Probablemente hayáis leído o escuchado la polémica que se ha generado por una serie de chistes hechos por los guiñoles de Canal+ Francia tras la sanción a Alberto Contador por su positivo en un control antidopaje del Tour de 2010. Aquí no vamos a entrar a valorar dicha polémica (buscad, si no, los chistes que esos mismos muñecos hicieron del positivo de Richard Virenque en otra edición del Tour, la de 1998, o los que hicieron a costa de la tenista Amelie Mauresmo), sino que la vamos a utilizar para recordar a los hermanos españoles de esos guiñoles, los que Canal+ presentó dentro de un espacio, llamado ‘Las noticias del guiñol‘, dentro de ‘Lo + Plus‘.

Influidos también por los ingleses ‘Spitting Image‘ (aunque ni españoles ni franceses se acercan a sus sátiras salvajes), los guiñoles estuvieron hasta 2005, ya en ‘Noche Hache‘, en Cuatro, parodiando cualquier aspecto de la actualidad informativa española e internacional, ya fuera política, cultural o deportiva. En algunos momentos llegaron a radiografiar tan acertadamente la situación española, que los telediarios reales parecían más de mentira que ‘Las noticias del guiñol’. Con todo este revuelo, no hace daño recordar algunos de sus mejores momentos, o mejor dicho, los momentos de los que YouTube nos ha podido proveer.

Aznar, Pujol y Arzalluz

En 1996, los guiñoles encontraron un filón con la campaña electoral de aquellas elecciones y, después, con las negociaciones de José María Aznar con Jordi Pujol y Xabier Arzalluz para garantizar el apoyo de CIU y PNV a su gobierno. Algunos de sus gags más recordados vienen de esta época, incluyendo la boda entre Aznar y Pujol o el curso de catalán en la intimidad del primero. Más tarde, en 2000, las parodias que hicieron de ‘El Señor de los Anillos‘ y ‘El profesor chiflado‘ para hablar de la sucesión de Aznar al frente del PP fueron también grandes éxitos.

Las tácticas de Clemente

El fútbol fue una mina inagotable de parodias y chistes para los guiñoles. Raúl, Ronaldo o Ronaldinho figuran entre los muñecotes más recordados, y lo mismo ocurre con Louis Van Gaal y su cabeza de ladrillo. Pero quizás pocos igualaron a Javier Clemente y su táctica de ganar partidos con el patapum p’arriba y el patapum pa’dentro. Como se ve en el vídeo, los de Canal+ hasta utilizaron al guiñol del entrenador como “analista” del Mundial de 2002 2006.

La guerra de Irak

La famosa búsqueda de las armas de destrucción masiva de Saddam Hussein que llevó a la invasión estadounidense de Irak, en 2003, proporcionó abundante material para la sátira. ¿Quién no se acuerda de aquel “mi amigo Tony Blaaaaaaair”? Con el propio Blair y George Bush hubo momentos realmente divertidos, especialmente con el último. Yo aún recuerdo el chiste de la “galleta talibán” de un día en el que Bush se atragantó con una galleta y se cayó de una bicicleta estática, o algo así.

El dúo Zapatero-Rajoy

Encontrar vídeos de algunos de los múltiples e hilarantes gags que los guiñoles hicieron de los primeros años como presidente del gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero está bastante complicado, así que tendremos que conformarnos con esta parodia de cómo PSOE y PP afrontaron los escándalos de corrupción que afectaron a ambos partidos en Baleares. De Zapatero son memorables también todas las parodias de películas protagonizadas por él, Felipe González y los ‘barones’ del PSOE (la de ‘Psicosis’ es tremenda) después que fuera elegido para sustituir a Joaquín Almunia al frente del partido. Y González como Cantinflas es otro gran momento del guiñol.

Jesús Gil

La calidad del vídeo es muy mala, pero me temo que es lo que hay para ver a uno de los grandes personajes de la primera etapa de los guiñoles (junto con Julio Anguita y Jesulín “como un toro” de Ubrique); Jesús Gil. Su caracterización más tarde como Shrek es uno de sus mejores momentos, pero cualquier parodia de sus ruedas de prensa como presidente del Atlético de Madrid eran verdaderas joyas.

Es inevitable dejarse fuera un montón de recuerdos de los guiñoles porque o no hay vídeos disponibles en Internet, o no se pueden incrustar. Esta lista podría hacerse eterna si incluyéramos también el peculiar “Amo a Laura“ de Rajoy, Acebes y Zaplana, las bromas sobre las elecciones de 2004 y la elección de Zapatero o todas las insuperables parodias con el guiñol de Esperanza Aguirre. Como decía el muñeco de Hilario Pino, buenas noches, noches, a todos, todos.

P.D.: Por cierto, en este post no se discute de política, no es ése su tema. La elección de vídeos se ha hecho teniendo en cuenta su disponibilidad en YouTube.

En ¡Vaya Tele! | Los guiñoles dicen adiós

Y un poco sí que lo hacía, más en cuanto a la ambientación, a su título y al hecho de tener al que terminaría siendo Wild Bill Hickcok entre sus protagonistas (la ABC fue demandada uincluso por los productores de ‘Arma joven’). Creada por Ed Spielman, duró tres temporadas entre audiencias no muy buenas (aunque sí vivió un repunte en la segunda entrega) y críticas para todos los gustos, desde las que pensaban que, efectivamente, no era más que una copia de ‘Arma joven’ a las que apuntaban que mostraba otra cara del Oeste, destacando siempre en todas ellas la fotografía de la serie. Sin embargo, de algún modo, logró hacerse con un grupo de fans muy fieles, sobre todo entre la audiencia joven, que seguía a estos chicos justo en los años anteriores al estallido de la guerra civil americana.

Los personajes

‘Jóvenes jinetes’ transcurría en una estación del servicio de correo del Pony Express en Nebraska, una estación dirigida por un antiguo Texas Ranger llamado Teaspoon y una mujer de difícil pasado. Allí trabajaban Buck, un chico medio indio, Ike, sordo por una enfermedad que contrajo de pequeño, Kid, un tranquilo chaval del Sur, el futuro Buffalo Bill y el futuro Bill Hickock, dos pistoleros de temperamento volátil, sobre todo el segundo, y Lou, una chica que se disfraza de hombre para poder trabajar allí, y cuya condición descubre Kid enseguida, dando pie a la principal trama romántica de la serie. Entre el reparto encontramos a actores que luego alcanzarían cierto reconocimiento, como Stephen Baldwin y, sobre todo, Josh Brolin y Melissa Leo. A Ty Miller igual alguno lo ha visto después de hombre lobo en ‘Expediente X‘ o como técnico del FBI en ‘Sin rastro‘.

A ellos se les unieron también Brett Cullen como el sheriff del pueblo o, ya en la segunda temporada, Don Franklin como un hombre negro, nacido libre, que se enrola en el Pony Express. Aunque con el paso de los capítulos fueron adquiriendo más importancia las tramas románticas, no era raro que en la serie se tratara, por ejemplo, la sensación de que se acercaba una guerra, la esclavitud, el avance de colonos blancos por las tierras de los indios y asuntos típicos del western como los duelos de pistoleros o las venganzas contra tipos que habían hecho algún mal a las familias de algunos de los protagonistas.

