Pocas series de la historia de nuestra televisión pueden presumir de las catorce temporadas que lleva ‘Cuéntame cómo pasó’ en La 1. La ficción despidió anoche una nueva etapa, en la que de nuevo ha contado con el apoyo mayoritario de la audiencia, que no ha querido perderse su cita semanal con la familia Alcántara. Pese a perder algunos espectadores en la primera mitad de temporada, ‘Cuéntame cómo pasó‘ ha conseguido volver a superar la cifra de los cuatro millones de espectadores en su recta final, con un share que se ha mantenido cada semana por encima del 20%.

Los datos apuntan a que seguimos ante una de las series más sólidas de nuestro país, que durante su decimocuarta temporada ha traspasado la mágica cifra de los 250 episodios. Muy pocas ficciones españolas pueden presumir de contar con una vida tan larga, algo que ‘Cuéntame cómo pasó’ ha conseguido mostrándonos una historia cercana, firme y llena de momentos históricos referenciales en los que buena parte de la audiencia ha podido sentirse reflejada. Aunque marcada por el drama, la serie también nos ha dado momentos cómicos, que en el pasado han sabido endulzar la mayoría de sus tramas. El problema de la decimocuarta temporada ha sido que esa mezcla se ha intensificado, dando como resultado una ficción que ha mostrado distintas caras de una misma moneda.

Y, para ser francos, como comedia ‘Cuéntame cómo pasó’ deja mucho que desear o, al menos, no está a la altura de los momentos dramáticos que hemos podido seguir a lo largo de su historia. Ese es el motivo por el que la mayoría de los capítulos en los que la comedia ha tenido una presencia predominante hayan sido lo más flojo que hemos visto este año. La temporada empezó con las absurdas situaciones que vivimos en el Golpe de Estado a través de dos episodios que ya nos dejaron un sabor agridulce entonces y que no fue más que el aperitivo de las tramas que se sucederían con posterioridad.

La puntual atracción sexual de Antonio por Pili, las milagrosas lágrimas de la virgen de la parroquia o el toro suelto por el pueblo de los Alcántara son solo algunos de los numerosos recursos cómicos que se han explotado en esta temporada, dando como resultado una serie que se ha distanciado bastante de lo que nos tenía acostumbrada. Es cierto que en anteriores temporadas también hemos visto tramas cómicas, pero el abuso de ellas durante este curso ha hecho que haya ocasiones en las que ‘Cuéntame cómo pasó’ se alejara de su esencia, por acumulación y por el absurdo que este tipo de historia ha terminado reflejando.

La fortaleza del drama

Por eso la temporada ha dado un cambio tan radical tras la emisión del capítulo “Un regalo para Karina”, en el que pudimos ver no solo cierta novedad en su emisión, otorgando un agradecido toque de originalidad en el desarrollo, sino también por el golpe sobre la mesa que supuso al devolver a ‘Cuéntame cómo pasó’ al drama más absoluto para regocijo de los espectadores. Con Carlos Alcántara metido en prisión y gracias a un Ricardo Gómez ya licenciado como actor, hemos vivido los momentos más trágicos de una temporada que de nuevo nos ha puesto el nudo en la garganta en su recta final.

Y es aquí cuando la mejor parte de ‘Cuéntame cómo pasó’ sale a relucir, brillando muy por encima de lo que ha sido la temporada en su conjunto. De hecho, la trama de Carlos, primero ayudando a Karina y después ya metido en la cárcel (y ya van tres Alcántara entre rejas) ha sido lo más destacable de una temporada un tanto irregular, cuyas tramas secundarias nos ha dejado una sensación más bien fría. Aún así, el matrimonio Alcántara ha tenido tiempo de volver a emocionarnos, algo con lo que ya contamos que suceda al menos una vez por temporada.

En cuanto al resto de historias, ha sido novedoso ver a la familia mudarse al pueblo, tras una trama del aceite que se insertó con acierto en el momento histórico que se reflejaba, pero sabíamos que esta decisión no duraría y que tarde o temprano los Alcántara volverían a su punto de partida. Es curioso observar la de idas y venidas que ha dado el núcleo principal de la familia, que siempre ha vuelto a sus orígenes como una manera de poner el contador a cero y arrancar con otra historia.

En este recorrido hemos visto a Antonio Alcántara en un nuevo negocio (hemos perdido la cuenta ya de todas sus profesiones), a Toni sufriendo la paternidad a distancia, a Inés peleando por hacerse un hueco en el mundo del cine y a Miguel y Paquita en un tira y afloja constante tras la decisión de separarse. Como decía anteriormente han sido tramas que salvo momentos puntuales han aportado bien poco al conjunto de la temporada, que no pasará a la historia precisamente como la mejor de la serie.

Bienvenidos a 1982

La decimocuarta temporada de ‘Cuéntame cómo pasó’ ha transcurrido en su mayoría en 1981, dejando la historia aparcada en enero de 1982, año en el que suponemos que arrancará la próxima temporada. A la vista se encuentra la victoria del PSOE en las elecciones generales y la celebración del Mundial de fútbol en España, dos acontecimientos que tendrán cabida de alguna forma en las tramas del curso que viene. Pero, en cuanto al desarrollo de personajes, la ficción debe seguir cuidando la estructura de sus capítulos, haciendo mayores esfuerzos para que el nivel de calidad del pasado no descienda.

La noche de los jueves ha vuelto a quedarse algo huérfana tras el final de ‘Cuéntame cómo pasó’, una de esas series indispensables que sigue ofreciendo materia prima para tener una vida aún más larga de lo que ya ha mostrado, capaz de ofrecer una buena historia mientras se mantienen los detalles de su alrededor. Esto es lo que ha ocurrido con la recta final de temporada, que nos ha ofrecido los aspectos con los que más hemos disfrutado en otras ocasiones. Pero ha sido una pena que esta premisa no se haya mantenido en el resto de la temporada, que ha querido servir un cóctel que finalmente no ha dejado el sabor que se esperaba.

En ¡Vaya tele! | ‘Cuéntame cómo pasó’, luchar contra la adversidad

Esta historia de éxito ha venido acompañada de una fascinación desmesurada por parte de algunos críticos, que admiraban que la serie se hubiese convertido en algo tan distinto de un año para otro. Al principio, su responsable había vendido una serie de casos algo particular, las tácticas de Olivia Pope para evitar escándalos en Washington, y en la segunda temporada decidió que no quería hablar tanto de casos aislados como de una trama algo más loca y adictiva.

Se puede enfocar ‘Scandal’, por lo tanto, de dos formas muy parecidas y a la vez opuestas. Hay quienes compran el delirio acelerado de Shonda y todo lo que acarrea como un esfuerzo notable, y otros que opinan que tiene muchos elementos propios de buena serie pero que en el fondo es ridícula y mala. En este segundo grupo, obviamente, me encuentro yo.

El fraude electoral

‘Scandal’ cogió carrerilla cuando el presidente Fitzgerald Grant recibió un disparo delante de los medios de comunicación. Hasta ese punto había dejado entrever que había alguna conspiración sembrándose de fondo, pero en ese momento el público americano paró atención definitivamente a la serie. Y no defraudó. En ese instante, este drama (¿político?) quemó cartuchos como si les fuera la vida en ello y la historia de la estratega Olivia Pope tomó una dirección muy inesperada.

Este, según descubrimos, era el relato de aquellos que amañaron las elecciones presidenciales de los Estados Unidos. No se andaban con pequeñitas y exponían unos personajes que habían aniquilado una de las bases del país, la libertad y la democracia de sus individuos. Así, trucando unas cuantas máquinas electorales de un pueblo clave llamado Defiance, Fitzgerald Grant derrotó al candidato demócrata. Y llegaron las ramificaciones y complicaciones, pues ocultar semejante delito no es fácil ni tan siquiera para Olivia.

Los grises según Shonda

A Mellie le ponen los cuernos y encima es la mala

La amoralidad de Shonda Rhimes, sin embargo, también tiene truco. En cada episodio de ‘Scandal’ tuve la sensación que ella creía estar tejiendo un mural tan perverso como atractivo, complejo y ambiguo. Pero las intenciones de ella no siempre casan con la realidad y las dobleces morales de sus personajes siempre venían de la mano de argucias de guión poco nobles.

