una serie americana, y en ‘Spooks’, que es muy definitoria de las nuevas series que se hacen en el Reino Unido?

Sí que la había, aunque en realidad el equipo en ‘Copper’ era canadiense. En ‘Spooks’, el presupuesto era menor, teníamos más restricciones de tiempo, y también estaba ya establecido un cierto vocabulario para la serie. Habían hecho ya nueve temporadas y sabían qué funcionaba y qué no, y querían terminarla a lo grande. Me sentía como que había engañado a todo el mundo, que era un fraude, al llegar al final de esta serie tan exitosa. Con ‘Copper’, sobre todo en los dos primeros capítulos, todo el mundo estaba intentando averiguar qué era, estábamos intentando construir este bebé, hacer esta cosa totalmente nueva. Eso es algo más aterrador que unirte a una serie con mucho éxito, porque tienes la sensación de que hay muchas expectativas. Han sido las dos experiencias muy diferentes, pero he aprendido muchísimo en ellas. Eso es lo que espero de cada trabajo.

¿Sigues algo la ficción que está haciéndose ahora tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido? ¿Hay alguna serie que creas que es el estándar al que todos deberían aspirar o en la que te gustaría trabajar?

Está ‘This is England ‘86’, de Shane Meadows, que es uno de mis directores favoritos. Hay una amplia variedad de series en las que me gustaría participar, desde algo con gran presupuesto como ‘Boardwalk Empire’ hasta Shane Meadows. Sería estupendo formar parte de series de todos los tipos.

¿Por qué crees que las series de policías tienen tanto éxito, y enganchan tanto al público?

Vi una entrevista que Tom Fontana y Barry Levinson dieron sobre sus carreras, y alguien entre el público les preguntó precisamente por qué habían producido tantas series de policías. Barry lo explicó muy bien, dijo que no se podía pensar en otro trabajo en el mundo que fuera tan extremo, en el que te encontraras con gente tan diferente y vieras el peor lado del ser humano, y tuvieras que desafiarte a ver lo que puedes conseguir, porque los detectives se ven muy presionados como individuos. Creo que esa es la razón básica por la que la gente quiere hacerlas, pero creo que tienen éxito los procedimentales, de todos modos, porque la gente puede empezar a verlas por donde quiera.

Estuviste invitado a la última entrega de los Emmy. ¿Cómo fue la experiencia de ir a la gala? Desde fuera, parece algo muy grande, no como los Oscars, pero de grandes dimensiones.

No se parece en nada a lo que haya ido con anterioridad. Es muy extraño estar entre el público y ver a Michael J. Fox sobre el escenario, alguien a quien he visto desde que era pequeño. Siendo británico, y creciendo en Dubai, yo me crié con el cine americano, y era muy extraño estar alrededor de toda esta gente y, en realidad, no poder hablar con ellos (risas). Mi parte favorita de los Emmys es que tenían este cuarto precioso, lleno de famosos, y luego ibas a a la entrada y vendían perritos calientes y cerveza. Es un gran contraste, gente con esmóquin comiendo perritos calientes. Es algo que no olvidaré, y espero que ‘Copper’ sea nominada algún día.

En ¡Vaya Tele! | ‘Copper’, aún a medio cocinar

Isla Producciones es una productora española que ha conseguido vender una serie al mercado norteamericano recientemente. ‘Oxígeno’ se podrá ver en The CW y tratará sobre un grupo de alienígenas con aspecto humano que vienen a la Tierra e intentarán unir especies. El target es juvenil-adolescente e incluirá una mítica trama de amor entre dos de los protagonistas de la serie.

No es nada habitual conseguir vender desde cero un proyecto de serie en EE UU (que no adaptar algo ya creado en España) y hemos querido entrevistar a Isla Producciones, los responsables de ‘Oxígeno’ sobre esta venta y esta buena noticia también para nuestra ficción nacional escrita por Meredith Averill.

¿Qué diferencias existen a la hora de desarrollar una serie para EEUU respecto a hacerlo para España?

Son mercados muy diferentes. Vimos tanto cadenas como gente en un viaje que hicimos a EE UU. A través de un socio, movimos nuestros formatos por allí. Para vender en España tenemos que llevar un teaser o un piloto (que produces tú). En EE UU funciona de otra manera: allí presentas la idea y si les convence, los runners preparan un piloto. Cuando el piloto se rueda y ven que puede funcionar, se hace la serie.

¿Qué dificultades os soléis encontrar a la hora de vender vuestras ficciones fuera de España?

La clave es buscar aliados. Tenemos dos aliados muy potentes. Entre los viajes que hacemos y el contacto diario por Sykpe con ellos nos van comentando: “oye, pues esto funciona bien para Rumanía, o para tal país”. Por otra parte a veces nos comentan ellos: “oye, que están buscando comedia en tal sitio”. A la hora de vender nosotros, lo que nos facilita es que hacemos productos de carácter nacional a un precio muy competitivo. Hacemos producciones lowcost difíciles de rechazar.

No es habitual que el mercado español venda producción al norteamericano, menos aún a The CW, ¿creéis que esto supone una nueva puerta para la industria española?

Sí. De hecho en cine ya ha habido experimentos, por ejemplo ‘Buried’. A los americanos les gusta mucho lo europeo, y les gusta mucho por “lo europeo”, no por “lo cateto”. Una de las metas que nos ponemos a la hora de crear es ser universales. A EE UU te llevas ‘Los Serrano’ y no se enteran, no lo entienden, no les hace gracia, porque es demasiado local. En cambio, ‘Fragiles’ lo puede entender todo el mundo, por ejemplo.

Es una nueva tendencia, hay una nueva fuerza de españoles creando allí. Seguimos aumentando más pedidos y de hecho ahora nos encargan cosas concretas desde allí.

Tenemos entendido que en ‘La Pecera de Eva’ no existían los guiones. Simplemente había unas líneas básicas y los actores improvisaban todo lo demás. ¿Cómo es esta metodología de trabajo vuestra? ¿Cómo es el proceso de escritura de guión en Isla?

Es una metodología que sólo trabajamos nosotros. El guionista escribe cómo si fuera una novela, unas líneas básicas, “pocas, muy pocas frases” que tiene que decir el actor. Lo primero que hicimos fue practicarlo en ‘Impares’ y los actores disfrutaron como enanos porque se les daba mucha libertad. Los grandes actores han venido a comentarnos: oye, queremos probar esto. No hay texto, no hay líneas, y sale todo con mucha libertad. Es una técnica propia de Isla Producciones que nos funciona muy bien.