Entretenimiento familiar

‘Jóvenes jinetes’ era una serie de corte familiar, en la que los conflictos casi siempre se solucionaban para bien y en la que sus protagonistas no tenían más claroscuros de la cuenta. Lo suyo era el entretenimiento un poco de toda la vida, aunque aprovecharan el personaje de Buck para introducir algunas de las tensiones creadas entre los indios y los colonos por la propiedad de la tierra. Aunque es de los pocos westerns emitidos por la televisión estadounidense en los últimos 30 años, es curioso que, en la misma época de su emisión, también se viera un western de ciencia ficción de muy corta vida como ‘Las aventuras de Brisco County Jr‘, o la miniserie ‘Lonesome dove‘, además, por supuesto, de ‘Norte y Sur‘ y sus secuelas.

En España, ‘Jóvenes jinetes’ se vio en TVE, si yo no recuerdo mal, repartida entre La 1 y La 2 e, inicialmente, dentro de un horario, a las 8 de la tarde, en el que siempre se programaba alguna serie. Durante su tercera y última temporada pasó a los miércoles por la noche (otra vez, si yo no recuerdo mal), y entre el público adolescente encontró un nicho que hace que todavía hoy sea recordada, aunque no fue ningún gran éxito en su momento. Pero todos los que la vimos nos acordamos seguro de su sintonía.

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Eran uno, dos y tres los famosos mosqueperros,

el pequeño D’Artacán siempre va con ellos…

Quizá resulta difícil encontrar hoy a alguien nacido entre los años 60 y 70 80 que no reconozca la sintonía de ‘D’Artacán y los tres mosqueperros’, una serie que cautivó a un montón de niños por su forma de acercarles el clásico de la literatura universal Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas sin perder ni acción ni emoción, y es que ‘D’Artacán…’ fue una de tantas series de animación que se atrevieron con la literatura adaptada para niños, como sucedió en su día con las series dedicadas a El Quijote, a la historia del Cid Campeador o a la vuelta que dio Phileas Fogg al mundo en 80 días.

Creada por el rey de la animación española Claudio Biern Boyd a través de su productora BRB Internacional y en coproducción con la japonesa Nippon Animation, responsable de éxitos como ‘Heidi’, ‘D’Artacán..’ consiguió ganarnos el corazón a toda una generación de chavales acostumbrados a ver en la tele espadachines dentro de muchas películas pero no en una serie de animación infantil.

De mosqueteros a… ¿mosqueperros?

En el inicio de la historia conocemos a un D’Artacán cachorro en su Gascuña natal, de donde parte con destino a París para convertirse en mosqueperro del Rey Luis XIII, el Justo. Allí conoce a los tres mosqueperros Amis, Dogos y Pontos, y de ahí en adelante veremos a los cuatro personajes enfrentándose a los planes del malvado cardenal Richelieu, ejecutados por sus siniestros ayudantes. Un romance con la joven Julieta y la amistad con el ratón Pom nos da el resto de ingredientes.

Una de las características más evidentes de la adaptación de Los tres mosqueteros para convertirse en ‘D’Artacán y los tres mosqueperros’ fue el juego con los nombres de los personajes:

• D’Artacán, como equivalente cánido de D’Artagnan, para dar vida a un perro que recuerda a un Snoopy algo suavizado.
• Amis, el springer spaniel, como equivalente apocopado y evocador de la amistad francesa, de Aramis, el más espiritual de los mosqueteros.
• Dogos, un enorme san bernardo, como obviedad perruna con la que se rebautiza a Porthos, esposo de Milady de Winter.
• Pontos, pastor alemán, es Athos, el más heroico de los amigos de D’Artagnan.
• Julieta, una perrita que recibe un nombre mucho más evocador que el original de la novela, Constance Bonacieux, doncella de confianza de la reina Ana de Austria.
• Milady, una gata de raza sin precisar, como abreviatura de Milady de Winter, ex esposa de Athos y aliada de Richelieu.

• Pom, el ratón, como elemento cómico y adyuvante positivo de libro que es, representa un añadido por cortesía de la casa.

Sea como fuere, toda una generación crecimos en el divertido equívoco de llamar “mosqueperro” y “D’Artacán” a los personajes literarios de Dumas en virtud de un recurso que Claudio Biern Boyd repitió al año siguiente versionando a Julio Verne en ‘La Vuelta al mundo de Willy Fog‘.

Una serie con Honor y Amistad

TVE emitió la serie por su primera cadena (actual La 1) los sábados a la hora de los dibujos animados, esto era en la franja de la sobremesa, entre el ‘Telediario’ y el espacio cinematográfico ‘Primera sesión’, a eso de las 15:30, y nos duró desde el 9 de octubre de 1982 hasta el 9 de abril de 1983. Hacia el verano se repuso la serie en la segunda cadena (actual La 2): del 15 de agosto al 30 de septiembre. Y, como podéis ver en el vídeo de los créditos iniciales, también ha sido repuesto por otras cadenas de nuestro país, en este caso la privada catalana CityTV, hoy 8TV.

Llamaba la atención ya en aquel entonces leer sobreimpresionada en la cabecera de la serie el conocido lema de los mosqueteros sobre la lealtad: “Uno para todos y todos para uno”. Sin embargo, lo bueno venía cuando llegábamos a la parte en que el texto invadía la pantalla con estas palabras:

Esta serie, basada en la novela de Alejandro Dumas “Los tres mosqueteros”, pretende a través de sus divertidos protagonistas resaltar dos virtudes que nunca se deben olvidar: El Honor y La Amistad.

Igualito que lo que aprendemos hoy en día de la tele, vaya.

Recuerdo que cuando leía cada semana aquellas frases me llamaba mucho la atención que tanto Honor como Amistad se escribieran en mayúscula, y es que el mensaje educativo estaba presente en ‘D’Artacán y los tres mosqueperros’, al menos en la intro. Luego en cada capítulo las aventuras se sucedían y los mamporros iban que volaban, pero supongo que todos teníamos claro que aquello iba de broma… aunque, reconozcámoslo, después fuéramos muchos los que intentáramos cortar una manzana que volara por los aires. Cosas de la imaginación.

La serie tuvo desde un primer momento vocación internacional, fruto de la cual se emitió en Francia, Portugal, Brasil, Reino Unido, México, Perú y Chile. En la versión inglesa, titulada ‘Dogtanian and the Three Muskehounds’, los valores estaban igualmente presentes en la cabecera, pero oír cantar lo del “one for all and all for one” aún es ahora que no lo acabo de ubicar. Os dejo la intro por si tenéis curiosidad. La parte positiva es que las voces de esta grabación, cuyos coros cantan “D’Artacán, D’Artacán”, y no “Dogtanian, Dogtanian”, no resultan tan agudas como las de la versión española, que corría a cargo del dúo Popitos:

Merchansiding y otras curiosidades

Como buena serie de la época, ‘D’Artacán y los tres mosqueperros’ tuvo su propia colección de cromos que conseguíamos inflándonos a yogur, pero también una cuyos cromos se vendían en quioscos. Además, se fabricaron miles de muñecos a las más diversas escalas, se editaron cómics, historietas, juegos de cartas, también hojas con dibujos para colorear… Vamos, un poco de todo.