Fitzgerald Grant, por ejemplo, es un marido infiel. Su esposa le espera en la Casa Blanca y Olivia Pope en su lecho. ¿Cómo se lo montan para que queramos que esté con la abogada? Pues nos dicen que ella le quiere con locura, él a ella y su mujer Mellie, de mientras, se muestra como una mujer calculadora. ¿Que saque provecho de su sacrificada posición de Primera Dama significa que no está enamorada? No. Pero Rhimes, por si acaso, nos muestra que no le gusta ser madre ni llevar a su bebé en brazos. Un rasgo imperdonable, por supuesto.

Y donde las triquiñuelas de la creadora se notan más es en la season finale. Todo el bufete de Olivia trabaja para ocultar la verdad, que en Defiance se corrompió la base de los Estados Unidos, y está escrito como si ellos fueran los buenos. ¿Por qué? Porque son los protagonistas y Rhimes no se atreve a explicar sin tapujos que juegan en el bando equivocado. ¿Y cómo se lo monta para que parezcan los buenos? Las dos personas que intentan sacar a la luz el escándalo son el consejero de la vicepresidenta, que ya mató un periodista inocente, y el rival demócrata que perdió las elecciones, de quien también sabemos que mató con alevosía al amante de su mujer (y lo coló como una confusión doméstica). Así que, como ellos son tan y tan reprobables, se tiene que ir con Olivia. No le iría nada mal que Michelle y Robert King les dieran unas cuantas clases de grises morales.

La serie que fingía ser de Aaron Sorkin

Algunos creen que en el fondo Shonda se lo toma medio en cachondeo y que, cuando decide virar al personaje de Quinn hacia la psicopatía, es consciente de lo absurdo que es. Pero no. Quien haya visto ‘Anatomía de Grey’ y ‘Sin Cita Previa’ sabe que la mujer se toma en serio su trabajo. Ella es dramática y en ‘Scandal’ cree estar haciendo una versión mejorada y turbia de ‘El Ala Oeste’, incluyendo que copia el estilo de Aaron Sorkin.

Los personajes, bajo su batuta, hablan y hablan sin cesar. Ellos creen firmemente que hablar a toda prisa mientras sueltan alguna lección les hace más inteligentes (vamos, Sorkin en su peor estado). Menos cuando Fitz y Liv se encuentran en una habitación y entonces el tiempo se para y sus bocas sueltan las palabras en cuenta gotas. Porque esa relación es trascendente. Fitz es Kennedy y Olivia es una Marilyn de ébano.

El reparto, además, actúa en consecuencia. Ellos también creen estar en la mejor serie en emisión de la televisión. Kerry Washington hace constantemente muecas para que veamos lo duro que es tomar decisiones y Jeff Perry, ese Cyrus que encarga asesinatos como quien va al supermercado, grita a viva voz en todas sus escenas. Alguien cree que debería sonar para los Emmy cuando probablemente deberían prohibirle pisar Los Angeles para el resto de su carrera.

Bueno, y para actuaciones lamentables, nada en televisión se puede comparar con Guillermo Díaz, que interpreta a Huck. Él es un ex agente secreto que trabaja para Olivia y procura dejar atrás sus viejos vicios (o sea, matar), y posiblemente no existe peor interpretación en el panorama. Es de vergüenza ajena. Eso sí, según Díaz, Shonda le hizo el papel a medida de tanto que le gustó en las pruebas de cásting. Para que digan que esta mujer no se toma en serio su trabajo.

Los gladiadores que creían hacer TV de calidad

A ‘Scandal’, no obstante, no se le puede criticar que no haya puesto toda la carne en el asador. Prometía giros, escándalos y mucha verborrea pseudo-política y fue exactamente lo que dio. Con creces, además. Hubo asesinatos, muchos otros de frustrados o cancelados en el último momento (ay, Cyrus, tú y tus llamaditas), torturas, filtraciones y escenas eróticas. Y hay expectativas, ahora que el affaire de Olivia y el presidente ha salido a la luz y todavía debemos saber qué papel juega el padre de ella en todo esto.

Por mi parte, podría respetar a ‘Scandal’ como placer culpable si no creyera que Shonda Rhimes se toma muy en serio su misión. De esta forma, las cortinillas de flashes, la no-criticada relación de maltratos de Fitz y Olivia, Huck y Quinn, unas interpretaciones vergonzosas y unos diálogos irritantes no pueden tomarse con ironía. No ha llegado a ese punto y bien que se aseguran que sea así. Los gladiadores que la interpretan, la escriben y la ruedan creen estar haciendo alta televisión (las cuentas de twitter de Shonda y del reparto son la prueba definitiva) y muchos espectadores también la ven con estos ojos. Y ojalá fuera buena, de verdad, que no disfruto (demasiado) criticándola. Pero es mala, mala.

¿Y vosotros qué opináis? ¿Es una buena serie, un placer culpable o un despropósito?

En ¡Vaya Tele! | ‘Nashville’ y ‘Revenge’ sí, ‘Happy Endings’ fuera. Las renovaciones y cancelaciones de ABC

Los lunes son ese día maravilloso en el que comentaros nuestras impresiones sobre el último episodio de ‘Juego de Tronos’ emitido por HBO. En esta ocasión me toca hablaros del octavo capítulo de la tercera temporada, en el cual se ha optado por obviar varias tramas para así poder desarrollar con más calma otras. No ha sido el mejor capítulo de la temporada –de hecho, quizá hasta haya sido el menos inspirado-, pero no han faltado aspectos interesantes sobre los que conviene explayarse más allá de lo impactante que haya sido en su totalidad.

‘Juego de Tronos’ (3×08): Los segundos hijos

La boda de Tyrion y Sansa ha sido el gran eje de un episodio algo desequilibrado, ya que la ausencia de Jaime, el gran personaje de esta tercera temporada, se ha dejado notar y ha habido un tímida sensación de desconexión o incluso cierta reiteración entre las diferentes tramas contadas. No obstante, el matrimonio entre Tyrion y Sansa ha permitido reforzar la actitud de otros personajes –Joffrey es un ser odioso, Tywin es temible y Cersei sigue empeñada en impedir que Margaery se salga con la suya- al mismo tiempo que aclaraba cosas entre ellos.

La breve escena de Shae entrado a su habitación tras la noche de bodas es el preludio definitivo de que algo horrible va a pasar en breve, ya que la felicidad es algo prácticamente prohibido en ‘Juego de Tronos’. Con anterioridad hubo grandes hallazgos mostrando el lado más humano de Tyrion pese a estar completamente borracho –una buena excusa para dirigirse libremente a Tywin y Joffrey cuando éstos le increpan por su actitud-, mientras que Sansa, un personaje por el que nunca he sentido aprecio alguno, también ha hecho gala de una actitud más matizada, a caballo entre la sumisión, la sorpresa y el sentirse horrorizada, hecho que no muestra echándose a llorar –lo esperable en ella-, sino sirviéndose una buena copa de vino.

La falsa fragilidad de Daenerys

Por todos es sabido que en ‘Juego de Tronos’ abundan los desnudos, tanto de los miembros regulares de su reparto como de personajes que no van más allá de una mera aparición episódica. Ha habido varias discusiones sobre hasta qué punto es algo gratuito o realmente aporta algo de interés específico a la historia, pero lo que yo tengo muy claro es que la desnudez de Daenerys siempre ha respondido a una necesidad específica de mostrarla como un personaje débil o alguien inquebrantable pese a su aparente fragilidad, llegando al punto de que en ‘Los segundos hijos’ prácticamente ha completado su transición hacia una versión menos abominable de su hermano Viserys.

Imagino que todos recordaréis que en los anteriores desnudos de su personaje se empezó incidiendo en su debilidad/inferioridad primero con su hermano y luego con Drogo, pero eso cambió radicalmente ya al final de la primera temporada al aparecer completamente desnuda tras el efecto de las llamas purificadoras que dejaban atrás su antigua personalidad y la convertían en una mujer fuerte y decidida. Su trama de este episodio, en el fondo redundante con lo que ya habíamos visto en ‘El oso y la doncella’, ha estado encaminada a ese baño en el que quedaba a merced de Daario, quien sencillamente había ido a ofrecer sus servicios a Daenerys, a quien su desnudez no la impide alzarse desafiante.