¿En qué estado creéis que se encuentra la ficción española actual?

En España hay muy buenos creadores, escritores … y por desgracia también hay mucho parado. ¿Por qué pasa eso? Los mercados publicitarios han descendido, las inversiones publicitarias de las cadenas también, se han vuelto muy cobardicas los señores que mandan en Telecinco, Antena 3… Se han vuelto muy conservadores y les da miedo innovar. Hay mucha bodega. En la época más dorada de nuestras series, hace unos dos-tres años se compraron muchas series en España… la manera de entrar ahí es: si la producción convencional es 700.000, nosotros producimos por 300.000.

‘La pecera de Eva’, ‘Frágiles’ o ‘Impares’ son algunas de vuestras producciones más reconocidas. ‘Oxígeno’ dista un poco más por la temática de ciencia-ficción y e incluso un poco más por el target al que va dirigido. ¿En Isla queréis desarrollar ahora una línea de producciones diferentes?

El mercado (español) tal y como está no te permite avanzar mucho. Las grandes ideas están en la nevera. Nuestra línea continuísta es cierta. Nosotros trabajamos en formatos que son lowcost. Hemos ido a EE UU con estas cifras de producción y nos han aceptado muy bien.

Ciencia-ficción y lowcost, ¿cómo encaja eso?

Muy fácil. Esto es como comprarse un coche. Se lo presentamos a una cadena que se interesó, pero ahora tal y como están las cosas tienen tanta nevera llena.. y nos dijeron “¿por qué no lo transformáis en una tira diaria juvenil?”. Y dijimos, muy bien, eso se puede hacer en lowcost. Lo que pasa es que yo me puedo comprar un Citröen 2CV o un Rolls-Royce. A la hora de hacer efectos especiales, o a la hora de hacer bromas especiales, eso cuesta un dinero. Esta serie de ciencia-ficción trata sobre unos chicos cuyo planeta se ha extinguido y ocupan guettos. Es como ‘District 9’. Nuestra serie la podemos hacer lowcost en el sentido de que sólo contamos la historia de ellos en un instituto: la integración de los adolescentes extraterrestres y una trama de amor con una terrícola. Ahora, si tienes más dinero, podemos hacer más cosas.

¿Creéis que veremos ‘Oxígeno’ en nuestras pantallas españolas próximamente?

Sí, lo creemos. Y lo creeemos más aún a partir de ahora mismo. En el momento en que ‘Oxígeno’ sea una realidad norteamericana, estamos convencidos. El producto es muy bello y es muy moderno. Sabemos producir barato y escribir con emociones muy presentes como constan en ‘Frágiles’ o ‘La Pecera’. Y tercero, un producto estrenado en EE UU, si allí ha triunfado aquí lo sacamos para alante. Y los guiones están escritos por la guionista de ‘The Good Wife’.

Después del desmadre de ‘Vida loca’, ¿vais a volver a la comedia?

Nos da mucha pereza. Por una parte por estar la producción nacional tan anclada en el costumbrismo, y por otra porque estamos tan bien en otras situaciones con el drama o el melodrama que vivimos muy cómodos. De hecho, todos los proyectos que tenemos ahora son mitad y mitad de un género que nos funciona.

Muchas gracias a Víctor Mato y a Isla Producciones por atendernos y desde ¡Vaya Tele! os deseamos mucha suerte con el estreno en The CW.

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Foto: Amparo Llorente

La serie tendrá una segunda temporada en TNT y, mientras, esta noche la estrena en España AXN, que la semana pasada presentó ‘Perception’ en Madrid con la presencia del propio Eric McCormack. Simpático y bromista, dispuesto a hablar de cualquier cosa, McCormack celebró un encuentro con varios blogueros, en el que estaba ¡Vaya Tele!, en el que pudimos preguntarle sobre su nueva serie, su trayectoria y cómo ha cambiado la televisión desde que ‘Will & Grace’ se estrenó, en 1998.

Quién es Daniel Pierce

Lo más complicado fue encontrar un equilibrio entre el modo en el que Daniel se siente cuando está centrado en algo, cuando es el cerebro más brillante, y lo contrario, cuando su cerebro se pone en su contra y el entorno se pone en su contra y su enfermedad mental lo lleva a cerrarse. Nunca quisimos aprovechar su condición mental para la comedia, sino que viene por algunos momentos concretos o cuando comenta algo sobre sus momentos más débiles.

La serie

Pierce no es detective, no quiere serlo. Es un pez fuera del agua, se ve arrastrado a estas situaciones que son muy incómodas para él por su amor a resolver enigmas y porque quiere a Kate, así que no puede decir que no. Además, creo que lo atractivo es ver a un hombre cuyo cerebro es tan grande y tan genial, que es su mejor arma, pero que también se vuelve contra sí mismo. Además, ningún otro detective televisivo ha sido interpretado por mí.

El actor también recordó la evolución de la ficción televisiva que dio pie a que surgiera un título como ‘Will & Grace’:

Hubo un gran momento de televisión en los 90, al que se llamó “Must see TV”, que fue un eslogan de la NBC. Empezó en ‘Cheers’ y siguió hasta ‘Seinfeld’ y ‘Friends’, y la comedia se volvió un poco más joven y un poco más moderna. Dejó de ser sobre la familia y pasó a ser más sobre la experiencia urbana, lo que creo que llevó a que los guiones se volvieran más inteligentes. Para cuando llegó ‘Will & Grace’, estábamos viendo abiertamente a dos hombres homosexuales, o como describía yo la serie, cuatro personas que querían dormir con hombres. Eso fue un paso adelante entonces; ya hace 16 años de ello.

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‘El Hormiguero’ llega esta noche al fin de su primera temporada en Antena 3. Más de 170 programas este curso, cientos de invitados y la sensación los deberes hechos, ya que el show de entretenimiento de Pablo Motos, pese a quedarse a veces por debajo de la media del canal, cuenta con un apoyo incondicional por parte de Antena 3. Más que la audiencia, que tampoco va mal, a ‘El Hormiguero‘ lo que le hace ganar puntos es la marca potente que representa y la buena imagen que da a un canal que busca posicionarse como la alternativa amable y familiar de la televisión, y con este espectáculo del access prime time consiguen proyectar eso a los espectadores.

Nosotros hemos hablado del programa y de cómo ha ido la temporada con dos de los rostros de ‘El Hormiguero’, Raquel Martos y Jandro, quienes además de colaboradores son guionista y coordinador de guiones, respectivamente, del programa.

‘El Hormiguero’ es un programa difícil de definir o de enmarcar en un género, ¿cómo le explicaríais qué es a alguien que nunca lo ha visto?