Hay un sitio web que reúne absolutamente todo lo imaginable sobre la serie en su versión internacional. Se trata de Muskehounds, donde podéis encontrar imágenes poco habituales, un origami de D’Artacán, un juego de avatares con los personajes de la serie que utilizaréis si sois moderadamente fans de ‘D’Artacán…’; si vuestra afición es mayor podéis jugar a cantar en grupo la canción de D’Artacán en un montón de idiomas y si estáis enfermos de D’Artacanismo, en la sección de fans comprobaréis que no estáis solos en el mundo. Quien no se consuela…

Segundas partes nunca fueron buenas

Años más tarde, en 1990, BRB Internacional junto con Thames Television y Wang Film Productions produjo una secuela titulada ‘El retorno de D’Artacán’ y basada en la obra El vizconde de Bragelonne. La historia cuenta que ha pasado el tiempo, D’Artacan vive en París con Julieta y sus dos hijos, y sus viejos amigos mosqueperros ya están algo mayores, pero se reúnen de nuevo para ayudar a la reina Ana, que ve cómo el rey Luis XIII ha tomado algunas decisiones extrañas que afectan al trono.

En aquella segunda parte preparada con tanta posterioridad a ‘D’Artacán y los tres mosqueperros’ los dibujos eran más occidentales, más precisos, la imagen mucho más definida, los diálogos más sencillos y directos… pero ‘El retorno de D’Artacán’ ya no tuvo el mismo sabor ni desde luego una acogida comparable cuando se estrenó en las sobremesas de los domingos de 1991. ¿O será que para aquel entonces los niños ya no lo éramos tanto?

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¿Habéis oído alguna vez esa frase que dice “trabajas más que un pañuelo en ‘La Casa de la Pradera’” o esa otra de “Esto está más tranquilo que ‘La Casa de la Pradera‘ en hora de misa”? Hay muchos ejemplos más, pero algunos no son muy decorosos… Sólo un verdadero fenómeno cultural que perdure en nuestro recuerdo durante generaciones puede conseguir entrar en el imaginario popular de esta manera y provocar que la mera mención de su nombre se asocie rápidamente a unas cualidades concretas.

‘La Casa de la Pradera’ es una de las series más recordadas por todos los espectadores. Incluso aquellos televidentes que no la han visto, saben de qué iba la historia y cómo eran los personajes que la protagonizaban. A veces era cursi, sí; a veces era ñoña, también; pero a veces, conseguía ponernos el corazón en un puño y hacer que cruzáramos los dedos para que a los Ingalls les fuera todo bien.

Cómo nace la historia

Existen dos versiones que explican el nacimiento de la serie. La primera nos habla de una película para televisión que tuvo tanto éxito que se reconvirtió en serie. La otra (no muy alejada de ésta primera) nos dice que se grabó un capítulo piloto revestido de película, esto es, con un alto coste de producción y un metraje de dos horas, para probar con el público la historia y los personajes y que, debido a sus buenas audiencias, se continuó con el proyecto.

Sea como fuere, lo que sí sabemos con certeza es que, a comienzos de los años 70, el productor de televisión Ed Friendly buscaba una serie con el tirón y la fuerza suficientes para ser capaz de sustituir a ‘Bonanza’. En sus manos cayeron los libros autobiográficos escritos por la verdadera Laura Ingalls Wilder durante la segunda mitad del siglo XIX, unos relatos en los que narraba su historia familiar: perteneció a una familia de pioneros americanos que vivió en los estados de Kansas, Minnesota y Dakota.

Pero el verdadero motor que impulsó ‘La Casa de la Pradera’ se llama Michael Landon. El entonces joven actor, conocido por interpretar al benjamín de los hermanos Cartwright, se entusiasmó desde el primer momento con el proyecto. Friendly le propuso que dirigiera el piloto para la NBC pero Landon quiso que su participación fuera más allá y se ofreció como actor para interpretar al padre de la familia Ingalls. Por si fuera poco, también fue productor y guionista de la serie.

Las tramas

‘La Casa de la Pradera’ nos contó durante nueve temporadas las vicisitudes de la familia Ingalls, formada, en un principio, por el matrimonio (Charles y Caroline) y sus tres hijas (Mary, Laura y Carrie), que llegaban al pueblecito de Walnut Grove y se establecían en una granja. Pese a las variadas y múltiples complicaciones, la familia luchaba por prosperar y salir adelante. A la familia protagonista se unía un elenco de personajes que cumplía con los estándards vecinales que deben pulular por toda villa televisiva: los tenderos, ricos y tacaños; el reverendo de buen corazón, el médico para todo, un carpintero amigo de la familia…

Durante las primeras temporadas, la acción se centró más en los problemas económicos de los Ingalls, una familia que prospera desde la nada. Debían defender su granja y su trabajo frente a las adversidades territoriales, climatológicas, empresariales… Después, los personajes comenzaron a volar y las hijas, convertidas ya en adolescentes, cobraron más protagonismo, siendo sus historias personales las que daban mayor interés a lo que sucedía en la serie. En especial, Laura, que fue tomando mayor y mayor fuerza.

Uno de los puntos fuertes de ‘La Casa de la Pradera’ y también una de las razones por las que encandiló al público estadounidense fue mostrar a los pioneros americanos como personas trabajadoras y honradas que sufrieron para hacer prosperar su nación, pero sin olvidar nunca ciertos valores morales y religiosos. Los Ingalls eran un ejemplo de superación, sacrificio y trabajo duro pero también de devoción y bondad, y de aquello de poner la otra mejilla cuando el prójimo sacaba las uñas.

Esta serie, al igual que sucedió con ‘La Tribu de los Brady’ siempre se usa para ejemplificar un cierto tipo de honradez basada en principios de caridad y resignación. Incluso los personajes más malvados no lo eran tanto. Por ejemplo, Nelly Olleson, la archienemiga de Laura durante la primera parte de la serie, maduraba y cambiaba, “convirtiéndose” en buena.

Pero, a pesar de que ahora nos parezca tan blanca e inocente, en su momento fue muy aclamada por tratar temas de problemática social como las adicciones, el racismo o el elitismo. Y aunque muchos pensemos que la ceguera del personaje de Mary fue un señor golpe de efecto con tintes morbosillos, en ese momento, para la sociedad americana supuso sacar a la palestra algo que hasta entonces nunca se había mostrado en televisión, sino que era marginado en la industria audiovisual. De la misma manera, hablar de hijos adoptados era un tabú para las familias de la época, por lo que los Ingalls también fueron pioneros en este aspecto.