Otros pequeños avances

Dejando de lado la anecdótica aparición de Arya para que ésta se entere de la futura boda de su tío y que en realidad la están llevando de vuelta con su familia y no con los Lannister, sólo ha habido otros dos frentes que hayan contado con cierta relevancia en ‘Los segundos hijos’. Empecemos con Sam y su relación —de ¿amor, cariño o pagafantismo?— con Gilly, ya que ésta estaba siendo tirando a intrascendente hasta que se ha echado mano de un gran golpe de efecto permitiéndonos volver a ver a un white walker y ofrecernos una pista bastante evidente sobre su fragilidad pese a su temible aspecto. Hasta cierto punto podría dar la sensación de haberse metido con calzador, pero no dudo de su futura importancia.

Más jugoso ha sido todo lo que ha acontecido en el bando liderado oficialmente por Stannis Baratheron, pero oficiosamente por la inquietante Melisandre –algo que el primero parece empezar a asimilar, ya que no duda en recurrir a Davos cuando la situación resulta demasiado incómoda para él-, quien no tiene problemas en recurrir a cualquier tipo de manipulación para salirse con la suya. Estaba claro que su encuentro sexual con Gendry estaba condenado a acabar de forma muy similar a lo vivido por el pobre Theon en ‘El oso y la doncella’, ya que no era más que un ardid para conseguir lanzar una maldición contra sus enemigos, y Melisandre será muchas cosas, pero me da que poco queda para que lleguen los baños de sangre y las muertes impactantes.

Lo peor de ‘Los segundos hijos’ es que este próximo domingo no habrá nuevo episodio en HBO, por lo que las ausencias de algunos personajes serán aún más notables cuando sigamos pensando en el capítulo. Y es que no ha habido nada realmente molesto, pero ha faltado la existencia de al menos una gran escena –el discurso de Meñique, Dracarys desatado, la batalla de Jaime y Brienne con el oso, etc.- que pusiese la guinda al episodio y el momento white walker no está a ese nivel.

En ¡Vaya tele! | Seguimiento de ‘Juego de Tronos’

Este año, al igual que el sexto y el séptimo año, arrancó con las consecuencias de una experiencia traumática. El avión en el que viajaban parte de los cirujanos del Seattle Grace se había estrellado y ahora tocaba vivir el día después sin Lexie Grey, Mark Sloane y con Arizona con una pierna amputada. Había sido un accidente fatal y muy gratuito ya que es ridículo cuando cualquiera de los protagonistas recuerda por todo lo que han pasado. Pero su creadora Shonda Rhimes tenía un plan, sólo que tardaríamos un poco en enterarnos de qué iba y a qué puerto quería llegar.

La tramposa demanda

La intención era poner el hospital en manos de los cirujanos. Lograr, mediante una triquiñuela, que literalmente les perteneciera. Algo que a lo largo de los años nos habían indicado que no era buena idea. Derek Shepherd, ese hombre que renunció al cargo de director del departamento de cirugía porque se agobiaba con tantas formalidades y sólo quería operar. Él, junto a los demás supervivientes, quería ponerse al mando de la empresa.

Como ocurre a menudo en esta serie, la trama se alargó en exceso y llegó a tal extremo que pedió cualquier atisbo de verosimilitud. De acuerdo que Estados Unidos es el país de las querellas y las indemnizaciones desorbitadas, pero ese baile de responsables de la catástrofe es ridículo. Al final resultó que el responsable era el hospital porque uno de sus directivos, el Dr Hunt, había elegido una compañía aérea en detrimento de otras cuyos informes de seguridad eran más sólidos. Entonces, ¿por qué directamente no demandan al Gobierno de los Estados Unidos por permitir volar a una compañía con un índice tan alto de negligencias? ¿Qué estupidez es esta? Lo único que pasaba es que Shonda quería que Meredith fuera la propietaria del canal y no sabía cómo montárselo.

Esta decisión, además, tampoco ha tenido tantas repercusiones. Sí, ahora tienen autoridad por encima de los compañeros de cirugía que no estuvieron en el accidente y todas las decisiones importantes recaen sobre sus hombres. Pero, a efectos prácticos, tampoco ha comportado tantos cambios ni ha renovado las tramas. Sólo sorprende que ha servido para darle más protagonismo al Dr Avery, un personaje que en ningún momento ha funcionado y que probablemente sigue en el reparto porque a Shonda Rhimes le gusta el actor Jesse Williams. Gustar de ponerse cachonda.

Las tramas interminables

Owen y Christina: ahora sí, ahora no.

Si algo ha caracterizado muy a menudo ‘Anatomía de Grey’ es que sus temporadas suelen ser demasiado largas. Veintitantos episodios para una mujer muy cabezota que diseña unas historias a los personajes muy firmes y que alarga hasta que ocupan todo el metraje. Algunas de ellas hubieran funcionado posiblemente si hubiera tenido una temporada más corta, pero no fue el caso.

Me refiero, por ejemplo, a la relación de Owen y Christina. Una separación, un divorcio, una reconciliación y puede que otra ruptura. Un largo recorrido para terminar en el mismo punto que la anterior temporada: él quiere ser padre y ella prefiere estar cerca de una mesa de operaciones. El conflicto tiene una base firme, sí, y la explicación de Christina al final de la temporada era nítida y estaba bien escrita, pero ya lo habíamos visto antes. ¿Qué aportó?

Lo mismo digo de Avery y Kepner. Una temporada entera para contarnos su alejamiento y finalmente la necesidad de estar juntos otra vez. Y lo más absurdo de todo es que los guionistas nos hacen creer que tienen algún tipo de motivación para no lanzarse a los brazos del otro. ¿Pero qué les impide estar juntos? ¿Realmente Kepner es incapaz de estar con él porque tuvieron sexo, algo que no le impide repetir tantas veces como puede? A eso se le llama, básicamente, alargarlo como un chicle.

No había obstáculos pero Shonda Rhimes necesitaba llenar la temporada. Al igual que con Karev y su discípula. El ser más egoísta del planeta tardó más de veinte episodios en declarar su amor a Jo, una de las nuevas internas del hospital que al principio simplemente parecía un refrito de Izzie Stevens. Por suerte, con el tiempo se distanció y logramos entender qué la hacía única.

Los aprendices y una Meredith renovada

La doctora Jo Wilson, no obstante, fue la única excepción en un mar de internos anodinos de cuyos nombres ni puedo acordarme. Cinco personajes muy poco desarrollados que sólo evidenciaron que en ‘Anatomía de Grey’ sobran los actores a pares, pero que sí cumplieron bien una función: sirvieron para que pudiéramos comprobar cuanto han evolucionado los de la primera generación. Al verles actuando como sus superiores, hemos podido entender que ya son cirujanos hechos y derechos. Pero pedir que tengan una personalidad propia, definida e interesante no es demasiado pedir. Es el deber de todo guionista de una obra tan dramática como esta.

Quien sí ha tenido un retrato interesante ha sido Meredith Grey. La protagonista, que empezaron a perder en la tercera temporada cuando le atribuyeron una personalidad torturada que no venía a cuento, lleva unos años con tramas verosímiles y momentos potentes. Me ganó cuando tuvo un aborto al final de la sexta temporada mientras operaba bajo la supervisión del asesino del hospital, me entusiasmó cuando alteró el estudio de alzheimer para beneficiar a la mujer del Chief y el muy querido embarazo de este año le ha dado todavía más potencia al personaje. Volvemos a tener protagonista y de las buenas.

El penúltimo episodio, el mejor

Donde también hubo una pequeña brecha de esperanza de que ‘Anatomía de Grey’ podía ser mejor serie, podía volver a ser la serie de antaño, fue en el penúltimo episodio. Expuso unos casos médicos que se presentaron y relacionaron correctamente con las situaciones personales de los personajes, algo que hacía tiempo que no se hacía debidamente, y tuvo situaciones muy dramáticas y también muy simpáticas como la pedida de mano de April.