Jandro: Es complicado… Es un momento de diversión y felicidad dentro del panorama actual de la televisión.

¿Qué tiene este programa que no tengan otros?

Jandro: Las ganas de hacer cosas, de no acomodarte. Llevamos casi 900 programas y seguimos con la misma ilusión del primer día. Han pasado 6 años pero aún estamos encontrando cosas nuevas y probando ideas. El día que se acabe la ilusión se acabará ‘El Hormiguero’.

¿Cómo han ido evolucionando los contenidos a lo largo del tiempo?

Jandro: Antes era un programa más familiar, ahora es para todos los públicos pero un poquito más adulto. Hay entrevistas un poco más profundas, como cuando vino Ferrán Adrià, el astronauta Charles Duke o Jordi Évole para hablar de ETA… Seguimos con las cosas que nos gustan: las explosiones, la ciencia, la magia, etc. pero ha evolucionado y hay cosas más adultas.

¿Cuál es el contenido estrella de ‘El Hormiguero’?

Jandro: Realmente es el invitado, es el eje del programa. Hay algunos a los que les va más la ciencia a otros la magia y otros que dan más para una entrevista larga porque tienen más cosas que contar… El buque insignia siempre ha sido la ciencia, pero cada invitado es un mundo e intentamos que el programa sea a su medida.

¿Hasta qué punto influye el invitado en el guión?

Raquel: Siempre condiciona mucho, por ejemplo en el tono, aunque el programa tiene un tono al que casi tiene que adaptarse ellos. Pero nosotros nos adaptamos al tipo de personaje, buscamos cosas que nunca les vayan a hacer sentir incómodos, que les apetezcan hacer las acciones y disfrutarlas. Nos comemos mucho el coco buscando cosas llamativas para el espectador, que sorprenda a los invitados y que se sientan a gusto. Y claro, el invitado influye porque no es lo mismo tener a Will Smith que canta, baila y hace de todo que a Ken Follet.

Jandro: Evidentemente hay acciones que son aplicables a varias personas, pero intentamos ajustarnos al máximo a cada uno. Por ejemplo, las acciones para un tenista se pueden hacer con cualquier tenista, pero más allá de eso intentamos ver qué le gusta o qué le importa, y si lo encuentras se viene arriba. Por ejemplo Boris Becker jugó con Pablo un partido de tenis virtual montados en unos coches que hacían de raquetas, y claro, él estaba feliz.

Entonces, ¿diríais que los invitados se divierten en ‘El Hormiguero’?

Jandro: Sí. Hemos aprendido de nuestros errores y la verdad es que se lo pasan pipa. De hecho Will Smith ha venido por tercera vez y se nota al acabar la entrevista cómo se va. O por ejemplo, Adam Sandler nos llamó por teléfono pidiéndonos otro bolígrafo de hormiga que canta porque a sus niñas les había encantado…
De todos los invitados que han pasado por vuestro plató, ¿quién es el que más ganas tenéis de que vuelva?

Raquel: Will Smith es como una patita de conejo, un símbolo. Cuando vino la primera vez hubo un antes y un después, digamos que de algún modo él abrió la puerta de ‘El Hormiguero’ a Hollywood. Pero también me enamoró Charlize Theron, Hugh Jackman fue un invitado muy bueno, Adam Sandler… y de los españoles también, me cuesta decirte alguno porque no quiero que nadie se enfade.

Will Smith ha sido una de las estrellas de Hollywood que más se ha soltado en el programa

¿Ha habido alguno del que esperaseis algo distinto y luego os sorprendiese?

Raquel: Siempre hay gente que te sorprende. Mel Gibson, por ejemplo, tiene fama de entrevistado difícil y nos advirtieron un poco sobre eso, sin embargo me sorprendió y estuvo en la entrevista estupendo y se prestó a ponerse unos dientes de broma, a jugar y a todo. Me sorprendió también Tom Cruise porque tienes esa imagen de él de mega estrella y fue muy encantador, pero no sólo en plató, también en los pasillos con todo el mundo.

Y de los que no han venido, ¿cuál se os resiste u os gustaría traer?

Jandro: Me gustaría traer a Nadal, a Bruce Willis… pero bueno, antes o después vendrán.

Raquel: A mí personalmente me gustaría que viniese George Clooney, ¡me muero en el acto! Me gustaría muchísimo que vinieran Harrison Ford, Bruce Willis o Diana Keaton y Meryl Streep porque soy mega fan de ellas. Y siempre lo he dicho, pero me encantaría que viniera el rey. La imagen del rey entrando por la cortina de ‘El Hormiguero’ y un “ha venido a divertirse al Hormiguero su majestad el rey Juan Carlos” me parecería inmejorable, ¡lo petaríamos!

Una de las invitadas que logró un dato de audiencia destacado fue Ana Rosa Quintana, en la época de Cuatro. ¿Sería posible que volviese ahora?

Raquel: Por nosotros sí, luego ya están las políticas de cada cadena… Pero nosotros siempre hemos tenido invitados de otras cadenas. Lo que queremos es que vengan personajes que sean interesantes para el público, aunque hay cosas a las que no puedes acceder. Por ejemplo también nos gustaría que viniesen todos los futbolistas del Real Madrid pero no nos los dejan… Me encantaría ver aquí a Mourinho, a Guardiola, a Messi, etc. Pero la gente del futbol en España se prodiga poco fuera de los programas deportivos.

¿Hay alguna sección que no haya funcionado?

Jandro: No, todas han funcionado… si he dejado de hacerlas ha sido por agotamiento mío. Por ejemplo, tenía una sección que se llamaba “inventos absurdos” y saqué más de quinientos hasta que llegó un momento en que no sabía qué más sacar… Necesitas hacer cosas nuevas.

¿Qué cambios ha habido entre la época de ‘El Hormiguero’ en Cuatro y la de Antena 3?

Raquel: El cambio no es tanto por estar en una cadena u otra, porque siempre de una temporada a otra hacíamos cambios, buscábamos nuevos colaboradores o incluso nos cargábamos secciones a mitad de temporada. Eso también se hacía en Cuatro.

Jandro: Ahora nos ve más gente y se conoce más, sobre todo más gente adulta, y en general tiene más repercusión.

¿Qué balance hacéis de esta primera temporada en la cadena?