Algunas curiosidades

• En España, ‘La Casa de la Pradera’ vivió un resurgir cuando en los años 90, Telecinco se hizo con los derechos de la serie y volvió a emitirla a mediodía. Una nueva generación de espectadores quedaron atrapados por sus empalagosas intrigas.
• La serie se canceló por la bajada de la audiencia, pero sus fans seguían siendo legiones. Las protestas de los mismos hicieron que se grabaran cuatro películas.
• En 2005 se rodó una miniserie a modo de remake.
• La revista TV Guide nombró a Charles Ingalls como el cuarto mejor padre televisivo de todos los tiempos y a Nellie Olleson como el tercer personaje de la televisión más engreído.
• La actriz Alison Argrim (Nellie Olleson) publicó en 2010 el libro ‘Confesiones de una zorra de la pradera’ en la que destapaba las relaciones tortuosas entre los actores de la serie, centrándose especialmente en las disputas entre Melissa Gilbert y Melissa Sue Anderson (Laura y Mary, respectivamente).
• Otro que se encargó de desmontar mitos acerca de ‘La Casa de la Pradera’ fue John E. Miller quien, en su biografía sobre la autora de las novelas originales ‘Becoming Laura Ingalls Wilder’ afirmaba que el modélico padre de familia fue bastante más canalla de lo que la ficción se hubiera atrevido a reflejar nunca.
• El teléfono que tenía el Doctor Baker ha sido objeto de polémica, pues se considera que en una ciudad como Walnut Grove no habría llegado en esa época ese tipo de tecnología.

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En todo el tiempo que llevo escribiendo en ¡Vaya Tele! llevo escritos decenas de críticas y un buen puñado de Nostalgias TV, alguno de los cuales sobre series absolutamente míticas. Pero creo que es la primera vez que me encuentro intimidado al enfrentarme a una serie, sin saber si podré escribir un texto que haga completa justicia a una de las mejores sitcoms de la historia. Una comedia exquisita de la que me he sorprendido al ver que no le habíamos dedicado hueco en esta sección. Hoy, en Nostalgia TV: ‘Seinfeld‘.

‘Seinfeld‘ fue una “sitcom” (más adelante diré por qué entrecomillo lo de sitcom) de NBC creada por Larry David y por el cómico norteamericano Jerry Seinfeld que, además la protagonizaba en una versión caricaturizada de sí mismo. La serie la emitió NBC desde 1989 hasta 1998, con un total de nueve temporadas siendo parte, además, de uno de los bloques de comedias más míticos que se recuerdan junto con ‘Frasier‘ y ‘Friends‘ los jueves por la noche.

La comedia que no iba de nada

Si algo caracerizaba a ‘Seinfeld’ por encima de otras comedias de la época (diferenciaba, más bien) era que sus episodios no iban de nada. Era una sitcom sin sit; una comedia de situación en la que no había ninguna situación que resolver a lo largo del episodio, no había ningún conflicto, ninguna premisa. Cada episodio de ‘Seinfeld’ se contruía en base de una minucia, una anécdota o una manía de alguno de los personajes normalmente basada en alguna anécdota de la vida de Jerry Seinfeld o Larry David.

Pero es que, además, la serie tenía otra clara diferencia respecto a otras sitcoms (por si no fuera suficiente). Y es que eran amigos que, sin más, se juntaban (normalmente en el piso de Seinfeld o en el restaurante de la esquina en el Upper West Manhattan) y charlaban sobre dichas minucias y manías. No vivían juntos, no eran familia ni compañeros de trabajo… la única relación era la amistad. Así pues teníamos a George Constanza (Jason Alexander) el mejor amigo de Seinfeld; Elaine Benes (Juila Louie-Dreyfuss), su exnovia; y Cosmo Kramer (Michael Richards), el excéntrico vecino. Cada uno de ellos tenía sus propias manías y una personalidad poco definida que podía dar mucho juego en cada episodio con sus conflictos superficiales.

Otra de las características de ‘Seinfeld’ es que cada episodio comenzaba y terminaba (hasta la séptima temporada) con un breve stand up de Jerry que podía tener o no relación con el “tema” del episodio. Además la serie tuvo su momento “meta” en la cuarta temporada en el cual Jerry Seinfeld intentaba vender a una cadena de televisión ‘Jerry‘, una serie de las mismas características que ‘Seinfeld’… una serie que no iba sobre nada.

‘Seinfeld’ llamó la atención de gran parte del público y la crítica y se convirtió en todo un fenómeno. No me extraña porque hay tantas escenas y episodios míticos como el de la carrera, el de la sopa nazi, el del biólogo marino, la limosina, el restaurante chino… Con ciento ochenta episodios, cada uno de ellos con una referencia a Superman, es muy difícil elegir alguno. Para que os hagais una idea del fenómeno que era esta serie os diré que cuando NBC anunció su finalización en 1998 la noticia hizo primera plana en los periódicos neoyorquinos; además el doble capítulo final tuvo mucha expectación e incluso antes de grabarse. Aunque por lo general este final no convenció.

¿Qué fue de…?

Como suele pasar tras realizar una serie mítica como ‘Seinfeld’ suele haber una “crisis” de los actores protagonistas, a los que les cuesta mucho encontrar una buena oportunidad televisiva/cinematográfica que sea exitosa. De hecho con los protagonistas de ‘Seinfeld’ se habla directamente de “la maldición de Seinfeld”, a pesar de que para Larry David es un concepto completamente idiota.

• Jason Alexander: tras ‘Seinfeld’ protagonizó un par de series que fueron canceladas a las primeras de cambio como ‘Bob Patterson’ (ABC, 2001) y ‘Listen Up!’ (CBS, 2004-2005). De hecho el papel que más le ha durado en televisión es el de director del instituto en ‘Todo el mundo odia a Chris’. Por lo demás sigue haciendo papeles secundarios en cine y alguna que otra aparición en televisión.
• Michael Richards ha tenido incluso peor suerte. En 2000 guionizó y protagonizó ‘The Michael Richards Show’ que fue cancelado tras siete episodios, desde entonces no se le ha vuelto a ver en televisión salvo para alguna que otra aparición. En 2006 protagonizó un escándalo durante una actuación en el Laugh Factory de Hollywood. El humorista fue grabado lanzando improperios racistas a dos reventadores afroamericanos cosa que ofendió a parte del público.
• Julia Louise-Dreyfus es quizás la que mejor suerte ha tenido. A pesar de que su primer proyecto, ‘Watching Ellie’ (2002) fracasó logró protagonizar ‘The new adventures of old Christine’ en CBS, llegando a las cinco temporadas. Este año ha grabado ‘Veep’ la nueva comedia de HBO que se estrenará el 22 de abril en Estados Unidos.

• Jerry Seinfeld continúa su carrera como monologuista cómico haciendo alguna que otra aparición estelar en ‘Saturday Night Live’ o el episodio que le dedicaron en ’30 Rock’.