Puede que fuera una excepción, que conste, pues la season finale no tuvo el mismo tacto y toda la situación de las baterías resultó bastante absurda, porque tres horas después del apagón ya no quedaba energía para ninguna máquina. Pero no decepcionó: dejó un posible muerto (la tasa de mortalidad en el centro es más elevada que en un frente bélico), resolvió las pocas dudas amorosas (April y Kepner, Hunt y Yang, Karev y Wilson) y presentó un par de situaciones atractivas de cara el año que viene (Meredith y su nueva maternidad, las relaciones recién establecidas y los cuernos de Callie). Aunque ojalá la infidelidad de Arizona hubiera tenido un desarrollo más creíble. Esa mantis religiosa apareció de la nada, tuvo una presentación muy básica y el sexo esporádico ocurrió en el sitio menos discreto de todo Seattle.

Vamos, que fue una temporada defectuosa como las anteriores, todavía más prescindible, pero no voy a fingir que la dejaré en algún momento. Si llevo nueve temporadas vistas, la décima también caerá. Ahora sólo falta esperar que el penúltimo episodio no fuera una ilusión.

En ¡Vaya Tele! | Los actores mejor pagados de la televisión americana

‘The Big Bang Theory’ está a años luz de ser una de las series que se mencionan cuando toca hablar de las mejores sitcoms en emisión. Cierto es que supera con holgura a ‘Modern Family’ en cuando a audiencia se refiere –y además ha marcado sus mejores datos en su recién concluida sexta temporada-, pero su reconocimiento artístico jamás ha ido más allá de valorar el gran trabajo de Jim Parsons dando vida al inefable Sheldon Cooper. El hecho de haber sido creada por Chuck Lorre, artífice también de la tan deficiente como exitosa ‘Dos hombres y medio’, siempre ha jugado en su contra en este apartado.

Muchos seriéfilos ya echaban pestes sobre ‘The Big Bang Theory’ cuando aún era esa reluciente nueva comedia que no tenía como protagonistas a la típica gente guapa, sino a personajes con claras limitaciones sociales, entre los que destacaban las excentricidades de Sheldon. La serie no tuvo reparos en abusar de la popularidad de dicho personaje hasta acabar quemándolo antes de tiempo, por lo que las críticas hacia la serie se recrudecieron. Lorre apostó entonces por hacer lo inconcebible en sus inicios y convirtió a ‘The Big Bang Theory’ en una comedia de parejas, minimizando de paso las peculiaridades del cuarteto protagonista. El resultado de esto ha sido que ‘The Big Bang Theory’ ha alcanzado en esta sexta temporada una especie rutina en la que se siente bastante cómoda, pero sus opciones de arrancar carcajadas al espectador han quedado definitivamente desterradas.

El año de Raj

Hacía ya tiempo que quedaron formadas las parejas formadas por Penny y Leonard, Amy y Sheldon y Bernadette y Wolowitz, quedando Raj como un convidado de piedra que no iba mucho más allá de ser el mejor amigo de Wolovitz y alguien extremadamente tímido a la hora de tratar con las mujeres. Sin embargo, esta temporada sí que han intentado darle algo más de peso en la serie, algo especialmente evidente en los últimos episodios de la sexta temporada, pero que ya hizo acto de aparición en los inicios de ésta.

Ya antes del estreno de esta temporada se anunció que el personaje de Stuart iba a convertirse en regular, algo que se notó durante varios episodios, pero parece que se quedaron sin planes para el pobre Kevin Sussman en cuanto su línea argumental como pareja de Raj sin serlo realmente y sin que este último se coscase de ello se agotó. Eso sí, no se abusó de ella y funcionó con moderada corrección, un aspecto en el que la serie ha sabido manejarse bien tras los excesos parejiles del año pasado a los que aludía mi compañero Alberto en sus valoraciones sobre la quinta temporada.

Este año no sólo no ha habido grandes excesos en las relaciones de pareja –varios episodios han girado alrededor de que los chicos hacían una cosa y ellas otra totalmente diferente-, sino que han dejado que sea Raj quien lleve el peso amoroso de la serie en su tramo final. Los intentos cómicos de la misma no han terminado de cuajar, pero sí que han logrado la empatía del espectador. Hace ya tiempo que su nulidad sentimental ha convertido a Raj en una especie de amigo que el espectador está deseando que sea feliz de una vez porque sencillamente se lo ha ganado. El fichaje de Kate Micucci ha sido otro gran acierto, ya que han explotado su peculiar expresión facial para crear a alguien aún más insegura que el propio Raj, allanando así la transición de éste para poder hablar delante de una mujer sin la necesidad de ingerir ingentes cantidades de alcohol.

Los vaivenes sentimentales de Penny, Leonard, Sheldon y Amy

Ya he señalado que esta temporada se ha relajado un poco la tiranía de las parejas, siendo de agradecer que Wolowitz y Bernadette hayan perdido ese excesivo protagonismo que ganaron en el tramo final de la quinta temporada. Una vez superada la necesidad de irse a vivir juntos, han quedado relegados con acierto a un segundo plano que, contra pronóstico, también ha pesado más de lo previsto en el caso de Penny y Leonard. Me temía lo peor cuando ella dudaba sobre sus sentimientos hacia él al principio de temporada, cosa que fue aclarándose en los sucesivos episodios hasta que ella manifestaba por primera vez en público sus sentimientos en ‘The 43 Peculiarity’.

Esta escalada emocional se desarrolló de forma inesperadamente eficaz y desde entonces ha habido cierta calma al respecto, cosa que espero que se mantenga tras la separación temporal de final de temporada —¿a qué se debe esa manía de Chuck Lorre de cerrar las temporadas de la serie mandando lo más lejos posible a uno o varios de los protagonistas?—. Sí que ha habido, aunque haya sido desplegándolo a lo largo de toda la temporada y no comprimido en varios episodios consecutivos, más relevancia en los progresos de la relación entre Sheldon y Amy, una pareja que siempre me pareció relativamente razonable, pero que nunca conseguía disociar de unas declaraciones de hace mucho tiempo de los responsables de la serie diciendo que sólo buscarían novia a Sheldon cuando se hubiesen quedado sin ideas.

Es aquí donde ha habido grandes aciertos cómicos –Amy haciéndose la enferma para disfrutar de las atenciones de un siempre esquivo Sheldon es una de las mejores tramas de la temporada-, pero también situaciones que muestra una evolución en Sheldon –admitir que tener una relación física con Amy es una posibilidad o el vídeo que podéis ver justo encima de este párrafo- difícil de asimilar si recordamos cómo era hace no tanto su personaje, aunque, justo es reconocerlo, aún más ha cambiado Barney Stinson en ‘Cómo conocí a vuestra madre’ y no parece haber tantos problemas con ello. Son cambios que se están manejando con calma, pero aún así siguen resultando extraños.

Otros detalles

La serie ha terminado esta temporada su transición de sitcom presuntamente hilarante a digno entretenimiento que te saca sonrisas con relativa frecuencia y risas de forma esporádica. Posiblemente ‘The Bakersfield Expedition’ haya sido el episodio más llamativo de esta temporada —con razón se convirtió en el más visto de la serie con 20 millones de espectadores—, ya que permitía a los chicos sacar a relucir su frikismo por ‘Star Trek’ y a ellas protagonizar una divertida trama en la que acababan discutiendo sobre superhéroes, aunque también ha habido otros aciertos ocasionales —Wolowitz ejerciendo como máster en una partida de ‘Dragones y mazmorras’— que han elevado esta sexta temporada claramente por encima de la quinta, seguramente la peor de lo que llevamos de serie.

Puede que sea que ya no tengo expectativa alguna cuando veo ‘The Big Bang Theory’ o el simple hecho de que haya quedado relegada a la condición de serie que únicamente veo mientras como con mi novia, pero esta temporada me ha ofrecido un entretenimiento sencillo y nada memorable idóneo para disfrutar durante 20 minutos y poco después olvidarme prácticamente de todo –hay multitud de tramas de las que ya no recuerdo nada- lo que había sucedido en el episodio. Lo ideal sería alimentarse siempre de comida de alta calidad, pero ‘The Big Bang Theory’ se ha convertido en el equivalente a esas gominolas que siempre apetecen de vez en cuando. Sabemos de sobra lo que van a darnos y que esto nunca va a ser genial, pero según el momento lo disfrutaremos más o menos.