Raquel: Ha sido un año fantástico y hemos tenido una trayectoria muy buena de audiencia. La vida que hacemos es prácticamente la misma que antes porque físicamente estamos en el mismo sitio y trabajamos con el mismo equipo, digamos que nuestra vida interna no ha cambiado. Por otro lado, el trato de la cadena ha sido muy bueno y hemos llegado en un momento en el que nos ha gustado mucho el proyecto de cadena, muy familiar, donde han arrancado otros programas que nos han gustado como ‘Tu cara me suena’ o ‘¡Ahora caigo!’. Ha habido un proyecto en el que nos hemos visto bien encajados.

No obstante, el programa suele estar por debajo de la media de share de la cadena aunque tiene buenos datos en el target joven…

Raquel: Nosotros estamos tranquilos y muy contentos. En lo de la media hay que tener muchas cosas en cuenta, por ejemplo el tema del fútbol nos toca a nosotros siempre y eso es un palo enorme, y claro en la media afecta. Sin embargo aguantamos bien contra el futbol.

Ahora os llegan las vacaciones…

Raquel: Sí, es una política de la factoría desde que estábamos en la radio. Es un equipo que trabaja a muerte durante el año, pero en verano paramos para refrescar. Hay una parte del verano que son nuestras vacaciones y otra que es para preparar nuevos contenidos y trabajar en la próxima temporada.

¿Es necesario para que un programa no se agote?

Raquel: Yo creo que es necesario para el equipo y para los espectadores. Cuando dejas descansar un programa, aunque la primera idea es “qué pena, ¿qué voy a ver ahora?”, en el fondo le dejas respirar y echarte de menos, es como una pareja.

Desde ¡Vaya Tele! damos las gracias a Raquel y Jandro por atendernos, así como a Daniel Calamonte por facilitarnos el trabajo y darnos a conocer la productora. Esperamos que vuelvan pronto a la pantalla.

En ¡Vaya Tele! | Entrevistas

Sobre estas líneas podéis disfrutar del segundo tráiler que se ha publicado hasta la fecha de ‘Entre Líneas’, la ficción de la que os hablábamos hace unos días y que actualmente se encuentra en proceso de encontrar un hogar televisivo. El tráiler nos acerca más miel de la que ya teníamos en los labios cuando supimos de la existencia de este proyecto, una serie que pretende ser una crítica del mundo de la televisión visto desde dentro y que cuenta con un reparto repleto de caras reconocidas.

En ¡Vaya tele! hemos tenido la oportunidad de entrevistar a Juan Manuel de Vega, creador de ‘Entre Líneas‘, que ha hablado con nosotros para adelantarnos algunas de las claves de la ficción y de paso hacer una valoración de la situación actual de la ficción en nuestro país.

¿Qué podemos esperar de ‘Entre Líneas’?
Diversión, crítica y una trama muy interesante. Nuestra idea era conseguir un rollito HBO pero con nuestro propio sello distintivo. La parte crítica se centra básicamente en lo difícil que lo tienen muchos guionistas nuevos con ideas frescas y cómo han de ceñirse a ciertos patrones impuestos para poder trabajar en el mundo de la televisión.

¿Qué opinión tienes de la ficción que se realiza en España?
Creo que la ficción española en nuestro país es mejor de lo que muchos piensan, pero también creo que está un poco obsoleta. España tiene unos realizadores y actores fantásticos, pero es un país en crisis y productos novedosos implican cierto riesgo, así que es comprensible que muchos productores no quieran asumir dicho riesgo. Sin embargo, quien no arriesga, no gana.

¿En qué se diferencia esta serie de cualquier otra ficción nacional de la actualidad?
En muchas cosas. Partimos de la base de que en España las series suelen durar una hora u hora y cuarto. Entonces realmente no hay sitcoms al uso, son en todo caso comedias familiares. Así que si tuviera que elegir, diría que ‘Entre Líneas’ se diferencia del resto de ficción nacional en su realización y formato.

¿Qué duración por capítulo y cuántos episodios por temporada crees que son los idóneos para una serie como ‘Entre Líneas’?
A esto quería llegar con mi anterior respuesta. ‘Entre Líneas’ tendrá una duración de 22 minutos por episodio. A pesar de esta duración, no es una sitcom pura, es más bien una dramedia. Te reirás, pero también llorarás e irás acompañando a nuestro desdichado JJ Acosta en una trama que se hila durante toda la temporada. Temporada que constaría de ocho episodios, bueno, de ocho consta la primera, ya te diré cuántos episodios componen la segunda cuando llegue el momento.

¿En qué cadena puede ser emitida ‘Entre Líneas’? ¿A qué tipo de público va dirigida?
‘Entre Líneas’ puede ser emitida en muchas cadenas. Hoy día la TDT nos abre un abanico de posibilidades gigantesco. Mismamente Neox, laSexta o Cuatro podrían ser grandes candidatas, aunque no descartaría algún canal de pago como Canal+ o TNT. Creo que en cualquier parrilla de estas cadenas encajaría a la perfección. Por otro lado, creo que es una serie que gustará tanto al público adulto y adolescente.

¿Habéis tenido ya contactos con algunas cadenas de televisión? ¿Cómo os han recibido?
Se está trabajando en ello. La verdad es que mayormente la recepción es buena. Piensa que sólo han visto un tráiler, pero muchos ya quieren ver más.

¿Con qué presupuesto habéis partido para hacer esta serie?
Cero patatero. En realidad estos proyectos con “presupuesto cero” luego tienen bastantes gastos. En total ha girado en torno a los 800€. Presupuesto más que humilde para el resultado obtenido, pero es que cuando tienes este equipazo tanto técnico como artístico, con tantas ganas y currando de forma altruista… Muy mal tiene que ir para no obtener un resultado digno.

En la serie aparecen numeroras caras televisivivas, desde Pilar Bardem o Manolo Cal hasta Berta Collado o Cristina Pedroche, ¿cómo se consigue un reparto repleto de caras reconocidas?
Pues cosa del guión. Conseguir el contacto de toda esta gente no fue fácil y claro, primero has de vender muy bien la idea para que les pueda interesar y, tras eso, que el guión les guste. En este caso tengo que decir que estoy muy orgulloso, ya que todos tras leer el guión accedieron sin dar demasiados rodeos.

¿Qué actor es el que más te ha sorprendido?
Hay actores que no me han sorprendido, eso seguro. Roberto Cairo, Manolo Cal, Pilar Bardem o Iván Massagué son actores que sabía que darían la talla con creces. Luego Berta Collado, Cristina Pedroche, Raquel Sastre y Jordi Mestre me sorprendieron gratamente. No porque esperase una mala actuación, para nada, pero yo no les había visto como actores más allá de monólogos, sketchs en ‘Sé lo que hicisteis’ u ‘Otra Movida’ y bueno, son sencillamente fantásticos, un diez para ellos.