La Reunión

En 2010 se produjo en el ‘Show de Larry David‘ (‘Curb your enthusiasm’) la reunión de ‘Seinfeld’, que podéis ver sobre estas líneas. Una de las “tramas” de la séptima temporada de ‘Curb your enthusiasm‘ fue la de conseguir realizar una reunión de ‘Seinfeld’ con el propósito de que la ex de Larry David volviera con él. Así pues vimos al reparto de ‘Seinfeld’ ir apareciendo durante la temporada hasta que se produjo dicha reunión en el final de dicha temporada. Por cierto, reunión completamente guionizada, al contrario que la serie de Larry David.

Algunas curiosidades sobre la serie

Para terminar un poco este Nostalgia a una serie que si no has visto debes ver vamos a coger unas cuantas curiosidades, intentando no repetirme de las que comentamos no hace mucho con una infografía:

• El guión original era ‘Stand Up‘, un falso documental de hora y media sobre cómo se escribían los guiones de un monólogo en base a las experiencias reales de los cómics. La idea era emitirlo en sustitución a ‘Saturday Night Live’.
• ‘Seinfeld’ es una de las primeras comedias de éxito en rodar en exteriores.
• Kramer estaba basado en un compañero de trabajo de Larry David, mientras que Constanza estaba basado en sí mismo y Elaine es una amalgama de novias y amigas tanto de Jerry como de Larry.

• Durante la emisión del episodio final la cadena TV Land decidió no emitir nada en esa franja; MTV emitió cortos de animación durante sus cortes publicitarios y la noche anterior el episodio final el episodio de ‘Dharma & Greg’ (ABC) tenía a sus protagonistas hablando sobre tener sexo en público ya que todo el mundo estaría en casa viendo el final de ‘Seinfeld’.

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‘Nene, cómete las acelgas o llamo a Ángela Channing’. Así podría haber empezado una conversación hogareña en la España en los 80, cuando Ángela Channing era la mala malísima por excelencia. Y eso que ‘Falcon Crest’ conservó en España su título original y no se llamó, como en algunos países latinoamericanos, ‘Viñas de odio’, que aún echa más leña al fuego del temor.

‘Falcon Crest’ fue una de las primeras soap operas que llegaron a la televisión española. En nuestro país, se convirtió en un auténtico fenómeno social. Cada nuevo capítulo conseguía que miles de hogares quedaran paralizados, con todos sus habitantes pendientes de la pantalla que les mostraría las andanzas vinícolo-amorosas de los personajes. La serie fue creada por Earl Hammer (‘Los Walton’) y sus más de 200 episodios, repartidos en 9 temporadas, fueron producidos por Lorimar.

Trama de telenovela

Hammer estaba interesado en contar una historia sobre la industria del vino norteamericana, pero la cadena CBS le pidió que fuera más allá en su empeño y que lo hiciera otorgándole unas tramas familiares dramáticas y alambicadas, al estilo de ‘Dallas’, que era el gran éxito televisivo de la cadena en aquellos momentos.

La trama de ‘Falcon Crest’ giraba en torno a la rivalidad empresarial de las familias Gioberti y Channing. El detonante era la llegada al valle de Tuscany (recreación ficcionada del valle de Napa, en California) de Chase Gioberti, su esposa e hijos, tras la muerte (en extrañas circunstancias) del padre de Chase, hermano de Angela Channing. Chase venía para hacerse cargo de las tierras de su padre, pero pronto se daría cuenta de que no contaba precisamente con el apoyo de su tía Angela, dueña de los viñedos Falcon Crest y casi de todos los habitantes de la región y que pretendía hacerse con el control de los viñedos de Chase por la calidad de sus tierras.

A partir de ese momento, Angela y sus acólitos se pasaban el día tramando planes para hundir en la miseria a la familia Gioberti: que si les envenenaban las vides, que si no dejaban pasar agua, que si chantajeaban a los compradores… Los Gioberti, que venían a ser los buenos y las víctimas de todo esto, eran gente más “humilde” que sólo querían sacar adelante su trabajo con el sudor de su frente.

‘Falcon Crest’ consiguió hacerse fuerte con el uso de los cliffangers al final de cada temporada. Siempre había un impactante giro esperando en el último capítulo. El listado no tiene desperdicio: desde un accidente aéreo hasta un terremoto, pasando por explosiones de bombas o entierros en los que se desconocía la identidad del finado, enigma por el que debíamos esperar al inicio de una nueva temporada para conocer su resolución.

A pesar de tan trágicos giros, cabe reconocer, sin embargo, que ‘Falcon Crest’ resiste a duras penas un nuevo visionado. Con el paso del tiempo, los conflictos de la serie resultan más bien cándidos y un poco inocentones. Los malos eran muy malos, pero hasta cierto punto, y los buenos parecían directamente escapados del santoral. Cualquier serie actual resulta mucho más dura y cruel, a pesar de que Angela Channing sigue siendo una de las malas más recordadas en el imaginario colectivo.

Los personajes

Los personajes de ‘Falcon Crest’ eran bastante prototípicos, ahondaban en los clichés y solían carecer de matices. Las relaciones que se establecían entre ellos solían mutar a menudo de manera injustificada (muchos nunca perdonaron que Maggie se casara con el hermano y rival de su marido) y los giros que significaban los cambios de parentesco no ayudaban a que la cosa fuera mejor. Aún así, para la mayoría de los espectadores, sus vidas llenas de lujo e intrigas resultaban apasionantes.

Angela Channing era la “líder” de la pandilla. Interpretada por Jane Wyman, era el personaje principal. Tomaba el relevo de los malos clásicos de la televisión como J.R. en ‘Dallas’, con una particularidad: ella era una mujer. Liberada de cualquier tópico femenino que pudiera constreñirla, Angela gobernaba los destinos de los habitantes de valle de Tuscany a sus anchas. Memorable fue también su relación con el misterioso y servicial Chao-Li.

Chase Gioberti y Richard Channing funcionaban como las dos caras de la moneda. Chase era un piloto de aviones, ex combatiente de Vietman, a quien un, a veces incomprensible, sentido del honor y la lealtad llevaban a hacerse cargo de los viñedos de su padre. Durante muchas temporadas significó el ejemplo de la honradez y la bondad. Para muchos, era un blando y un aburrido. Richard Channing fue, primero, hijastro de Angela, después, hermano de Chase y, por último, hijo ilegítimo de Angela (sí, así se las gastaban en ‘Falcon Crest’). Era tan maquiavélico y retorcido como el que más y, seguramente por eso, la audiencia le adoraba.

Otra de las historias más intensas fue la protagonizada por el triángulo amoroso de Lance (Lorenzo Lamas), Melissa y Cole. Lance era el guapo de la serie, el ojito derecho de Angela. Tenía un componente malvado pero con el tiempo y gracias a, claro que sí, el amor, acababa redimido. Inolvidable la secuencia de reconciliación entre Lance y Melissa poco antes de que ella muriera.