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Esta séptima temporada de ‘Doctor Who’ ha sido un poco especial. Con la excusa de que el próximo otoño se cumplen 50 años del estreno de la serie en BBC (y teniendo en cuenta los recortes presupuestarios en la cadena y la agenda repleta de Steven Moffat, su productor ejecutivo), se decidió dividirla en dos partes; la primera, compuesta por cinco capítulos y que se vio la pasada primavera, se centró en la despedida de Amy Pond y Rory como acompañantes del Doctor, y la segunda, que terminó ayer, han sido ocho episodios (más el especial de Navidad) en los que hemos conocido a Clara, la nueva acompañante, y la serie ha ido preparando el terreno para el especial del 50º aniversario, que se verá el 23 de noviembre.

Sin embargo, esa división en dos ha estado enlazada por el misterio alrededor de Clara, a la que vemos en el primer episodio como la “chica del suflé”, la joven que ayuda al Doctor en el asilo de los daleks sólo para acabar descubriendo que ella ya está muerta, y que lo poco que queda de su mente y su personalidad están encerradas en un dalek. Después, volvemos a encontrarla en la Inglaterra victoriana, en la que de nuevo salva al Doctor y de nuevo muere, en este caso a manos de esa Gran Inteligencia que regresa para el último capítulos. Y, finalmente, conocemos a la versión del siglo XXI de Clara, la que ya comienza a viajar en la TARDIS. Pero para el Doctor es la “chica imposible”, la chica con la que no deja de encontrarse en diferentes épocas, y que no deja de morir por él. ¿Quién es esa chica?

El sacrificio de Clara

Que ese enigma tuviera tanta importancia para el Doctor ha hecho que Clara no haya terminado de desarrollarse del todo como personaje (como persona, si queréis), más allá de ser ese misterio que a él le intriga y le fascina. Tal vez, con algún capítulo más en lugar de sólo ocho, hubiera dado tiempo a esa mayor profundización en ella, pero lo que sí es cierto es que Clara (y su intérprete, Jenna-Louise Coleman) ha aportado una nueva energía, un soplo de aire fresco que ‘Doctor Who’ necesitaba después de obsesionarse demasiado con los Pond y adoptar un arco demasiado intrincado (y no del todo bien resuelto) en la sexta temporada. La estrategia de los capítulos de “poster de película”, como ellos mismos los han llamado, ha servido un poco como esos sorbetes de limón que te sirven en los banquetes de boda para “limpiar paladar” entre los platos de carne y los de pescado.

En ese aspecto, el sacrificio y explicación final de lo que es Clara ha perdido un poco de fuerza justo por eso, porque no hemos pasado el suficiente tiempo con ella, conociéndola mejor, para que nos impactara, pero ha sido una resolución, de todos modos, satisfactoria, con esa entrada en la línea temporal vital del Doctor para salvarlo (a él y a todo el Universo) de la Gran Inteligencia, que la lleva a verse dividida en multitud de fragmentos, todos intentando llamar la atención del Doctor en todas sus encarnaciones para mantenerlo alejado del peligro, hasta que Once la escucha. Eso ha permitido que viéramos otro homenaje más a la historia de la serie, con apariciones de varios de los Doctores anteriores, algo que ha marcado también estos episodios. Se recuperaron villanos de la serie clásica como el Guerrero de Hielo de Marte, y este tramo ha tenido, en general, un tono más cercano al de la primera temporada supervisada por Russell T. Davies; los episodios eran más autoconclusivos, con un ligero misterio al fondo que se resolvía en el último.

Más autoconlusiva

Con la trama del enigma sobre la identidad de la Clara latiendo en segundo plano, y la sombra de la Gran Inteligencia sobrevolando como villano principal, la serie se ha decantado, como hemos dicho, por aventuras más autoconclusivas y con guiños hacia su historia pasada. Algunas de ellas han estado bastante logradas, como ‘Hide’, esa historia de fantasmas en los 70 con dos cazadores de espíritus que establecían un curioso paralelismo con el Doctor y Clara, o ‘The Crimson Horror’, una mezcla entre Sherlock Holmes y una historia de terror decimonónica en la que tuvimos ocasión de volver a disfrutar de Vastra, Jenny y Strax, el peculiar trío detectivesco que, con apenas cuatro apariciones en la serie, se ha ganado el favor de los fans y hasta las peticiones de spin off propio para ellos. Ellos hasta ponen parte del toque emocional en el final de temporada. Y esto sin mencionar ese capítulo que nos llevó por las entrañas de la TARDIS, que igual no terminó de cuajar del todo bien, pero que dejó algunos buenos momentos, y tenía unos “monstruos” realmente inquietantes.

El Doctor oscuro

El final de temporada no sólo nos desveló la identidad de Clara, sino que también tenía que cumplir la profecía que le hacen al Doctor al final de la sexta temporada, con esa referencia a que su nombre será revelado en su caída en los campos de Trenzalore. Por supuesto, no se nos revela su nombre, pero el viaje a ese cementerio donde el Doctor está enterrado tiene su aquél. Vemos de nuevo a River y, esta vez, es la versión de ella que queda tras su muerte en la Biblioteca en la cuarta temporada, una versión que aún no habíamos visto. Puede haber seguidores a los que toda esa emotividad entre ella y el Doctor les chirríe, pero no deja de ser una despedida concluyente, en el caso de que no volvamos a verla más. Es un cierre de temporada a una escala menor que en otras ocasiones y hay también menos vueltas de tuerca absurdas, y lo que sí logra es sentar las bases para ese capítulo especial del 50º aniversario.

En una serie en la que, durante los últimos ocho años, no han dejado de decirnos que el Doctor puede ser peligroso, que ha hecho muchas cosas terribles y que le persigue el fantasma de aquellas Guerras del Tiempo que acabaron con los Señores del Tiempo, es inevitable que, en algún momento, su lado oscuro se convierta en el villano de la función. ¿Será ese el papel de John Hurt, al que al final del capítulo presentan como el Doctor? Su pasado ya ha vuelto un par de veces para intentar acabar con él (en la forma del Maestro en la tercera temporada y como los últimos Señores del Tiempo en los especiales entre la cuarta y la quinta), por lo que puede ser que esa especie de “gemelo malvado”, ese aspecto suyo del que sus acompañantes siempre deben huir, vaya a regresar con fuerza en el especial.

En mi opinión, después de agotar como personajes a los Pond y de estar demasiado fascinada por ellos, ‘Doctor Who’ ha introducido un elemento de cambio y una nueva energía que necesitaba con Clara. Ella y el Doctor llevan una dinámica divertida, no exenta de cierto flirteo y muy entretenida de ver, y lo único que necesitamos ahora es que desarrollen más a Clara, fuera del misterio de por qué era la chica imposible. El especial del 50 aniversario, desde luego, apunta a que va a tener una gran escala, con el regreso también de Diez y Rose Tyler (¿o será la versión de Diez del universo paralelo?), y habrá qué ver qué rumbo decide tomar Moffat en la octava temporada, ya confirmada.

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Un año más, las miradas televisivas se dirigieron hacia el festival de Eurovisión, que ha cumplido fielmente su cita anual para que, como cada año, dejara en el ambiente de los espectadores españoles un agrío sabor de boca al conocer cuál ha sido el resultado de nuestro país en la clasificación final. De nuevo, tenemos que lamentar un mal puesto, una tendencia que parecía que habíamos superado el año pasado con la actuación de Pastora Soler. En este caso, El Sueño de Morfeo ha ocupado el penúltimo puesto de la tabla con 8 puntos, en una competición en la que se ha impuesto Dinamarca como ganadora.

El país nórdico cumplió con las previsiones que se hicieron de antemano, que le situaban como claro favorito desde hace semanas y que nos deja de nuevo con la idea de que en esto de Eurovisión ya está todo vendido de antemano. Al igual que ocurriera en ediciones anteriores, el espectador se enfrenta al festival con la idea de quién va a ser la ganadora, dejando cualquier emoción a un lado y anulando cualquier capacidad de sorpresa, sobre todo si tenemos en cuenta que todas las actuaciones están disponibles para quien lo desee a golpe de click días antes del espectáculo.