Ahora bien, extendiéndome un poco, si tuviese que decir que alguien me sorprendió con mayúsculas, ese fue Álex Fidalgo. Siempre fue mi apuesta personal, a pesar de tener mucha experiencia en la radio, en cine y televsión solo había hecho un cortometraje, pero yo sabía que daría la cara y así fue, quedé muy contento. Para finalizar, tengo que decir que otros actores con menos nombre y papel también dieron un resultado excelente: Paula Coiz, Cruz Galiana, Jhon Vázquez, Almudena Ripamonti, Luis Fernández de Eribe y Leticia León. Todos ellos estuvieron a la altura y si esto sale adelante conservarán sus papeles, que por cierto son hilarantes.

‘Entre Líneas’ cuenta la historia de un guionista de televisión que busca un gran éxito televisivo y tiene que hacer frente a las peripecias de su comunidad de vecinos, ¿cómo se relacionan ambas historias?
Cuando eres un guionista en paro y no te dan ninguna oportunidad tienes que buscarte la vida para poder comer. Eso es lo que hace nuestro protagonista, alquilar pisos en un bloque de edificios que heredó de su padre. Lamentablemente con la crisis que hay hoy día le han salido unos vecinos muy pero que muy morosos, así que el pobre está un poco desesperado. No tiene suerte por ninguna de las dos partes. Es un pobre diablo.

¿Cuánto hay del creador de ‘Entre Líneas’ en el protagonista de la serie?
Mucho, muchísimo. Somos personas muy calmadas pero con muy mal pronto y a las que la vida ha noqueado en muchas ocasiones. Sin embargo tenemos un lado masoquista que hace que nos levantemos una y otra vez. La parte de conseguir su sueño, dificultades, visitas a productoras y demás, es bastante autobiográfica. He aprovechado para narrar algunas anécdotas que he ido recolectando desde hace tiempo. Sin embargo la parte vecinal es totalmente inventada.

¿Qué series te han marcado a lo largo de tu vida y qué sigues actualmente en televisión?
Buff, soy un auténtico devora series. Me lo veo todo. Por seguir, sigo hasta algunos animes japoneses. Me gustan mucho las sitcoms de antaño tipo ‘Friends’, ‘Seinfeld’, ‘Cheers’, pero creo que la última que me marcó fue ‘Los Soprano’. Actualmente sigo muchas, pero que me vuelvan realmente loco he de decir que pocas. Soy un incondicional de ‘Community’, por ejemplo. El final de la tercera temporada me pareció brutal, estuve partiéndome el pecho y embobado durante los tres episodios. Lamentablemente o mucho cambia la televisión en nuestro país o pasará mucho tiempo hasta que veamos una serie con ese tipo de argumentos e ideas hecha aquí. Tal vez si me dan una oportunidad…

Por supuesto también sigo la ficción española, me gusta estar al tanto de lo que se lleva. Sin embargo, al día sólo llevo ‘Cuéntame cómo pasó’ y ‘El Barco’. Antes dije que la última que me dejó perplejo de USA fue ‘Los Soprano’ (y ya hace años). Creo que la última que me dejó boquiabierto en España fue ‘Crematorio’.

Desde ¡Vaya tele! agradecemos a Juan Manuel de Vega que nos haya concedido parte de su tiempo para realizar esta entrevista y esperamos ansiosos poder disfrutar pronto del estreno de ‘Entre Líneas’ en la pequeña pantalla.

En ¡Vaya tele! | ‘Entre líneas’, una comedia que busca un hueco en la televisión

Paramount Channel es ya el canal que ocupa la frecuencia de La 10 en el múltiplex de Vocento en nuestra TDT. Un nuevo canal de cine en abierto, dedicado a los grandes clásicos y que esta vez viene de mano de uno de los estudios más importantes del mundo. Así mismo, el lanzamiento de Paramount Channel inicia una nueva estrategia de Viacom Intl. Media Networks a nivel global: la intención es lanzar este canal de cine en abierto en todos los países posibles. España será el piloto de esta aventura.

Para conocer todas las claves de este canal que contará con más de 600 títulos al año, en ¡Vaya Tele! hemos estado hablando con Antonio Campo Da’llOrto, Executive Vice President of Music Brands & Managing Director of South Europe de Viacom International Media Networks. Paramount Channel arranca mañana viernes 30 de Marzo en abierto a través de TDT con el 40 aniversario de ‘El Padrino’. Así serán las claves del nuevo canal.

¿Qué diferenciará a Paramount Channel del resto de canales de la TDT española?
Pienso que sea la primera oferta de cine que tenga un brand que ya sea reconocido. laSexta 3 ha hecho un trabajo muy bueno, hay que decir, y ha sido un elemento de inspiración.

El hecho de que una cadena se llame como uno de los estudios más reconocidos de la historia del cine para mí nos va a dar un posicionamiento también que pensamos será de cine clásico y de calidad. También creemos que en un ambiente como la TDT española dos cadenas de cine van a caber tranquilamente.

¿Cómo ves el panorama de la TDT en España?
Es una panorama interesante. En España estamos encontrando un equilibrio que otros países aún no han encontrado que es tener una television en abierto que tenga un número de canales que nos sea demasiado alto, y que cubra un poco la base de cada tipo de interés. Porque después si quieres más vas a la tv de pago.

Para nosotros este equilibro es bueno, y esperamos que en otros países ocurra. En plan editorial para mí es un momento bueno. Lo que esperamos que encuentre un equilibrio mejor es la publicidad, porque en los últimos dos años ha bajado mucho. Nuestra idea es que sea sólo un hecho temporal, y después de la crisis creemos que el mercado va a resurgir.

Vuestra competencia directa es laSexta3 en España. ¿Qué tiene Paramount Channel que no tenga laSexta3 o no vaya a tener?

La verdad es que son una buena cadena. Nosotros lo que pensamos llevar es el posicionamiento de Paramount. Ya lo tenemos en el nombre, el hecho de poder llegar a esa library que es muy famosa pienso que nos dará un posicionamiento distinto.

Las dos cadenas van a convivir bien. Pero como decía antes, pienso que nuestra peculiaridad está en nuestro nombre. El hecho de ser parte de un estudio que tiene 100 años de vida.

¿Veremos algo de producción propia?

De momento lo que vamos a ver es la parte que con el estudio Paramount en Hollywood estamos seleccionando de todo el material que ellos tienen de las películas que ya han hecho. Considera que algunos de estos materiales han sido utilizados en los de DVD, pero muchos otros aún no han sido utilizados.