En ‘Falcon Crest’ había muchos otros personajes que complementaban todos los roles necesarios para el buen funcionamiento de un culebrón: Maggie Gioberti, la bella, generosa y dulce esposa; Emma, la hija atormentada por sus problemas mentales; Julia, la otra hija, talentosa pero ninguneada por su madre; Vicky, la joven rebelde que traía de cabeza a sus padres…

Curiosidades

Ficha Técnica: Falcon Crest

• Título Original: Falcon Crest
• Género: Drama
• Cadena: CBS (1981-1990)
• Emitida en España: TVE
• Disponibilidad DVD: Serie completa

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Ésta contribuyó a hacer mucho más famosa de lo que ya lo era a Helen Mirren y, al mismo tiempo, cambió un poco la percepción que había sobre cómo debía ser una serie policíaca en televisión. ‘Principal sospechoso‘, creada por la novelista Lynda LaPlante, no tenía como protagonista a un detective casi infalible rodeado de subalternos que siempre obedecen sus órdenes, y tampoco a uno que trabajaba solo pero seguía demostrando un talento para la investigación criminal que dejaba a Sherlock Holmes en mantillas. La heroína de LaPlante era una mujer que, además, tenía un cargo que le otorgaba cierto poder, que estaba llena de contradicciones y de fallos, que no era infalible y con una personalidad no especialmente agradable. Y todo eso, a principios de los 90, era revolucionario en televisión.

Una estructura peculiar

‘Principal sospechoso’ no era, exactamente, una serie en el sentido que se le puede dar a ese término. Sus temporadas no tenían siempre el mismo número de episodios y tampoco tenían una periodicidad fija; ésta estaba marcada por el calendario de Helen Mirren más que por las necesidades de ITV, la cadena que la emitía en el Reino Unido. Así, entre 1991 y 2006, se emitieron siete temporadas, algunas de las cuales contaban un único caso a lo largo de dos episodios o repartían tres investigaciones en tres capítulos. Las tres primeras temporadas, por ejemplo, se emitieron entre 1991 y 1993, contando cada una de dos episodios. La cuarta se vio en 1995 y eran tres tv movies, cada una sobre una historia diferente. La quinta se vio al año siguiente, 1996, y luego hubo un espacio de siete años en los que ‘Principal sospechoso’ quedó en el limbo. Sus responsables siempre dijeron que la retomaban cuando a ellos se les ocurría una buena historia y Helen Mirren estaba disponible y, así, las dos últimas entregas se vieron en 2003 y 2006.

La serie aprovechaba el paso del tiempo para enseñarnos la evolución de Tennison, y no sólo a través de su ascenso en la policía, Su entrega al trabajo la lleva por un camino autodestructivo que se insinúa en las primeras entregas y que está completo casi al final, cuando la superintendente ha caído en el alcoholismo y prácticamente no tiene nada más a lo que agarrarse que su placa. ‘Principal sospechoso’ siempre destacó por ser austera, lo más realista posible con los métodos de investigación y con los efectos que algunos casos tenían en los policías, y esa mirada mucho más cercana al trabajo real de los detectives influenció bastante a las series policíacas posteriores, aunque la mayor influencia se encuentra en su personaje principal.

Tennison y su legado

En 1991, tener como protagonista a una mujer con criterio propio, y que no intentaba ganarse el respeto de los demás de otro modo que no fuera mediante su trabajo, en un entorno laboral dominado por los hombres, con el ambiente sexista qie eso conllevaba, era algo que no se había visto hasta entonces. De hecho, el sexismo era una barrera constante en las investigaciones de Tennison durante buena parte de la serie, y no sólo por parte de los compañeros, sino también, a veces, por parte de los testigos y los acusados. No era un tema que se tratara a menudo en la televisión británica, y si a eso añadimos que ‘Principal sospechoso’ aprovechaba su condición de drama policíaco para hacer comentarios sobre la sociedad de la época, tenemos parte de las razones por las que se la considera un clásico de la televisión.

Su éxito inicial llevó a que Mirren abandonara momentáneamente la serie en 1996, para evitar encasillarse, pero terminó regresando para las temporadas finales. La actriz británica ganó tres premios BAFTA y dos Emmy por su impresionante y honesto retrato de Tennison, y la sombra del personaje se nota en producciones actuales como ‘The Closer‘, cuya Brenda Leigh Johnson empieza debiendo bastante a la superintendente. ‘Principal sospechoso’ nunca se arrugó al mostrar las consecuencias que un trabajo como el de Tennison podía tener en ella y en sus compañeros, pero tampoco juzgaba a sus personajes. Mostraba sus circunstancias y sus decisiones y dejaba que los espectadores decidiéramos, y lo que es indiscutible es que Jane Tennison (y la interpretación de Helen Mirren) es uno de los mejores personajes de la historia de la televisión.

Ficha Técnica: Principal sospechoso

• Título Original: Prime Suspect
• Género: Drama policíaco
• Cadena: ITV (1991-2006)
• Emitida en España: Canal+
• Disponibilidad DVD: Serie completa

En 1988, los niños nos quedamos “huérfanos”, televisivamente hablando. La Bola de Cristal dejó de emitirse; se fue joven convirtiéndose así en programa de culto por los siglos de los siglos. Llenar ese vacío que dejaron Alaska y sus electroduendes en nuestros corazones y asumir la tarea de entretener a los niños en esas mañanas de sábado, iba a resultar difícil. Pero entonces llegó ‘Cajón Desastre’, y con él, una nueva mini-revolución.

Cierto es que Cajón Desastre era más políticamente correcto, o, mejor dicho, apolítico. Nadie nos explicaba las teorías marxistas o defendía el capitalismo. Pero, como programa contenedor, dio cabida a formatos que supusieron nuevos hitos: una nueva forma de hacer humor (Faemino y Cansado), series de éxito que acabaron “volando” solas (como la del alienígena más famoso, ‘Alf’) e incluso fue el precursor de las sitcom españolas con su espacio ‘Pase sin llamar’.

Un programa para todos los públicos

El mayor mérito de ‘Cajón Desastre’ como programa era su empeño en gustar a todos los niños de la casa, independientemente de su edad. Era, literalmente, un cajón desastre donde todo tenía cabida: dibujos, pruebas sobre patines, la emisión de series míticas y espacios de producción propia. Un baúl lleno de sorpresas que iban siendo desveladas por una jovencísima Miriam Díaz Aroca, que dio con este programa el gran paso de azafata a presentadora; un trabajo que le valió la nominación al TP de oro en 1990 como mejor presentadora y que le abriría otras puertas aún más grandes en el futuro.

Como magazine, se estructuraba en secciones; en este caso, una “para cada hermano”. Los contenidos se ajustaban a diferentes franjas de edades, diferenciando así tres grandes partes en el programa: dibujos animados, pensados para niños de hasta 9 años; las actividades, que contaban con la participación de los “chavales” de hasta 14 años y una sección final llamada a a atraer a los teenagers de la casa (suponemos que se eran los últimos en levantarse), con series que forman parte ya de nuestra memoria colectiva, actuaciones musicales y otros contenidos.