De nuevo, no levantó pasiones la actuación del grupo español, que no ha sabido sacarle partido a una canción que ya partía con desventaja. El apoyo que La 1 le ha dado a la representación española este año es una muestra de la mala posición ya prevista y de las pocas pasiones que El Sueño de Morfeo ha sabido despertar. La cadena le dedicaba un especial eurovisivo una hora antes de empezar el festival, en el que cortaron una conexión en directo con los representantes españoles y dieron paso a un vídeo recordatorio de la historia de España en Eurovisión que no incluía a Pastora Soler, por lo que olía a montaje del año pasado. Con estas pésimas esperanzas, nos adentramos en un festival que no pasará a la historia por el nivel que se ha mostrado, en el que muy pocas actuaciones consiguieron destacar por los méritos que se le presuponen.

La actuación española forma parte de ese grupo de actuaciones que no consiguió animar el espectáculo. En este caso, sobre todo fue debido a una Raquel del Rosario que se presentó bastante nerviosa en el escenario, algo que se notó a la hora de defender su actuación. Quizá la elección interna de La 1 por El Sueño de Morfeo no ha sido la más acertada, que se arriesgó al querer elegir a un grupo consagrado para intentar repetir el acierto de Pastora Soler el año pasado. Muy lejos quedó la actuación española de un año a otro, dejándonos con esa sensación de que España no se implica lo suficiente para conseguir una victoria en el festival europeo de la canción.

Ni siquiera los anfitriones se las ingeniaron para ofrecer una apertura digna de lo que se ha hecho años atrás, recurriendo a una presentación de países que recordó bastante al paseillo que dan los competidores en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos, con abanderados incluidos. Poco acertada la puesta en escena de Suecia con una presentadora con falta de gracia para llevar a cabo la tarea de conductora. Aún así, Suecia siguió con la ya costumbre eurovisiva de ofrecer un espectacular escenario en el que se dieron cita los 26 participantes que llegaron a la final, después de las dos semifinales que se desarrollaron a lo largo de la semana (aunque Televisión Española, en su línea, solo se digno a emitir una).

Entre las canciones finalistas, un poco de todo, aunque muy pocas dirigidas a ser recordadas en el futuro. De nuevo la mayoría de las apuestas se han centrado en llamar la atención con la puesta en escena, dejando el voto de la audiencia en favor de la memoria visual que de la auditiva. Quizá por eso, Eurovisión ha sido de nuevo lo más comentado en las redes sociales, gracias a multitud de comentarios que demostraron que el festival aún tiene una audiencia potencial, aunque sea de espectadores dispuestos a mofarse de él. Se cierra de nuevo Eurovisión, un festival que se citará el año que viene en Dinamarca y en el que, una vez más, España tendrá que renovarse si quiere apostar por una representación que no nos deje en ridículo.

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El mayor riesgo era adaptar la filosofía del género a la televisión, y por filosofía me refiero al rodaje de la acción, las escenas de explosiones y unos gadgets atractivos. La televisión tiene un presupuesto mucho más ajustado y debe aprovechar mucho mejor los recursos con los que cuenta, a la vez que no tiene tanto tiempo para la pre-producción y planificación de los episodios (este será un reto todavía más complejo para ‘S.H.I.E.L.D.’ que vendrá el año que viene de la mano de ABC y tendrá que medirse directamente con la brigada cinematográfica de Marvel). Bueno, y debe no tomarnos el pelo con el piloto. Demasiadas veces hemos visto un episodio de presentación con mucho dinero en cada plano para después descubrir que los capítulos restantes tienen son baratijas.

En este aspecto, ‘Arrow’ ha salido indemne del reto. Las misiones del joven Oliver Queen, que regresó a su hogar después de vivir cinco años en una isla remota donde se entrenó para hacer de su ciudad un lugar mejor, han lucido. Suplían con estilo y creatividad la falta de dinero. La fotografía era definida, reconocible y no excesiva tanto cuando combatía el crimen en Starling City como cuando sobrevivía en esa isla cerca de China. Las escenas de acción, muy solventes. Y Stephen Amell se entregó físicamente al personaje. No es buen actor, de hecho es bastante malo, pero se puso cachas y ha dado mucho el pego como héroe. Que pudiera tener buenos planos mientras luchaba, siempre es una ventaja (y no como ocurría en ‘Buffy’ con los dobles de cuerpo empleados de una forma algo cutre).

Un universo muy completo

Lo sorprendente de ‘Arrow’, sin embargo, creo que ha sido la voluntad de sus creadores de escribir un universo bastante poblado y completo. No solamente veíamos a Oliver Queen ejerciendo de justiciero, también teníamos un gran reparto que permitía que la serie pudiera desarrollarse de forma más compleja. Las tramas de fondo no eran especialmente originales, pero podría no haberlas tenido. Y, mientras él combatía el crimen, las piezas se movían de fondo.

Hemos tenido una esfera personal formada por personajes regulares que encima extendían sus tentáculos en otras tramas formada por su hermana Thea, la madre, Walter, Laurel y Tommy. Estaban también sus compañeros de batalla, John Diggle y la simpática Felicity. Sus enemigos, el ex suegro y Malcolm Merlyn. Bueno, y los co-habitantes de la isla. Podría haber tenido cuatro secundarios y Greg Berlanti, Marc Guggenheim y Andrew Kreisberg prefirieron tejer una amalgama más interesante.

Esta es sólo una parte del reparto de ‘Arrow’.

Por esto, probablemente, he admirado mucho ‘Arrow’ durante toda la temporada, pero no quita que no haya sido la serie excelente que aspiraba a ser. Porque quería serlo. Ha sido una ficción bastante adulta en su tratamiento. Sólo que todas estas piezas no siempre han encajado con la naturalidad idónea. ¿Cosa de las limitaciones de los actores o que los diálogos no acaban de cuajar? La verdad es que no lo tengo muy claro porque hay series con malos actores que conectan (por ejemplo ‘Buffy’) pero en ningún momento se me disipó esta sensación. Bien pensado y planeado, pero a las relaciones personales les ha faltado algo de química en todo momento.

Felicity, por ejemplo, fue un fichaje muy simpático pero el compañerismo con el resto de equipo no brilló. Y lo mismo se puede decir de Laurel y su triángulo de amoroso. Se entendía perfectamente al personaje y las razones por las que tenía que estar con Oliver (una evolución interesante, por cierto) pero pocas veces saltaban las chispas. Por suerte, en el momento oportuno hicieron acto de presencia. La conversación de la season finale, cuando él le explica porqué ella es la mujer de su vida, es especialmente bonito y conseguido.

El lastre de los flashbacks

Las trocitos de pasado de Oliver tampoco tuvieron el papel que cabía esperar. Desde el piloto, dieron la impresión de que esconderían algo. Iban a ser el relato de transformación de Oliver, de niño rico inútil a superhéroe. Íbamos a ver el momento exacto en el que decidía que quería hacer algo positivo con su vida. Pero los guionistas creyeron oportuno darle una trama supuestamente potente con sus propios cliffhangers y la operación está resultando bastante fallida.

Es interesante ver los pasos del protagonista antes de vestir de verde, pero los giros de guión de acciones pasadas que no aportan en exceso al presente son bastante innecesarios. De hecho, esas escenas siempre eran el momento oportuno para echarle un vistazo a Twitter o sacar los platos del lavavajillas. Hubiera preferido ver un entrenamiento meticuloso del estilo de ‘Karate Kid’.

Y el otro inconveniente que le he visto a ‘Arrow’ es su pereza a la hora de escribir y elaborar los casos. Entiendo, respeto y quiero que los haya en todos y cada uno de los episodios, pero se agradecería algo más de variedad en el enfoque que se les da. Sería más estimulante profundizar en los dilemas morales de Oliver cuando aborda a los criminales, no siempre amenazantes, o ver casos algo más originales. Ver como no tiene nada que ver luchar contra un banquero corrupto que un capo de las drogas, un psicópata o su propia madre. Por lo menos a la hora de planear la estrategia de ataque.

Oliver Queen con su turbia madre.