¿A qué target comercial váis?

A un target más ancho que el que persigue MTV. Esta cadena va a un target 18-49, aunque los que verán la película irán más allá de los 49 años, pero la concesionaria de la publicidad (be_viacom) va a comercializar mejor este target.

Desde el punto de vista de la estrategia, Paramount Channel es un canal que se lanza por primera vez en España. Creáis franquicia aquí con la idea de exportarla fuera si el modelo funciona. En ese caso, los Paramount Channel se llevarán desde España o las franquicias se gestionarán desde fuera de nuestro país?

Digamos que en esta aventura hay varias partes. Hay una parte que es la adquisición de los derechos que manejamos en Los Ángeles, porque allí tenemos nuestros estudios. Hay otra parte que es creativa y que está en Milán, y la otra parte es programacion que es donde España en el plan de promoción puede jugar un papel más importante porque será la primera cadena que va a inspirar las otras. Sabemos que para España es una ocasión porque el resto serán todas en abierto.

Os pasa como a laSexta3. Sois un canal centrado en un tipo de cine que ha hecho historia dentro de la industria y por ende, en el mundo. En su mayoría estáis compuestos por películas no comerciales, de bagage de catálogo… ese tipo de películas que todo el mundo debería haber visto o que volveríamos a ver otra vez porque son míticas. Lo que etiquetamos como “buen cine de verdad”. ¿Hay un nuevo nicho de mercado en España con este fondo de catálogo clásico de calidad?

Yo pienso que contar historias es algo que la tv, el cine, el teatro… hacen todos los días. El cine ha demostrado en los últimos 100 años que tiene más fuerza que los otros medios para contar historias, porque, la historia que el cine cuenta sobrevive al tiempo mucho más que la historia que la tele puede contar a través de un reality o a través de un tv movie.

Y para nosotros ésta es la fuerza de esta operación. Cuando tienes esas historias puedes seguir contándolas a personas que no la conocen o que la quieren ver otra vez. Me gustaría saber, por ejemplo, cuántas personas no han visto nunca ‘El Padrino’, yo la ví ya como cinco veces y la próxima será la primera en español. Para mí son cosas que forman parte del imaginario del mundo. El imaginario del cine es uno de los imaginarios más ricos del mundo, y en ese sentido espero que añada algo al panorama media.

De momento, Paramount Channel se lanza en versión lineal. En el futuro ¿hay algún plan de VoD, aplicación para tv conectada, tablet, movilidad o similares?

La idea de momento es de tener sólo la versión lineal, ya que somos nosotros los que manejamos para Paramount Studios este servicio lineal. Pero Paramount con sus acuerdos con las distribuidoras ya tiene esos derechos cubiertos, ya sea con Netflix, con Apple o Digital+ y entonces no hay intención de ir allí. Porque ya hay planes, no porque no sea interesante.

Respecto a los bloques publicitarios… ¿qué cantidad de anuncios, duración y cómo se distribuirán estos bloques en la emisión de películas?

La idea es tener máximo cuidado con esto. Queríamos tener máximo dos bloques por hora e intentar ponerlos con una lógica que no es la lógica televisiva. He trabajado muchos años en Telecinco y cuando teníamos que poner los bloques en la película, intentábamos poner los breaks en los momentos más emocionantes. Cuando haces una cadena de películas, sabes que los que están allí, están porque son apasionados del cine. Entonces en este caso intentamos ponerlos cuando un momento se acabó, no cuando estaba es un momento interesante porque pensamos que es una manera mejor de tratar con la persona que ya entiende o le gusta el cine.

Hace unos días el Gobierno comunicaba que quiere reducir canales en los múltiplex concedidos a los operadores. Vosotros estáis dentro del múltiplex de Vocento, si finalmente llegase a ocurrir esto y se reduce el mux a la mitad, ¿cómo lo haríais? ¿Pasaríais a ser un canal de pago como SET en su momento?

La verdad es que es un camino largo. Nunca hemos visto en ningún país cerrar cadenas que van bien. Lo que el Gobierno ha comunicado a todos es que le interesa tener más espacio para vender banda a otros operadores. Como la cuestión no es cerrar canales sino vender más banda… la intención es muy clara y muy comprensible, de economizar bien la banda, así que no estamos preocupados.

Actualización: Paramount Channel emitirá las películas en español y en versión original con subtítulos.

En ¡Vaya Tele! | Paramount Channel aterrizará en la TDT en abril con 24 horas de cine

Dentro de la promoción previa al estreno de la serie, Kring participó en una videoconferencia con la prensa europea, reunida en Madrid, en la que habló sobre cómo sus ideas sobre la interconexión global de todas las personas fueron el germen de la serie, cuál será el esquema de cada capítulo y cómo consiguieron que Sutherland se convirtiera en el protagonista poco más de un año después de haber terminado su participación en ‘24‘.

¿Cómo se implicó Kiefer Sutherland en el proyecto? ¿Escribiste el guión pensando en él o tenías otras opciones?
La serie no se escribió con él en mente. Mientras estábamos buscando actores para ese personaje, yo no sabía que Kiefer lo había leído y que estaba libre para volver a la televisión después de ‘24’. Fue emocionante saber que había leído el guión y que quería hablar sobre ello. No tenía ni idea de que podía hacerlo. Pero después de que leyera el guión, y de hablar con él por teléfono sobre cómo iba a ser la serie, él decidió que quería interpretar a Martin Bohm.

En una entrevista con “The Hollywood Reporter” comentabas que es difícil hacer una serie con muchos elementos serializados y que triunfe, y que por eso no querías seguir ese esquema con ‘Touch’. ¿Crees que ese tipo de series tiene más complicado funcionar en una network?
Mi última serie, ‘Héroes’, tenía un fuerte elemento serializado, y tuvimos problemas con él porque es muy difícil atraer nuevos espectadores cuando tienes una historia que se mueve muy rápido y se vuelve muy complicada. Cuando decidí hacer esta serie, quería explorar la idea de hacer casi una serie de antología, en la que cada semana se le presentarían a la audiencia nuevos personajes y, además, se le daría una historia con un comienzo, una parte intermedia y un final. Eso no quiere decir que no haya una historia mayor que sobrevolará toda la serie y una mitología sobre qué está pasando con este chico y cómo es que tiene esa habilidad única de ver los patrones en el universo, quién está interesado en él, quién más puede haber ahí fuera con esta habilidad. En el piloto, presentamos esta teoría de que puede haber más gente que tenga esta habilidad única.