Los “dibus”

Los más pequeños de la casa eran convocados a las 9:00 de la mañana con un bloque de setenta y cinco minutos de animación. Se ofrecían series que aún hoy siguen siendo rarezas, como ‘Emilie’, una serie de dibujos francesa de la que no he sido capaz de encontrar nada en la red y ‘Calculín’, el Eduard Punset de los niños. También cobró vida en esta sección la criatura de Quino, ‘Mafalda’ o el hombre lobo ‘Teen Wolf’, la adaptación a serie animada de ese clásico de los 80 progaonizado por Michael J. Fox.

Sin duda, no están en el ‘top 10’ de los dibujos que recordamos cuando nos ponemos nostálgicos (véase ‘David el Gnomo’, ‘Dragones y Mazmorras’, y otros clásicos de nuestro imaginario). Pero lo cierto es que siguen estando en la memoria. Sólo hace falta volver a ver la cabecera del programa para experimentar esa sensación de déjà vu.

Las Actividades

La segunda parte del programa tenía lugar en plató y estaba dirigida a niños y niñas de hasta 14 años. De 11 a 12 de la mañana, la acción se situaba en el ‘Estadio Desastre’. Los chavales acudían para participar por equipos (con nombres tan propios de mentes de doce años y que entonces nos hacían tanta gracia como “Mermelada de Pus”) en competiciones con diferentes juegos y circuitos. Una especie de Gran Prix a pequeña escala que tenía lugar mientras sus compañeros del colegio les animaban desde las gradas.

La creatividad se alentaba con concursos de dibujos como ‘Ilustración’, en el que todos los niños del plató pintaban sobre un tema común, y otras secciones similares como ‘Lápices de colores’. La habilidad se ponía a prueba con unos patines en ‘Sobre ruedas’. La oferta era tan completa que también había lugar para la divulgación (cumpliendo así con creces las tres máximas de la televisión “formar, informar y entretener”). Esta tarea corría a cargo de la serie de documentales ‘Contrastes’.

Los contenidos para adolescentes

La tercera parte este magazine fue sin duda la que más éxito le reportó. Era de corte más juvenil, pensada para los más mayores de la casa y ofrecía tantos contenidos diferentes que casi era un programa con vida propia dentro de ‘Cajón Desastre’. Allí descubrimos tesoros de nuestra infancia/pre-adolescencia como Colegio Degrassi (Degrassi Junior High, decía la sintonía original), una serie sobre un instituto canadiense que supuso toda una novedad en nuestras pantallas y que, con la perspectiva del paso de los años, resulta mucho menos supérflua que otras series del género que nos llegaron después.

Las aventuras del extraterrestre más querido después de E.T.,‘Alf’, también se vieron en televisión por primera vez gracias a ‘Cajón Desastre’. Y fue todo un acierto: tanto éxito tuvo que en TVE le buscaron su propio hueco fuera del magazine, pasando a emitirse a partir de 1989 los domingos por la tarde en La 1. En esta misma sección se emitieron después otras series como ‘Los Robinsones Suízos’ o ‘De otro mundo’.

‘Pase sin llamar’ fue la gran aportación del programa. Se trataba de una telecomedia ambientada en una familia y sus tres hijos. Esa fórmula que después veríamos repetida hasta la saciedad, pero importada de USA (como ‘Los problemas crecen’, que se emitiría en la segunda etapa del programa). Esta sitcom de producción propia estaba protagonizada por un entonces jovencísimo Ángel de Andrés (Manolo, de ‘Manos a la obra’) y Marta Fernández Muro.

Actuaciones musicales al más puro estilo guateque de garaje de grupos por aquel entonces de moda (No me pises que llevo chanclas, Siniestro Total o Los Refrescos, además de otros menos conocidos) y demás “variedades” completaban la sección juvenil. Allí se daban cita Jordi Bertrán con sus espectáculos de títeres, Juan Tamariz con su espacio ‘Magia Street’ o el humor irreverente de Faemino y Cansado, que se estrenaban en televisión con su sección ‘Cinema Desastre’.

Segunda etapa: cada tarde, de lunes a jueves

Fue en abril de 1990 cuando el programa se reubicó en la parrilla, pasando a ser diario y a entretenernos en la hora de la merienda, después de ‘Yupi’ y su mundo, al que todos muchos cogimos manía porque nos parecía un indigno sustituto de Espinete. El programa se renovó y se ajustó a una duración mucho menor. Se unieron nuevos colaboradores y nuevas series como ‘Patoaventuras’ o ‘Los Problemas Crecen’ y se crearon secciones como ‘Consultorio Desastre’, conducido por Miriam junto a Faemino y Cansado, ‘Radio Desastre’ o la deportiva ‘Acción en Acción’.

La excelente capacidad de Miriam Díaz Aroca para comunicar, su juventud y su dinamismo tuvieron mucho que ver en el éxito de este programa que buscaba entretener y divertir, pero también educar, con una conductora que se mostrara cercana y que empatizara con los niños y niñas. Supo darle identidad al programa y los espectadores respondieron eligiendo a este magazine como el mejor programa infantil y otorgándole así dos premios TP de Oro en 1988 y 1989. En marzo de 1991 TVE decidió dejar de emitirlo, para sustituirlo por un nuevo espacio de concursos.

Ficha Técnica: Cajón Desastre

• Título Original: Cajón Desastre
• Género: Magazine infantil
• Cadena: La 1 (1988-1991)
• Emitida en España: TVE
• Disponibilidad DVD: No

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Corrían los años 90 cuando, en los parques y colegios, se empezó a ver a niños practicando un deporte que nunca había tenido demasiada implantación en España: el voleibol. El entusiasmo popular se debió al éxito de las series infantiles que por aquel entonces había comenzado a emitir Telecinco y que apostaban por este deporte, títulos como ‘Dos fuera de serie’ o la que trataremos en el Nostalgia de hoy ‘La panda de Julia‘.

Acostumbrados a ver a las mujeres como personajes secundarios y con poca fuerza, sorprendió y gustó que una chica fuera la protagonista de una historia en la que, sorpresa, su objetivo no era casarse y formar una familia, sino triunfar en su profesión y convertirse en una deportista de élite. Bueno, para ser exactos, en la mejor deportista del mundo, para qué andarnos con chiquitas.

Dramático argumento

El argumento es el siguiente: Julia Jara (Kozue Ayuhara en la versión original) es una joven que, superados ciertos problemas de salud, llega a un nuevo instituto. Su sueño es entrar en el equipo de voleibol, hecho que consigue gracias a sus estupendas cualidades. Deberá superar la animadversión inicial de sus compañeras, en especial la de Elena, una chica procedente de una acaudalada familia que está acostumbra a triunfar en todo lo que se propone y que ve como una amenaza el talento de su nueva compañera. Las rivalidades se superarán y las chicas se convertirán en grandes amigas. Julia continuará avanzando en el mundo del voleibol hasta conseguir llegar a la final del mundial.

Para ser una serie infantil, ‘La panda de Julia’ no está exenta de toques “telenovelescos”: como muchas series anime, la protagonista aterriza en un ambiente hostil en el que (un poco incomprensiblemente, la verdad) todo el mundo la odia. Pero todo esto cambia rápidamente gracias a su alegría y a su buen hacer. El afán de superación marcará la trayectoria de Julia y le ayudará a conseguir sus objetivos.