Una ‘season finale’ redonda

Estos defectos, sin embargo, no quisiera que den una idea equivocada de la opinión que tengo de ‘Arrow’. En una temporada desierta de proyectos intrigantes, ha sido una serie tan ambiciosa como correcta. Y su confluencia de factores, si bien no siempre han estado del todo bien engrasados, ha dado para episodios muy entretenidos y unas tramas que pueden dar lugar a evoluciones interesantes.

Sólo hay que ver la season finale, donde confluían todos los puntos de la temporada con coherencia. A diferencia de otras series, no era grandilocuente simplemente porque le tocaba serlo sino porque el argumento y los personajes la llevaron allí. El pasado común de la familia Merlyn y la de Oliver provoca un enfrentamiento final a la altura; Moira toma la decisión correcta y convoca una rueda de prensa donde reconocer su implicación en un acto terrorista para salvar a los habitantes de los Glades, el barrio conflictivo de la ciudad; los conocidos del protagonista (Thea, Felicity, el padre de Laurel) se encuentran en sitios donde su vida peligra por las razones correctas; finalmente Oliver le explica a Laurel porqué es la mujer de su vida; y la muerte de Tommy cierra el ciclo del personaje que, al igual que Oliver, necesitaba cierta redención. También había sido un niño rico que no había hecho otra cosa en su vida que divertirse sin pensar en las consecuencias y negándose a madurar.

De hecho, tanto las declaraciones de Moira como las del protagonista son el punto álgido de la serie y posiblemente de los momentos más destacados de esta temporada televisiva. Y, sobre todo, permiten confiar en la próxima entrega. La estructura y las ideas están allí, ahora tienen unos meses para reflexionar y ver cómo llevan las relaciones a otro nivel. Los personajes necesitan que les mimen. Así ‘Arrow’ podría pasar de ser correcta a fantástica.

Nos habían repetido por activa y por pasiva que el uso de toda magia tenía un precio, pero lo que no imaginamos al final de la temporada pasada es que la ruptura del hechizo traería consecuencias tan negativas en Storybrooke. Así, pese a que la segunda temporada de ‘Once upon a time’ prometía, su desarrollo ha decepcionado a lo largo del año, gracias a una serie de tramas que han divagado y que no han conseguido aportar la chispa necesaria para continuar ilusionándonos, siendo la pereza el sentimiento que mejor ha acompañado a la ficción desde que volviera a la parrilla de la ABC el pasado septiembre.

Ni la historia de los protagonistas en Storybrooke, ya con sus recuerdos, ni la mayoría de los flashbacks presentados este año han estado a la altura de lo que vimos el curso pasado, cuando la serie se despidió dejando una buenísima sensación entre sus seguidores. En esta ocasión, el sentimiento es opuesto, pese a que ‘Once upon a time‘ ha conseguido variar de rumbo en sus dos últimos capítulos y darnos algo de aliento para prometernos que el año que viene las cosas serán diferentes. Aún así, una buena season finale no ha conseguido que olvidáramos toda una temporada llena de momentos tediosos, que nos han hecho pagar con creces la llegada de la dichosa magia.

La segunda temporada empezó con altibajos, dándonos una de cal y otra de arena en torno a una historia que no terminaba de despegar en el mundo real como a muchos nos hubiese gustado. El consuelo siempre se encontraba en los flashbacks, aquellos trozos de historia, algunos de los cuales rozaron la perfección el año pasado. Pero en esta ocasión no han logrado transmitirnos ese toque de emoción y originalidad. Algo ha cambiado con la entrada en el juego de Nunca Jamás, con esa sombra de Peter Pan convertida en algo muy diferente a lo que ha sido el cuento que todos conocemos y que ha recordado al giro que se dio con la historia de Caperucita Roja, algo que nos ha dado motivos para seguir creyendo en la serie.

De esta temporada también nos ha llamado la atención el salto que se dio dejando a un lado los cuentos infantiles para atreverse con clásicos de la literatura, introduciendo al Doctor Frankestein como personaje regular de Storybrooke. Me pareció interesante el abanico de posibilidades que se abría con esta decisión, aunque con el paso de los episodios no hemos llegado a ver a más personajes extraídos de la literatura y que estuvieran alejados del mundo de los cuentos.

Cruzando portales mágicos

La segunda temporada de ‘Once upon a time’ comenzó con los personajes divididos en los dos mundos, buscando la fórmula para reencontrarse después de que todos recuperaran la memoria. Gracias a este punto de partida pudimos conocer más de lo que quedaba del mundo de fantasía del que venían los protagonistas, en el que encontramos a dos malvados (Cora y Garfio) y dos nuevas heroínas (Mulán y Aurora). El papel de las nuevas princesas no fue el más satisfactorio, dando lugar a momentos que eran incapaces de aportar nada provechoso a las tramas. Quizá esa fue la principal razón por la que, cuando llegó la hora del reencuentro, Mulán y Aurora se quedaron al otro lado, sin que volviéramos a saber más de ellas y agradeciendo que esto ocurriera.

Solo en el último capítulo hemos visto una ráfaga de estos dos personajes, que se han encontrado con un herido Baelfire al que suponemos que tendrán que ayudar a partir de ahora. Solo espero que si continúan en la tercera temporada, tengan algo mejor que aportar que lo visto hasta ahora, que no ha sido demasiado beneficioso para ‘Once upon a time’. Y, tras una temporada muy lejos de lo esperado, terminamos con un episodio en el que de nuevo vemos a los protagonistas cruzando portales, esta vez siguiendo a un Henry raptado por los nuevos villanos de la serie, dos humanos sin magia que han adoptado el papel que ninguno de los enemigos de ‘Once upon a time’ ha conseguido tener hasta la fecha.

Sin un malvado claro

Ya veíamos a Regina descolocada en su papel de reina malvada pero unida a los buenos de la historia como consecuencia del vínculo que tenía con su hijo adoptado, debatiéndose entre el bien y el mal sin que al final consiguiera ser esa villana que me hubiera encantado ver. Henry, además del niño repelente que toda ficción decide mostrar alguna vez en su historia, es ese catalizador de la maldad de Regina, consiguiendo algo bueno para ella pero perjudicial para el espectador, ya que no podemos observar un némesis de altura que enfrente a los protagonistas contra un enemigo real.

Por eso vimos con tan buenos ojos la llegada de Cora y Garfio, la primera para adoptar ese papel de reina malvada que necesita todo cuento de hadas y el segundo para enfatizar más en los enfrentamientos que se darían entre los habitantes de Storybrooke. Pero, al final, hasta este punto se ha quedado frío, ya que Cora encontraba un nuevo catalizador en Regina que conseguía mostrar el doble de oportunidades perdidas. Supongo que es difícil jugar con los personajes cuando pueden usar magia para acabar con todo, por eso el papel de las reinas ha quedado reducido en un debate interno sobre el bien y el mal que no contentaba a nadie.

La muerte de Cora por culpa de Blancanieves parecía que nos daría el punto de inflexión necesario para convertir a Regina en la maldad personificada, pero Henry volvía a hacer su aparición interrumpiendo este hecho, y corroborando que se trata de un personaje al que habría que pensar seriamente mandar a Nunca Jamás y dejarlo allí de por vida. Al final, los personajes han tenido que apartar sus diferencias y unirse en ese selecto y extraño grupo que embarcó con destino a la isla de Peter Pan, donde Tamara y Greg llevaban a Henry, por deseo expreso del líder de los niños perdidos.

Parece que estos se convertirán en los verdaderos villanos, las caras visibles de lo que podría ser una organización dispuesta a acabar con la magia en el mundo real. Es un punto interesante a tratar en la tercera temporada, capaz de ofrecer las posibilidades y el potencial que no hemos podido ver en Storybrooke todavía. Aún así, queda por ver si esta historia tiene la capacidad para darle peso a una serie como ‘Once upon a time’, que empezó con solidez pero que ha ido mostrando altibajos durante toda la segunda temporada.

A tortas con el mundo real

La amenaza ha sido lo único salvable de ese mundo real en el que han estado destinados a vivir los personajes de cuento, porque todo lo que ha rodeado esta parte de la trama no ha servido para que la ficción nos ofreciera algo verdaderamente interesante. De hecho, ha sido algo raro ver a los personajes con su vieja personalidad adoptada siguiendo los roles que habían adoptado en este nuevo mundo y todo lo que eso conllevaba (el príncipe encantado usando un arma o Rumpelstiltskin con su apariencia normal y no como ese diablillo en el que se había convertido en el mundo de fantasía).