Todo esto hará que la serie tenga una cierta cualidad serializada de la que la audiencia recibirá fragmentos según vaya avanzando, pero cada semana se le presentará una nueva historia con comienzo y con final, y verá pequeñas historias con personajes satélite que tendrán su importancia en la historia principal y se unen para formar este tapiz de interconexión que es el tema de la serie.

La mitología de ‘Touch’

La serie tiene identidad gráfica y criptográfica muy clara. ¿Dónde te inspiraste para lograrla? ¿Investigaste sobre criptografía o algo así para construirla?
No tengo ninguna experiencia sobre ese tema y no soy demasiado bueno con los números, pero estaba interesado en esta idea de que estamos más conectados unos con otros de lo que pensamos. Y se me ocurrió la idea de crear un personaje que viera los patrones que nos conectan a todos y que viera los patrones matemáticos que se repiten en la naturaleza y en nuestra vida diaria. Así que se me ocurrió este personaje, este chico que, en cierto modo, es el personaje más desconectado del mundo; es pequeño, no puede hablar y parece que tiene una discapacidad, pero él ve todos estos patrones que conectan a las personas unas con otras. Así que eso era lo más interesante para mí. En cuanto a los números y el lado de la física cuántica que tienen, investigué y estudié hasta donde pude y tenemos asesores que nos ayudan con las secuencias numéricas que aparecen en la serie.

Que el niño protagonista tenga esa habilidad, ¿implica algún tipo de rol más místico o la tiene un poco de casualidad?
Empecé a pensar en este personaje, que al principio no veía como un niño, y empecé a pensar en esa idea de que hay patrones en el universo y de que, si fuéramos capaces de ver cómo están conectadas todas las cosas, podríamos predecirlas y, tal vez, impedir que pasaran algunas cosas o hacer que pasaran otras. Así que, cuando empecé a pensar qué tipo de personaje sería interesante que tuviera esta habilidad, no podía dejar de pensar en un personaje que la gente no tuviera en cuenta, quizás un vagabundo o hasta un criminal. Y también comencé a pensar quién podía ser la persona más desconectada del mundo, alguien que fuera pequeño, y que no hablara y que a lo mejor tuviera una discapacidad. Creí que había algo único en tener este poder extraordinario dentro de alguien tan pequeño. Así es como surgió la idea. Y sí, la idea de si es algo sobrenatural es parte de la mitología que la serie va a seguir, en la que exploraremos esas teorías. ¿Es esta habilidad sobrenatural? ¿Es, quizás, algo espiritual? ¿Hay algún tipo de cualidad de ser elegido para esto? ¿Es tal vez el siguiente salto en la evolución? Todas estas preguntas serán exploradas en la serie.

Al igual que en ‘Héroes’, los personajes parecen estar interconectados de forma global. ¿Qué te llevó a buscar esa conexión global en ‘Touch’?
Como bien dices, es la continuación de un tema que me interesa; la idea de una conciencia global y de la interconexión. Es un tema que exploré por supuesto en ‘Héroes’, y ahora es más central. Mi último proyecto fue ‘Conspiracy for good’, algo que hicimos en Londres en el verano de 2010. Era un proyecto multiplataforma que tenía lugar en Londres pero que beneficiaba causas en el este de Zambia y en Delhi y en otros lugares. Teníamos el mismo lema de la conciencia global y de estar todos conectados activamente.

Estoy convencido de que la interconexión es un mensaje importante para el mundo ahora mismo, de que estamos más conectados y de que a través de esta idea podemos resolver problemas y de que, a veces a escalas pequeñas, podemos así generar cambios en el mundo.

¿Cuál es la relevancia del 11-S en la historia?
Hay un par de cosas ahí, pero quizás la más importante es que, para nosotros en América, fue un gran cambio de mentalidad, cuando empezamos a darnos cuenta de esta idea de la interconexión y de que el mundo es mucho más pequeño de lo que nunca pensamos, y esta idea de que éramos una superpotencia aislada y de que lo que pasaba 10.000 kilómetros más allá no podía afectarnos. Creo que ese cambio de mentalidad sobre la interconexión fue un gran cambio en América en aquel momento. En el piloto, se explica por qué el personaje de Kiefer Sutherland es viudo y por qué Jake no tiene madre. Sitúa la historia alrededor de ese evento icónico que cambió nuestra mentalidad sobre el mundo.

El equilibrio con la realidad

¿Cómo habéis decidido equilibrar los momentos más sobrenaturales con la dinámica padre-hijo entre Martin y Jake?
Es, realmente, un equilibrio difícil de conseguir porque tiene que sentirse que la serie transcurre en el mundo real. No puede ser un mundo mágico muy elaborado, tiene que verse muy real y tiene que conseguir que nos identifiquemos con este sentido de la interconexión. Creo que una de las cosas que la serie quiere hacer es llevar a los espectadores a pensar cómo nuestras acciones, por pequeñas que sean, tienen un efecto dominó en el mundo. Creo que si la serie se escora mucho hacia lo sobrenatural, la audiencia puede desconectar y verlo como ajeno a su propia vida.

La serie utiliza bastantes idiomas diferentes del inglés al seguir esas historias por todo el mundo. ¿Crees que puede ser difícil para los espectadores en Estados Unidos enfrentarse a esa diversidad de lenguas?
Creo que ha habido un aprendizaje en la audiencia americana, y fueron series como ‘Héroes’ y ‘Perdidos’ las que introdujeron los subtítulos a esa audiencia y mostraron a las cadenas que los espectadores los aceptaban. Intentamos asegurarnos de que no tengan que leer mucho, así que intentamos limitar esas historias y si hay varias con subtítulos, intentamos no mostrarlas una detrás de la otra. Pero creo que la audiencia americana se ha acostumbrado más a ellos. Da a la serie esa sensación de realidad.

Hay algo muy falso en ver una historia que se ha tomado las molestias de parecer que está ambientada en un país diferente, y tiene actores que parecen pertenecer a ese país, y que luego hablen inglés con acento extranjero. Creo que para una audiencia moderna, y para una audiencia moderna interconectada, no es nada especial escuchar otros idiomas.

Fox ha apostado con decisión por ‘Touch’, facilitando además que su estreno sea un evento internacional como el organizado, por ejemplo, con ‘The Walking Dead‘ (que produce Fox aunque la emite AMC), y su programación detrás de ‘American Idol’ habla bien a las claras de las esperanzas que hay puestas en ella.