Esto nos lleva a una estructura un tanto similar a la de ‘Oliver y Benji‘, en la que los personajes van sumando compañeros entre los que en un primer momento eran sus rivales más feroces. El valor de la amistad y el compañerismo tienen una fuerte presencia. Otro detalle que comparten son los momentos “espectaculares”, más propios de series fantásticas como ‘Dragon Ball‘. El “remate tornado” o “el balón que desaparece” son golpes maestros que Julia perfecciona en su carrera hacia el estrellato. El efecto que consigue dar al balón es un tanto mágico y tiene que ver con el deseo de ofrecer momentos fuertemente climáticos a los espectadores. Los personajes se transforman aquí en superhéroes más que en jugadores de voleibol.

Y no podemos olvidar ciertas secuencias que por su carga trágica conseguían que los entonces niños nos sintiéramos sobrecogidos ante lo que se suponía que era un serie meramente lúdica: la muerte del novio de Julia en un accidente de tráfico, mientras ella juega un partido trascendental, bien podría haber sido escrita para un capítulo de ‘Los ricos también lloran’. Otros dramáticos momentos se sucedían en los entrenamientos cuando, por ejemplo, las muñecas de Julia sangraban al golpear el balón mientras portaba unas cadenas que le ayudaban a incrementar su fuerza.

Origen del manga

La serie es una adaptación del manga de 12 volúmenes de Chickako Urano, publicado entre 1968 y 1970. Su puesta en marcha estuvo “animada” por la popularidad que consiguió el voleibol femenino japonés tras la consecución de la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Tokyo’64.

Con el título original de Attack no.1, la serie constó de 104 capítulos. Posteriormente, con los mismos personajes se rodaron cuatro películas y en 2005 se hizo una adaptación con imagen real para una serie de 11 episodios. El éxito de ‘La panda de Julia’ condujo a nuevos productos de similares características centrados en otros deportes, como ‘Raqueta de Oro‘ o ‘Piruetas‘, también emitidas por Telecinco.

La banda sonora también supuso un auténtico éxito y entró en la compilación ‘Campeones y tus amigos de Tele5‘ junto con temas de otras series infantiles que emitía la cadena en ese momento como ‘Supergol’ o las mencionadas ‘Oliver y Benji’ y ‘Dos fuera de serie’. Sol Pilas fue la intérprete del tema en español.

Ficha Técnica: La panda de Julia

• Título Original: アタックNo.1 Atakku Nanbā Wan
• Género: Animación. Anime. Infantil
• Cadena: Fuji Tv (1969)
• Emitida en España: Telecinco y Canal Sur
• Disponibilidad DVD: Si

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Lo curioso de ‘Raquel busca su sitio’ es que, vista once años después de su estreno, no ha perdido vigencia ni calidad, y lo cierto es que es mejor que gran parte de las series nacionales que se programan actualmente en las parrillas de las cadenas españolas. No era deprimente, ni buscaba un realismo social de denuncia tipo Ken Loach, y no faltaban las subtramas más ligeras, los triángulos amorosos y los finales más o menos felices, pero los casos que sus personajes trataban tocaban una variedad de asuntos muy amplia, desde la inmigración a la resinserción de ex presos, pasando por casos de malos tratos, familias de acogida, drogadicción, etc. La serie llegó a recibir un premio por su retrato del colectivo de los trabajadores sociales, ya que buscaba un tono un poco más realista de lo habitual en televisión.

La sinopsis

La Raquel del título, en realidad, eran dos: Raquel (Leonor Watling), una joven que logra, por enchufe, que la trasladen de Bruselas a un centro de servicios sociales en Madrid, donde empieza su vida de nuevo, y Quela (Cayetana Guillén Cuervo), la directora de dicho centro, y que enseguida ve con desconfianza a Raquel por haber conseguido ese traslado sin tener ninguna experiencia práctica como asistente social. La serie sigue, principalmente, a Raquel en sus intentos por ganarse el respeto de sus compañeros y, además, sortear una situación emocional que es un campo de minas porque ella es uno de los vértices del triángulo amoroso que forma con Quela y su prometido, Manuel (Nancho Novo). Un triángulo que luego se convierte en un cuadrado con la entrada en escena de David (Javier Albalá).

La relación entre esos cuatro dificulta a veces su relación laboral, y más cuando, nada más empezar la serie y antes de su primer día de trabajo en el centro, Raquel se da cuenta que ha pasado la noche con Manuel, sin saber quién era (ocho años antes de que lo hiciera ‘Anatomía de Grey‘. Es un truco muy viejo). No obstante, aunque eran los protagonistas, y especialmente las dos Raqueles, la serie no se centraba sólo en ellas, y tenía un grupo de secundarios bastante interesante, entre las administrativas del centro, otros trabajadores sociales (interpretados por María Vázquez y Miguel Hermoso) y algunas de las personas a las que ayudaban, que aparecían esporádicamente a lo largo de la serie. Algunas escenas en el centro estaban marcadas por un ir y venir continuo de personajes y, curiosamente, por el hecho de que casi no se utilizaba música en los episodios.

‘Raquel’, la canción

Sin embargo, curiosamente, aunque ‘Raquel busca su sitio’ no fue ningún gran éxito, sí hizo brevemente famoso en España a David Broza, el cantautor israelí que cantaba ‘Raquel‘, la sintonía de sus títulos de crédito (co-escrita junto a Jorge Drexler). El disco de Broza en el que se incluía dicho tema, ‘Isla Mujeres’, tuvo una buena acogida en nuestro país, y la canción todavía dio mucho más juego en la serie porque, al final de cada episodio, un artista diferente la interpretaba en el bar donde todos los personajes iban a pasar el rato. De hecho, en el último capítulo, son las propias Leonor Watling y Cayetana Guillén Cuervo las que la interpretan.

Como decimos, ‘Raquel busca su sitio’ no consiguió llegar al gran público en su estreno. TVE la programó de un modo un poco errático los lunes, condenándola finalmente a altas horas de la noche, y hasta ahora, no había vuelto a emitirla (de hecho, creo que tampoco está colgada en su web, aunque puede conseguirse por otros métodos). Se ha repuesto en Cosmopolitan, en la televisión de Extremadura y, curiosamente, en Cuba, y estos nuevos pases permiten apreciar las cosas que la hacían interesante, como su reparto o el modo en el que trataban algunos de los casos. Éstos, además, no eran una excusa para tener un drama de oficina, sino que eran una parte importante de las vidas de sus protagonistas, y permitían que se acercaran a la televisión aspectos de la sociedad que, de otro modo, quedaban un poco de lado. Era una serie que merecía la pena, y mejor suerte de la que tuvo.

Ficha Técnica: Raquel busca su sitio

• Título Original: Raquel busca su sitio
• Género: Drama social
• Cadena: La 1 (2000)
• Emitida en España: TVE y Cosmopolitan
• Disponibilidad DVD: No

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