Una mezcla un tanto extraña que ha dado lo peor de ‘Once upon a time’, a lo que hay que añadir la extraña familia formada por los protagonistas principales, que ha terminado de formarse cuando conocimos que Baelfire era el padre de Henry. El mundo real siempre ha sido la parte que menos me ha gustado de ‘Once upon a time’, que creía que se solucionaría con la llegada de la magia pero que no ha conseguido despegar, ni siquiera cuando sus personajes han salido de Storybrooke para dirigirse a Nueva York.

Tú a Nunca Jamás y yo al País de las Maravillas

La segunda temporada de ‘Once upon a time’ se despide con la noticia de que la serie tendrá un spin-off el año que viene centrado en el País de las Maravillas. Parece ser que las dos ficciones coexistirán en la parrilla de la ABC, dando lugar a una exposición de los personajes de cuentos que no sabemos si acabará pasando factura. Lo que sí conocemos es que los responsables de la serie han decidido dar el paso con otra ficción del mismo corte justo cuando la original ha demostrado grandes debilidades este año. Una consecuencia de lo que nos han mostrado se encuentra en el desgaste de audiencia que ha sufrido la ficción a lo largo del curso, que ha pasado de superar los 11 millones de espectadores en el primer episodio de la temporada a situarse por encima de los siete en su season finale. Mucho debe cambiar ‘Once upon a time’ en su tercera temporada para que recuperemos la confianza en ella y, sobre todo, para que veamos una serie llena de magia sin que tengamos que pagar el precio de su uso.

En ¡Vaya tele! | ‘Once upon a time’ tendrá un spin-off ambientado en el País de las Maravillas

Es curioso ver cómo el hecho de que nunca haya habido grandes cambios en las audiencias medias de cada temporada de ‘Cómo conocí a vuestra madre’ –la más vista no llegaba a los diez millones de espectadores y la que menos superaba con holgura los ocho-, lo que sí ha cambiado poderosamente es el interés de CBS hacia ella –en los ratings sí que ha habido mayores oscilaciones- y la calidad artística de la propia serie. Hace tiempo era de los que me resistía a admitir que había llegado la decadencia para ‘Cómo conocí a vuestra madre‘, pero ha llegado un punto en el que ya es insostenible seguir hablando de ella como si nada hubiera pasado.

Los creadores de la serie Carter Bays y Craig Thomas siempre se han caracterizado por jugar al despiste con el espectador, algo que les sirvió para sacar pepitas de oro del humor tiempo atrás, pero que últimamente sólo ha servido para ir desesperando a aquellos seguidores de la serie empecinados a conocer a la madre del título lo antes posible. Yo siempre he defendido que únicamente debería haberse mostrado a la madre en el episodio final –o puede que ni eso-, por lo que la gran revelación de la season finale sólo sirvió para remarcar la indiferencia que sentí ante el propio episodio y la temporada en líneas generales.

Un arranque pésimo

Lo que sí he de reconocer es que ‘Cómo conocí a vuestra madre’ ha sabido reponerse parcialmente de un comienzo de temporada desesperante, donde algunas argucias humorísticas rozaban la vergüenza ajena –especialmente penosa fue la trama que nos mostraba a Barney haciéndose amigo íntimo de un perro- y el recurso de reunir a varias parejas para cargárselas pocos episodios después acabó revelándose como un grave desacierto.

Algún pequeño apunte simpático –Chris Elliott ejerciendo de niñera de Lily, el odio ancestral de Robin hacia su compañera de trabajo Patrice- no compensaba una sucesión de episodios en la que lo único que pasaba por mi cabeza era que ya no podía dejar de ver la serie a estas alturas. Sin embargo, supieron reconducir la historia para que los últimos episodios antes del típico parón navideño girasen alrededor de los intentos de Barney por recuperar a Robin sin que fuésemos realmente conscientes. Una jugarreta que alcanzó su clímax cuando la propia Robin se enteraba de lo sucedido. Una buena sorpresa que incitaba a mantener las esperanzas en lo que estaba por llegar.

Travesía por el desierto

No voy a decir que los episodios tras acabar su hiato navideño fuesen malos, pero sí que tendían a ser bastante olvidables, dominando la sensación de ser puro relleno para poder completar una temporada de 24 episodios. La propia serie restaba importancia a la breve relación entre Ted y una chica con graves problemas mentales y otras tramas como la presunta marcha de Marshall y Lily a Roma dejaban la sensación de ser un mero artificio para conseguir una season finale más dramática, algo que quedó bastante claro cuando el primero justo recibe una oferta de trabajo para convertirse en juez poco antes de tener que irse para Italia. Relleno deluxe.

Lo único relativamente salvable eran los vaivenes en la relación entre Robin y Barney. Ya sabíamos que no iban a poder romper por lo que vimos en el primer episodio de la temporada –y es que, recordad que toda la temporada ha venido a ser un flashback dentro de otro flashback-, pero nos han dejado detalles interesantes, tanto en lo cómico como en lo dramático. En lo primero destaca el capítulo en el que Barney hacía todo lo que estaba en su mano por descubrir con quién estuvo obsesionado Robin años atrás y en lo segundo las dudas recientes de Robin –menos mal que ese conato de volver con Ted ha sido aniquilado- han vuelto a permitir lucirse a Cobie Smulders.

Y la madre es…

He omitido conveniente ese final de episodio en el que Ted se presentaba ante la puerta de una chica y le declaraba su amor incondicional. Un momento emotivo que, en el fondo, seguía funcionando a modo de aplazamiento para conocer a la madre. El propio Josh Radnor dijo en su visita a España que lo importante era cómo la conocía y no su identidad, por lo que todo el revuelo que se está montando alrededor de habernos mostrado que Cristin Milioti es la actriz elegida para darle vida es algo que no se apoya en nada más que en el hecho de haberla visto cuando su identidad siempre ha sido un simple macguffin para contarnos las cómicas aventuras de un grupo de amigos en Nueva York.

También me gustaría unirme a aquellos que están quejándose agriamente porque la madre no sea una actriz bellísima o sacando cualquier pega imaginable a la elección de Milioti, ya que esto en sí mismo es algo que considero un acierto, ya que cumple perfectamente el tipo de chica adorable apropiada para Ted y tampoco habían caído en errores en su descripción que la convirtiesen en ser casi mítico como la Maris de ‘Frasier’.

Donde sí tengo problemas es con el mero hecho de haber introducido una escena final en plan pegote para enseñarnos a la madre. ¿Había alguna necesidad real de hacerlo más allá del “es que quería saber ya quién era”? De hecho, no me sorprendería que apenas apareciese en la próxima temporada y esto haya sido un regalo envenenado para los defensores de que teníamos que conocerla bastante antes de que ‘Cómo conocí a vuestra madre’ llegara a su final.

Los habrá que me tachen de hater por esa afirmación y por decir que la season finale también ha sido una tremenda decepción. Varios microdramas un tanto forzados –lo de Marshall ha sido especialmente traicionero, pero lo de Ted mudándose tras la boda entre Robin y Barney salió aún más de la nada- han creado la sensación idónea para ver el episodio como la primera de –al menos- dos partes, eso hay que reconocerlo, pero no un cierre mínimamente satisfactorio a todo lo visto hasta ahora. Tampoco supieron lidiar especialmente bien con lo dramático, punto en el que la serie había demostrado un mejor nivel en los últimos tiempos, ni en lo cómico, la “lucha” de Robin y Barney contra pareja no estuvo muy inspirada.

La gran revelación final no sólo no sirve para salvar una temporada terriblemente olvidable, sino que tampoco aporta nada que a mí me resulte especialmente estimulante. Los que estaban deseando ver a la madre cuanto antes seguramente estén alegres por ello, pero yo lo veo como una concesión innecesaria para que se hable más de la serie. Sí me motiva la posibilidad de que en la última temporada tengan que recurrir a una narración más o menos a tiempo real, pero habrá que ver si saben lidiar con ello.

En ¡Vaya tele! | ‘Cómo conocí a vuestra madre’ comienza su recta final, sólo queda una