En ¡Vaya Tele! | “‘Touch’ ha sido una experiencia maravillosa”, entrevista a Kiefer Sutherland

Ese carácter internacional hizo que la presentación fuera más bien breve, pero intensa, y ¡Vaya Tele! tuvo la oportunidad de compartir unos minutos con el actor, junto con otros periodistas de medios de otros países europeos. Sutherland se presentó muy amable, agradeciendo varias veces a todos los presentes que estuvieran allí un sábado por la tarde, y aunque hubo poco tiempo para entrar en detalles sobre su papel en ‘Touch’, sí comentó algunos de los aspectos de la serie que le parecieron más interesantes y por qué este proyecto le llevó a regresar a la televisión después de ocho temporadas en ‘24’, la serie que ha cimentado el estatus del que disfruta ahora.

Él mismo reconoce que protagonizar otra serie era “la última cosa que quería hacer. Acaba de terminar nueve años en ‘24’. Tengo una foto de mi hija de visita en el set y estaba en quinto grado. Tengo otra foto de mi hija cuando estábamos terminando ‘24’ y estaba graduándose en la universidad. Eso es mucho tiempo. Si te comprometes con una serie de televisión y tiene éxito, eso es lo que vas a estar haciendo durante bastante tiempo“. Además, Sutherland ha estado involucrado en otros proyectos en el año y medio transcurrido tras el final de la serie (incluida ‘Melancolía‘, de Lars Von Trier, y un apelícula dirigida por Mira Nair, ‘The reluctant fundamentalist’, aún sin estrenar) y no tenía en mente volver a la televisión. Sin embargo, como suele ocurrir en estos casos, leer el guión le llevó a cambiar de opinión.

El atractivo del guión

Sutherland estaba representando en Broadway ‘That championship season’ cuando le enviaron el guión del piloto de ‘Touch’. “Pregunté lo que era y me respondieron que era para televisión, a lo que yo contesté que no estaba interesado en hacerlo. Me dijeron que tenía que leerlo de todos modos porque lo había escrito Tim Kring, al que yo respeto mucho, y lo producía Peter Chernin, que es el jefe de Fox Media Corp., que fue un gran aliado de ‘24’ y es amigo mío también, así que, por respeto a ellos, leí el guión”, explica el actor, que añade que eso fue lo que le hizo decidirse por entrar en el proyecto:

Estaba más o menos en la página 32 y pensé “oh, no”. Me encantó, pero pensé que sólo llevaba 40 páginas y que se estropearía antes del final. Pero no, no hizo más que mejorar y mejorar. Me di cuenta de que estaría muy decepcionado si llegara septiembre y estuviera sentado en el sofá, viéndolo, y yo no hubiera estado involucrado en ello.

Ahora, reconoce que “estoy muy agradecido por haber tomado esa decisión. Acabamos de terminar ocho meses de trabajo, terminando la primera temporada, y ha sido una experiencia maravillosa, tanto personal como profesionalmente, y ahora estoy en ese emocionante punto en el que vamos a presentar al niño y esperamos que la gente sea amable con él, y espero que a la gente le guste. Espero que les guste tanto como yo he disfrutado rodándola”. Para Sutherland, ser capaz de comprender lo que estaba pasando Martin Bohm, su personaje, fue muy importante: “Tuve una reacción muy visceral y emocional hacia el guión. Es muy sencillo; tengo dos hijas (…), y la idea de no poder coger la mano de mi hija cuando la llevaba al colegio, de no poder llevarla a la cama, no poder abrazarla, no darle un beso de buenas noches, no poder escuchar las cosas divertidas que diría cuando pudiera hablar… No tener ninguna de esas cosas me rompió el corazón, así que tuve una reacción muy visceral hacia la situación de este hombre. Pensé que entendía bien cómo quería interpretarlo. La combinación de esas dos cosas hizo muy difícil, imposible, que no formara parte de esto”.

Todo está conectado

El eslógan de ‘Touch’ es “Todo está conectado”, y ese modo en el que la serie traza conexiones invisibles entre los habitantes del planeta es de lo que más destaca Kiefer Sutherland. Asegura que “me gustó la idea de que Tim Kring decidiera no centrarse en lo que nos divide, sino en las cosas que son comunes en la naturaleza humana”, y añade que:

Me gusta que decidiera centrarse en eso, porque creo que cuanto mejor entendamos lo que tenemos en común, este mundo será mejor. El hecho de estas historias globales y su efecto dominó, y que todos estamos conectados y que lo que hacemos en nuestra vida diaria tiene importancia, aunque no lo sepamos y ocurra 10.000 kilómetros más allá… Hay un efecto dominó en nuestras acciones

En ‘Touch’ y, en concreto, en la construcción del personaje de Martin Bohm, tienen cierta relevancia los atentados del 11 de septiembre de 2001, en los que muere la mujer de Bohm, y un día que Sutherland recuerda como “un día horrible, horrible. No quiero sonar pretencioso y creer que es el único ataque que ha tenido lugar en el mundo, desafortunadamente, es algo que ocurre por todo el mundo. Pero recuerdo, de modo muy concreto, que eran las cinco de la mañana y estábamos rodando ‘24’. Me llamaron por teléfono y me despertaron después del choque del primer avión. Todos pensábamos que era un accidente. Después llegó el impacto del segundo avión y lo que más recuerdo, y pienso sobre ello muchos días, es ver a un hombre y una mujer muy arriba en uno de los alféizares de las ventanas”.

La pérdida de su esposa en el 11-S hace que en Bohm haya un cierto poso de tristeza y, como explica el propio Sutherland:

Ciertamente, él es demasiado joven para haber perdido a su esposa, y hay una gran tristeza en Martin Bohm, el personaje que interpreto, y un gran sentimiento de pérdida. Y no sólo porque ha perdido a su mujer, sino también porque ha perdido ese ideal de una relación perfecta entre un padre y su hijo.

Sin embargo, el actor, y productor de la serie, también indica que Bohm “aun así, todos los días se levanta con una gran cantidad de amor, entusiasmo, esperanza y energía por lograr que esa dinámica padre-hijo sea un poco mejor. Es un hombre muy fuerte y valiente, al mismo tiempo. El único significado del 11-S y la pérdida de su esposa es que ha creado una gran tristeza en él”. Ese tono optimista y de esperanza es, probablemente, lo que hizo el preestreno de ‘Touch’ en enero fuera visto por casi 12 millones de personas, razón por la que no es de extrañar que la cadena quiera lanzarla, ya oficialmente, el 22 de marzo justo después de ‘American Idol‘. Entonces veremos si Kiefer Sutherland sigue teniendo tanto tirón entre el público como durante sus días en ‘24’.

En ¡Vaya Tele! | ‘Touch’, un piloto que emociona